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le storie dietro delle foto perle rare
intervistatore: Charles Shaar Murray - New Musical Express, 23 giugno 1973
Un venerdì pomeriggio caldo e appiccicoso a Los Angeles Nove piani su Sunset Boulevard, Robert Plant toglie la maschera di vita di Roy Harper dallo stereo nella sua stanza d'albergo e si sdraia su uno dei letti. Indossa un paio di jeans di pelle e poco altro, e suda abbastanza copiosamente. Perché un padre di famiglia felice con una moglie, un bambino e una fattoria adorabili dovrebbe correre volontariamente in tutto il mondo per mettersi in contatto con tutti i drammi maggiori e minori del tour? “Questo è un gruppo molto vicino, unito e sensibile, da un membro all'altro. Abbiamo un legame molto forte, quindi lavorare è un piacere.
“Quello che è successo è stato che, dopo aver realizzato il terzo album, io e Jimmy eravamo in Galles ed eravamo stufi di andare in America. Andavamo due volte l'anno, e in quel periodo l'America era davvero una prova, uno sforzo. Comunque, non abbiamo lavorato per un anno e abbiamo detto: 'Guarda, è terribile, andiamo, muoviamoci. Quindi nell'ultimo anno abbiamo suonato in ogni singolo mercato che una band nella nostra posizione potrebbe suonare ".
Agli occhi di PLANT, il loro punto di forza musicale è la capacità di essere in grado di affrontare qualcosa come "D'Yer Maker" - "Desmond Dekker incontra i Led Zeppelin" - e mantenere la loro credibilità. “Questa è la proprietà più bella che possediamo - senza di essa, il gruppo sarebbe noioso. Senza fare nomi, ci sono molti gruppi in Inghilterra che fanno ancora affidamento su riff dopo riff dopo riff. Alcuni spettatori possono scuotere e sbattere la testa sul palco facendo riff per tutta la notte, ma la sottigliezza è un'arte che deve essere padroneggiata se vuoi essere ricordato.
“In questa band siamo molto fortunati che tutti siano più entusiasti col passare del tempo. Non c'è affatto stanchezza o noia musicalmente. C'è un po 'di noia quando sei bloccato a Mobile, in Alabama o in posti del genere. Alcune lampade standard possono cadere dalle finestre - cose del genere - ma andiamo avanti e continuiamo a riprodurre quella musica. È solo questo rapporto che abbiamo tra noi. È un buon ronzio. Amico, voglio dire, ho imparato a sentire un pubblico adesso, e questo è il mio successo. Li sento, possono sentire me. Se non puoi, non stai facendo niente.
“Ci sono molti gruppi che vengono qui e suonano ad alto volume e in modo molto monotono e fanno arrabbiare le persone… ma, dall'altra parte, è quasi come alzare le mani e toccare tutti. Probabilmente è per questo che torneremo qui tra tre settimane. Vedi, il mio bambino ha appena iniziato a camminare e non l'ho ancora visto sbocciare. Queste sono le cose che ti turbano dell'essere in viaggio. Il fatto stesso che ti perdi occasioni fantastiche come quella. "Voglio dire, il ragazzo si alza e inizia a passeggiare - ed eccomi qui a Tuskaloosa o dovunque." Non è pratico per te portare la tua famiglia in viaggio? “Oh, sarebbe caotico per un ragazzino. Neanche a me piace prendere Maureen, per quanto la amo. Quando sei in viaggio, sei nomade, lo sai. C'era un album chiamato Rock n 'Roll Gypsies e basta - devi continuare a viaggiare.
"Robert Johnson una volta ha detto: 'Mi sono svegliato stamattina con la pioggia sulle scarpe / la mia donna mi ha lasciato / ho avuto il blues che cammina'. È semplicemente fantastico andare avanti e stabilirsi in un'altra città e vedere le persone lì che sorridono. Penso di aver avuto una delle più belle donne del mondo e non lo farei il suo nulla di buono, perché lei è non è lassù su quel palco. Quindi si stancherebbe e vorrebbe sapere perché non stavamo facendo questo e quello, e il fatto stesso che mi sono appena svegliata e sono le tre del pomeriggio ei negozi chiudono alle sei, e non c'è fare la spesa oggi e tutto quel genere di cose ... Non è pratico. "
Una delle cose più ammirevoli degli Zeppelin negli ultimi tempi è stata l'atmosfera di misticismo celtico che è penetrata in alcune delle canzoni. 'Stairway To Heaven' è ovviamente il classico esempio, con le sue allusioni a vari miti della Cornovaglia e del Galles. "Era presente davvero dal secondo album in poi", dice Plant quando viene disegnato sull'argomento. “Era qualcosa che abbiamo fatto bene e che puntava in una direzione specifica. Poi ci sono stati "Ramble On", "Thank You", "Going To California", "The Battle Of Evermore", "The Rain Song" - anche nel nuovo album - anche "The Song Remains The Same".
“Ogni volta che lo canto, mi limito a immaginare il fatto di essere stato in giro per il mondo, e alla radice di tutto c'è un denominatore comune per tutti. Il denominatore comune è ciò che lo rende buono o cattivo, che sia un Led Zeppelin o un Alice Cooper. “I testi di cui sono orgoglioso. Qualcuno ha spinto la mia penna per me, credo. “Ci sono molti catalizzatori che mettono davvero in risalto questo tipo di cose: lavorare con il gruppo, vivere dove vivo, avere gli amici che ho, i miei figli, gli animali. C'è anche il fatto che le persone sono finalmente venute a patti con il fatto che, tre anni fa, abbiamo fatto un disco classico con "Whole Lotta Love" e si rendono conto che è solo un colore nell'arcobaleno di ciò che facciamo e di ciò che facciamo. intendono fare in futuro.
“Penso che abbiamo molti amici in Inghilterra. Ricordo Bradford nell'ultimo tour, quando il pubblico era eccezionale. 'Stairway To Heaven' ottiene la maggior reazione di qualsiasi numero che facciamo. Ma la volgarità è in tutti; quell'impennata sotto la cintura che tutti ricevono prima o poi. "Tutti si divertono, suppongo, e noi forniamo un po 'di musica a tal fine."
NEGLI ULTIMI otto mesi gli Zeppelin hanno lavorato bene. “Stavamo andando avanti e indietro in America, e poi in Giappone, Hong King e Bangkok. “Jimmy e io abbiamo registrato alcune registrazioni in India con la Bombay Symphony Orchestra. È stato un esperimento e sappiamo cosa vogliamo fare la prossima volta ". Hmmmm. Pubblicheranno qualcosa di quel materiale? “Non quelli, no. Stavamo solo controllando, pensando a quanto sarebbe stato facile trasporre le idee che abbiamo avuto nello stile raga e nelle menti dei musicisti indiani.
“È molto difficile per loro far fronte all'approccio occidentale alla musica con il loro conteggio di tutto, i loro tempi e così via. Dove contiamo quattro battiti per battuta, le loro battute vanno avanti e avanti. Conteranno fino a 99 o 100 e al 120 ° boom tu cambi, invece che alla 18 ° battuta o qualcosa del genere. Ma comunque, abbiamo scoperto che ciò che vogliamo riprodurre, possiamo farlo con successo nel tempo a venire.
“Siamo passati da lì e abbiamo suonato in Svizzera, Scandinavia, Germania e Prance, che è stato assolutamente caotico. Le persone della promozione sono assolutamente pazze laggiù, ei ragazzi sono più interessati a usare un concerto come scusa per ribellarsi, il più delle volte. Non mi piace molto, non considero di aver guadagnato nulla o di aver dato qualcosa a nessuno quando vedo che ci sono molti sciocchi che litigano.
“Il concerto che hai visto ieri sera è stato magico perché le persone erano molto rilassate. Era come se li conoscessi da anni. L'atmosfera che emettiamo non potrebbe mai sostenere la violenza, una lotta lì dentro sarebbe stata totalmente contraddittoria con l'intera "atmosfera" del luogo, e tutti "sarebbero stati totalmente disgustati".
Lo dico ai grandi concerti, in particolare a New York. Sono sempre nel terrore mortale di un'esplosione di violenza. “Devi avere un rapporto con le persone, e quel rapporto deve sradicare ogni sentimento del genere. Le stranezze di Alice Cooper devono davvero far sentire i ragazzi violenti. Questi ragazzi sono come mia sorella, ragazzi di circa 14 anni che sono venuti per divertirsi. Quindi non penso sia giusto.
“La mia idea è che dovrei salire sul palco ed essere completamente normale, e questo paga. Paga immensamente perché riacquisto quell'atmosfera. Questa è davvero la tesi, questa è la ragione del nostro successo qui ". Gli Zeppelin sono una band a cui fa male perdere la testa. Cos'è che fa? È la chimica delle quattro persone? “Sì, è il desiderio di voler davvero lasciare qualcosa per sempre e per sempre. Vorrei creare qualcosa adesso, e far parte della creazione di qualcosa adesso, che sarebbe valido per anni e anni a venire. Non tanto nel modo in cui Chuck Berry sarà valido tra 50 anni, cosa che lo farà, ma qualcosa come una scala gigantesca che cattura gran parte dell'umore del gruppo.
“La mia ambizione è scrivere qualcosa di veramente eccezionale. Ascolto persone come Mendelssohn - "Fingal's Cave" e quel genere di cose - ed è assolutamente fantastico. Puoi immaginare esattamente dove fosse quel ragazzo. Puoi immaginare l'intera cosa e vorrei che fosse lo stesso per noi nel tempo a venire. Dovrei pensare che ce l'abbiamo fatta per mettere insieme qualcosa del genere. Voglio dire, abbiamo iniziato.
“La scorsa notte, quando c'erano tutte quelle luci, quella era una fedeltà spirituale. Esci e loro se ne vanno. "Sì, sappiamo che ce la puoi fare" - e con quel genere di cose nascoste nella cintura puoi solo andare sempre più forte. Qualcuno una volta mi ha descritto come l'hippie originale e questo a causa dei testi fioriti, sai, e anche a causa del brusio che emettiamo ".
31 agosto 1969
Lewisville, TX negli Stati Uniti
Festival internazionale del pop del Texas
Gli Zeppelin concludono il loro tour estivo negli Stati Uniti.
Stampa: L'avanguardia di circa 100.000 fan del rock si è già accampato venerdì nel vasto parco federale intorno al bacino idrico di Garza-Litlle Elm vicino a Lewisville, in Texas. Il parco è vicino al Dallas International Motor Speedway, dove oggi si apre un festival di tre giorni. Tra le attrazioni del festival del Texas c'erano Janis Joplin, Herbi Mann, Led Zeppelin, Johnny Winter e Tony Joe White.
https://youtu.be/UxKc9kLbTN4?list=PLDOWo00YFjPSK2y9BmjsUh2Plf0dhyNDv
A rare interview with Robert Plant from March 1975
Led Zeppelin photo slideshow, performing at Cleveland's Public Hall, October 24, 1969.
Concert info: http://www.ledzeppelin.com/show/octob...
Led Zeppelin - 1970.01.09 London - 16mm film (
8mm fan footage featuring Led Zeppelin performing in Charlotte, North Carolina, April 7, 1970. Though the footage is somewhat dark and underexposed, this version is a new (Oct. 2009) digital transfer from the original reel.
Home movie footage shot by Led Zeppelin Author Chris Welch. Not only does he capture a stellar performance in Berlin 7/19/70, but also shows the band walking around in Germany.
Led Zeppelin Berlin 1970 (live/offstage)
This was compiled from two different sources to make the longest version, clocking in at 13 minute. This press conference was filmed in New York on 9/18/70.
Led Zeppelin - 1971.08.22 LA - 8mm film
16mm footage of Led Zeppelin performing in Houston on 8/26/71
8mm footage of Led Zeppelin performing live in Oakland, CA on July 23, 1977
https://youtu.be/XjXOByFxegw?list=PLDOWo00YFjPSK2y9BmjsUh2Plf0dhyNDv
8mm film of Led Zeppelin performing in Munich on 7/5/80
Concert info: http://www.ledzeppelin.com/show/july-...
https://youtu.be/jqiW4VnX_5k?list=PLDOWo00YFjPSK2y9BmjsUh2Plf0dhyNDv
This version is different. This one include a couple of seconds of Black Dog in the beginning!
Led Zeppelin - 1980.07.05 Munich - 8mm film
https://youtu.be/6zhZuAtvcYg?list=PLDOWo00YFjPSK2y9BmjsUh2Plf0dhyNDv
l
Robert Plant e Jimmy Page jamming con Bad Company nel 1976.
Jimmy Page / Robert Plant
Guests at Bad Co.
May 10, 1976
L.A. Forum
http://www.heartofmarkness.com/led-zeppelin-bad-company.../
e altre foto riguardano il 1976
Robert Plant e Jimmy Page jamming con Bad Company nel 1976. Jimmy Page / Robert Plant Guests at Bad Co. May 10, 1976 L.A. Forum
Robert Plant e Jimmy Page jamming con Bad Company nel 1976. Jimmy Page / Robert Plant Guests at Bad Co. May 10, 1976 L.A. Forum
Robert Plant e Jimmy Page jamming con Bad Company nel 1976. Jimmy Page / Robert Plant Guests at Bad Co. May 10, 1976 L.A. Forum
Robert Plant e Jimmy Page jamming con Bad Company nel 1976. Jimmy Page / Robert Plant Guests at Bad Co. May 10, 1976 L.A. Forum
Led Zeppelin & Bad Company Jam On Whole Lotta Love - Monaco 1980
l'ultima foto riguarda il 1980
e qui sotto c'è una interessante valutazione e articolo con il link di quella "famosa versione con due batteristi..di Whole Lotta Love..
https://youtu.be/XWUV3CuF08E
Monaco 1980. In realtà era il penultimo concerto in assoluto dei Led Zeppelin, e secondo me l'ultimo grande concerto. La registrazione è per lo più completa (con alcuni tagli fuori tutto) e ha una qualità molto buona (tranne che per una fonte inferiore per colmare le lacune) per una registrazione del pubblico.
Il tour europeo del 1980 fu un momento misto nella carriera live dei Led Zeppelin. Hanno avuto dei momenti fantastici (Bruxelles, Rotterdam, Francoforte) e alcuni momenti irregolari / brutti (Brema, Hannover, Norimberga). Questo concerto è stato uno dei migliori in assoluto del tour; tutti vanno a fuoco dando ottime versioni delle canzoni, come In The Evening, The Rain Song, Hot Dog, All My Love, White Summer, Kashmir, Stairway e Rock And Roll. Achilles Last Stand viene suonato per l'ultima volta dal vivo e suona alla grande per una performance finale. La più grande sorpresa dello spettacolo è, tuttavia, l'ospite speciale di Simon Kirke alla batteria in Whole Lotta Love, che è anche una fantastica interpretazione. Goditi questo fantastico spettacolo!
LED ZEPPELIN E BAD COMPANY
SIMON KIRKE E JOHN BONHAM A MONACO DI BAVIERA 1980
Ho rivisitato il tour dei Led Zeppelin del 1980 e non avevo mai ascoltato il loro spettacolo del 5 luglio 1980 a Monaco. Questo è uno degli unici (forse l'unico) spettacolo di questo tour che non ha una tavola armonica là fuori. L'eccesso di tavole armoniche a secco della fine degli anni '80 non ha favorito questo tour. Il tono di Jimmy è fragile e mette in risalto ogni nota flubbed wayyyyy più di un buon nastro del pubblico.
Munich è un ottimo nastro per il pubblico, forse anche eccellente. C'è una buona separazione stereo, una buona atmosfera e puoi sentire la chitarra di Jimmy come la avresti sentita in sala. Inoltre è stato uno spettacolo divertente.
A conclusione dello spettacolo, è stata allestita una seconda batteria, accanto alla batteria di Bonzo. Nemmeno Keith Moon ha ricevuto la sua batteria quando ha suonato con Zep nel '77. Questa è una cosa unica.
Dopo una breve pausa, i Led Zeppelin tornano con il batterista dei Bad Company, Simon Kirke. I Bad Company erano l'atto più importante (a parte gli stessi Zeppelin) per la loro etichetta Swan Song, così come gli amici della band, quindi avevano un accesso speciale. Jimmy e Robert hanno anche suonato con Bad Company un paio di volte, ma questo è l'argomento di un altro post sul blog.
Quindi ecco una versione molto bella, molto divertente, di Whole Lotta Love, con due batteristi. Questa è anche la penultima volta che la band suona questa canzone, prima della morte prematura di Bonzo. È divertente. Jimmy si dedica alle cose divertenti del blues, e riporta anche i batteristi in riga, quando si perdono. Questa registrazione mi ha davvero fatto cambiare idea su questo tour e ha fatto pendere la bilancia nel decidere di rendere questo tour l'argomento del mio prossimo podcast .
Godere!
le altre foto riguardano il 1976
Robert Plant e Jimmy Page jamming con Bad Company nel 1976.
Jimmy Page / Robert Plant
Guests at Bad Co.
May 10, 1976
L.A. Forum
http://www.heartofmarkness.com/led-zeppelin-bad-company.../
Il Tour del 1980 è meglio conosciuto per le esibizioni alquanto irregolari (in un singolo spettacolo ci possono essere momenti musicali / vocali eccellenti e orribili), ma ci sono sei spettacoli che consiglierei a chiunque voglia partecipare a questi concerti e questo è uno di loro. Jimmy in realtà suona per lo più bene, con assoli fantastici in tutte le canzoni, e Plant, anche se rudemente sui primi numeri come sempre, si ripulisce man mano che lo spettacolo progredisce e canta in modo enorme. Purtroppo, hanno abbandonato Achilles Last Stand per qualche motivo, inoltre lo spettacolo diventa più (in) famoso a causa del petardo casuale durante White Summer (Jimmy viene colpito da un petardo durante la riproduzione, va nel backstage e il promotore cerca di sistemare la cosa con il pubblico - che riceve la band con un grande canto di "Scusa! Scusa!"). Ma non preoccuparti: hai ancora grandi performance di In The Evening, The Rain Song, All My Love, Kashmir, Stairway To Heaven (uno dei migliori assoli di Jimmy in questa canzone) e un fantastico Whole Lotta Love alla fine!
https://youtu.be/9Hj9BEwFXKo...
.e qui..
Robert porta dentro e fuori di sè..tutta la sofferenza di padre..
non ho trovato conferma..
ma sembra che nel momento della pausa del parlato..
si sia asciugato il viso..
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https://www.facebook.com/notes/392725825101156/
le storie dietro delle foto perle rare
Led Zeppelin - The Battle Of Evermore
The Battle of Evermore
Queen of Light took her bow, And then she turned to go,
The Prince of Peace embraced the gloom, And walked the night alone.
Oh, dance in the dark of night, Sing to the morning light.
The dark Lord rides in force tonight, And time will tell us all.
Oh, throw down your plow and hoe, Rest not to lock your homes.
Side by side we wait the might of the darkest of them all.
I hear the horses’ thunder down in the valley bElow,
I’m waiting for the angels of Avalon, waiting for the eastern glow.
The apples of the valley hold, The seeds of happiness,
The ground is rich from tender care, Repay, do not forget, no, no.
Dance in the dark of night, sing to the morning light.
The apples turn to brown and black, The tyrant’s face is red.
Oh war is the common cry, Pick up your swords and fly.
The sky is filled with good and bad that mortals never know.
Oh, well, the night is long the beads of time pass slow,
Tired eyes on the sunrise, waiting for the eastern glow.
The pain of war cannot exceed the woe of aftermath,
The drums will shake the castle wall, the ring wraiths ride in black, Ride on.
Sing as you raise your bow, shoot straighter than before.
No comfort has the fire at night that lights the face so cold.
Oh dance in the dark of night, Sing to the morning light.
The magic runes are writ in gold to bring the balance back. Bring it back.
At last the sun is shining, The clouds of blue roll by,
With flames from the dragon of darkness, the sunlight blinds his eyes.
La battaglia di Evermore la battaglia di sempre
LA BATTAGLIA DI SEMPRE
La Regina della Luce prese il suo arco e si voltò per andare,
Il Principe della Pace abbracciò le tenebre e attraversò la notte da solo.
Oh, danzate nell'oscurità della notte, cantate con la luce del mattino.
Il malvagio Signore cavalca in forze stasera e il tempo ci dirà tutto.
Oh, gettate a terra il vostro aratro e la vostra zappa,
non chiudete a chiave le vostre case.
Fianco a fianco aspettiamo la grandezza dei più malvagi fra loro.
Odo il fragore dei cavalli
Giù nella valle
Aspetto gli angeli di Avalon
Aspetto il bagliore dell'Oriente.
I frutti della valle hanno in sé i semi della felicità,
la terra e ricca per tenera cura, ricambiatela, non dimenticate, no, no.
Danzate nell'oscurità della notte, cantate con la luce del mattino.
I frutti diventano marrone e nero, il viso del tiranno è rosso.
Oh, la guerra è pianto collettivo,
raccogliete le vostre spade e correte.
Il cielo è pieno di bontà e cattiveria che i mortali non conosceranno mai.
Oh be', la notte è lunga,
Il tempo si sgrana lento come un rosario,
Occhi stanchi al sorgere del sole
Che aspettano il bagliore dell'Oriente.
Il dolore della guerra non può superare il dolore di ciò che verrà dopo.
Il suono dei tamburi scuoterà le mura del castello, dove gli spettri cavalcheranno vestiti di nero.
Cantate mentre sollevate il vostro arco, tirate più dritto di prima.
Non dà conforto il fuoco che di notte illumina il viso così freddo.
Danzate nell'oscurità della notte, cantate con la luce del mattino.
Le magiche rune scrivono a lettere d'oro per riequilibrare la bilancia.
Per riequilibrarla.
Finalmente il sole splende,
Le nuvole della tristezza vengono cacciate,
Con le fiamme dal drago dell'oscurità
La luce del sole acceca i suoi occhi.
Queen of Light prese il suo arco, e poi si voltò per andare,
Il Principe della Pace abbracciò l'oscurità e camminò da solo la notte.
Oh, balla nel buio della notte, canta alla luce del mattino.
L'oscuro Signore cavalca in forze stanotte, e il tempo ci dirà tutto.
Oh, butta giù il tuo aratro e zappa, non riposare per chiudere a chiave le tue case.
Fianco a fianco aspettiamo la potenza del più oscuro di tutti loro.
Sento il tuono dei cavalli giù nella valle muggire,
Sto aspettando gli angeli di Avalon, aspettando il bagliore orientale.
Le mele della valle tengono, i semi della felicità,
Il terreno è ricco di tenera cura, ripaga, non dimenticare, no, no.
Danza nell'oscurità della notte, canta alla luce del mattino.
Le mele diventano marroni e nere, la faccia del tiranno è rossa.
Oh la guerra è il grido comune, prendi le tue spade e vola.
Il cielo è pieno di cose buone e cattive che i mortali non conoscono mai.
Oh, beh, la notte è lunga, le perle del tempo passano lente
Occhi stanchi sull'alba, in attesa del bagliore orientale.
Il dolore della guerra non può superare il dolore delle conseguenze,
I tamburi scuoteranno le mura del castello, gli spettri dell'anello cavalcano in nero, cavalca.
Canta mentre alzi l'arco, tira più dritto di prima.
Nessun conforto ha il fuoco di notte che illumina il viso così freddo.
Oh balla nel buio della notte, canta alla luce del mattino.
Le rune magiche sono scritte in oro per riportare l'equilibrio. Riportarlo.
Finalmente il sole splende, le nuvole blu passano,
Con le fiamme del drago dell'oscurità, la luce del sole acceca i suoi occhi.
Led Zeppelin IV (del 1971) ed è cantato assieme alla grandissima Sandy Denny,
Nata a Londra il 6 gennaio del 1947, Sandy Denny morì a trentun anni, il 21 aprile del 1978 a seguito di una emorragia cerebrale, dopo una banale caduta dalle scale qualche giorno prima a casa di un’amica. L’eccezionale presenza nel tanto amato universo musicale, la tormentata esistenza artistica, il suo carisma e quella voce incredibile, hanno tenuto sempre lontano ogni velo di oblio, scatenando un vero e proprio seguito ed una passione che non trova cedimenti neanche a distanza di oltre vent’anni. Gli artisti che l’hanno conosciuta ne hanno tramandato l’amore e la gente che l’ha amata allora se l’è sempre portata nel cuore. Nuove generazioni si affacciano con curiosità e stupore al mondo di Sandy Denny; anche a loro è dedicato questo viaggio attraverso la discografia dove appare la cantante, almeno quella ufficiale che dovrebbe essere qui rappresentata sostanzialmente al completo.
Delle origini sappiamo che, strappata alla professione di infermiera, incantava i frequentatori del Barge, un "folk club" galleggiante sulle rive del Tamigi a Kingston. Forza di carattere, convinzione, smisurata fiducia nelle proprie capacità, la portarono presto a essere una ricercata intrattenitrice di serate fumose in locali londinesi sempre più affollati, in compagnia della sua chitarra e della sofferta angoscia da palcoscenico che non l’abbandonerà mai; in repertorio canzoni di Bob Dylan, Tom Paxton e Pete Seeger, fra le amicizie più significative nell’ambiente quelle di Al Stewart, Paul Simon, John Renbourn e Alex Campbell. Fu proprio quest’ultimo (morto alcolizzato nel 1987) che la portò di forza in sala d’incisione, previa qualche session per la BBC e qualche registrazione per amici. Vengono così alla luce due album: "Alex Campbell and His Friends" e "Sandy and Johnny" (entrambi editati nel 1967 per la Saga Eros in vinile), quest’ultimo con il Johnny Silvo Folk Group. Le canzoni inserite nei dischi citati vengono poi pubblicate in vinile e CD col titolo "The Original Sandy Denny" (B&C Mooncrest) che ne riepiloga il contenuto con la sola aggiunta di "My Ramblin’ Boy". La più amata ed eseguita da Sandy era un traditional dal titolo "The False Bride"; la più bella, indubbiamente "You Never Wanted Me", scritta per lei dal primo amore, il cantautore americano Jackson C. Frank.
L’incontro e l’amicizia con Dave Cousin, leader di un trio proveniente da Twickenam chiamato The Strawbs, producono il primo salto di qualità: una buona rock band al servizio della cantante. A fissare questa importante esperienza ecco due lavori: "All Our Own Work" (Hallmark, vinile) e in seguito, il più famoso "Sandy Denny And The Strawbs" (Hannibal, vinile e rist. CD); tutte le canzoni vengono registrate nell’estate del 1967 a Copenhagen e prodotte da Gustav Winkler, i dischi contengono sostanzialmente le medesime tracce anche se con una sequenza diversa. Il secondo, uscito nel 1973, include in più due canzoni di Cousin eseguite senza l’ausilio della cantante. La perla è "Who Knows Where The Time Goes?", terza canzone in assoluto scritta da Sandy (su un traditional) e rimasta immortale.
Nel frattempo la nostra resta folgorata dall’esibizione all’Horseshoe di Tottenham della nuova formazione dell’amico Renbourn, un gruppo jazz-folk chiamato Pentangle che vede la presenza della cantante Jacquie McShee, di Bert Janish, di Danny Thompson (con cui Sandy avrà un’importante relazione), di Tubby Hayes e di Ronnie Scott. E’ un periodo di grande eccitazione e di luminose prospettive che vede però purtroppo la cantante avvicinarsi smisuratamente all’alcool e alla vita nevrotica, ma è anche un periodo denso di nuovi incontri e di una creatività senza pari. Sandy comincia a scrivere canzoni in proprio con efficacia e convinzione e attraverso la nuova amicizia con un imberbe illuminato produttore, Joe Boyd, oggi leader della Rykodisc, un bostoniano profondamente amante del folk inglese, nascerà casualmente il fatale incontro con i Fairport Convention, una giovane rock band alla disperata ricerca di una cantante in seguito alla defezione di Judy Dyble. Gustoso l’aneddoto dell’audizione che ebbe luogo in un locale di Fulham nel maggio del 1968: in due giorni furono sentite una decina di cantanti, ma quando Sandy attaccò una canzone di Tim Buckley e successivamente la propria "You Never Wanted Me", i ragazzi smisero di suonare e la stettero a sentire a bocca aperta, supplicandola letteralmente di unirsi a loro, cosa che lei fece con entusiasmo solamente perché li credeva americani.
Il gruppo, formato da Richard Thompson, Ian Matthews, Simon Nicol, dal batterista Martin Lamble (che morirà come sappiamo l’anno seguente in un incidente stradale assieme alla ragazza di Thompson), da Ashley Hutchings e naturalmente da Sandy Denny, registra in estate "What We Did On Our Holidays" (Island vinile e rist. CD), primo disco con la Denny in formazione, sotto la produzione di Boyd. Un lavoro strano, non unidirezionale, frammentato dove Sandy comincia ad emergere come autrice (suo il brano iniziale "Fotheringay"), uno sforzo che servirà da timone per dirigersi verso sonorità più acustiche, anche se il cammino si rivelerà tortuoso e non privo di lacerazioni e difficili convivenze (soprattutto nel dualismo fra i due cantanti, Sandy e Ian Matthews, il quale lascerà la band a fine registrazione).
La discografia del periodo comprende "Heyday" (che la Hannibal edita nel 1987), una raccolta di esibizioni per la BBC, le ultime con Matthews in formazione, in gran parte cover di canzoni americane uscito in vinile e, con una canzone in più, su cassetta. I primi mesi del 1969 vedono la band stringere una collaborazione proficua con gli Election, gruppo capitanato dall’australiano Trevor Lucas, pioniere di sonorità folk-rock, in piena sintonia con le direzioni desiderate dai Fairport. Insieme si esibiscono dal vivo (anche il tragico 12 maggio), insieme provano a spingere i propri suoni elettrici verso matrici folk più classiche e insieme drizzano le antenne nei confronti della musica proveniente dall’America, restando folgorati da "Music From Big Pink" della Band. Sandy trascina i ragazzi su audaci territori folk-rock marchiati dalla tradizione, trovando le corde per estendere la propria inconfondibile voce in una gamma di emozioni e di possibilità ancora inespresse.
Nascono le canzoni di "Unhalfbricking" (Island vinile e rist. CD), sempre con Boyd dietro il banco; è un disco stupendo che forse più di ogni altro mette in evidenza le qualità vocali di Sandy col gruppo. Curiosamente in copertina compaiono i genitori della cantante, che si fa ricordare per la rinnovata versione di "Who Knows Where The Time Goes?", vero e proprio cavallo di battaglia fino all’ultimo concerto di Kingsway. Il gruppo è frastornato per la morte di Lamble, ma rigenerato, convinto dei propri mezzi e con l’apporto del nuovo entrato Dave Swarbrick ispirato ricamatore di un violino granitico e dolce, fa uscire il capolavoro "Liege & Lief" (Island vinile e rist. CD). Nella mitica session il gruppo registrò tre tracce che non trovarono posto nel disco e cioè: "Quiet Jois Of Brotherhood", "Ballad Of Easy Rider" e "Dear Landlord". La ristampa in CD uscì con alcune copie piene di refusi, di cui il più grossolano fu il titolo "Liege and Life", roba da fanzine. Il disco, purtroppo, fu anche il primo stop della collaborazione con i Fairport Convention, che Sandy lasciò letteralmente a piedi alla vigilia di un tour a seguito di incomprensioni, capricci e incapacità di condividere la nuova leadership di Swarbrick, ma a onor del vero bisogna aggiungere che le duecento sigarette al giorno e la sbronza sempre incombente avevano reso il suo carattere decisamente instabile e insofferente, oscurandone il lato dolce e romantico.
Le strade così bruscamente divise riportano Sandy da Trevor Lucas, condividendone l’appartamento di Fulham, l’amore e la voglia di ricominciare a fare musica. Le mura domestiche, assieme ad un considerevole numero di demo e incisioni varie, partorirono in lei il desiderio di formare una nuova band, progetto che trovò sbocco in un combo di vecchi amici di Lucas e ottimi sessionists, come il batterista Gerry Conway, il bassista Pat Donaldson e il chitarrista Jerry Donahue, ex Poet And The One Man Band. Il gruppo, nato come Tiger’s Eye, cambiò nome dopo alcuni giorni e divenne Fotheringay, prendendo a prestito il nome dalla vechia canzone di Sandy ispirata a Maria di Scozia. L’omonimo stupendo disco (Island e Hannibal in vinile; ristampa in cd con due extra tracks) uscì nella primavera del 1970 e rafforzò in Sandy la fiducia nelle proprie capacità compositive ma anche la consapevolezza di aver bisogno di una band per esprimersi al meglio; questo causò contrasti sempre più forti con Boyd, il quale invece spingeva per un debutto solista della cantautrice (impegnandosi anche finanziariamente), contrasti che finirono successivamente in una rottura burrascosa e definitiva. Il lavoro dei Fotheringay fu giustamente ben accolto e apprezzato, mentre il successivo tour andò piuttosto maluccio, facendo barcollare il gruppo che incise ancora (session per BBC) ma non editò nessun secondo disco. Il 1970 fu, di contro, un anno di grazia per la notorietà di Sandy in patria e oltreoceano; tra l’altro vinse il poll come migliore cantante femminile di Melody Maker e cominciò ad essere molto ricercata per collaborazioni prestigiose, una per tutte il favoloso duetto con Robert Plant in "The Battle Of Evermore" di cui tutti abbiamo goduto nel mitico "Led Zeppelin IV" (se non ricordo male fu anche l’unica occasione in cui gli Zepp ospitarono qualcuno a cantare).
Il tanto agognato (dal pubblico) e temuto (da lei) album solista, che Boyd aveva fortemente sognato in collaborazione con Richard Thompson, fu progettato e realizzato di getto da Sandy nel 1971 e uscì col titolo di "The North Star Grassman & The Ravens"(Island vinile e rist. CD); una memorabile serie di canzoni quasi tutte registrate in presa diretta, rese ancora più fatate dall’amicizia e dalla devozione dei collaboratori e dei musicisti presenti. Nonostante il risultato e il successo, Sandy finì l’anno esausta e in preda ad una forte crisi depressiva che alimentò la sua cronica insicurezza tenendola lontana dai palchi per un po’. Nel gennaio del 1972 esce un curioso disco a nome The Bunch dal titolo "Rock On" (Island vinile, non ristampato) prodotto da Trevor Lucas; il gruppo altri non è che una reunion di vecchi membri dei Fairport, fra cui la stessa Sandy, che incidono una raccolta di rock’n roll cover col pretesto di tenere a battesimo la riapertura dei mitici Manor studios. Si scopre così che nel frattempo Sandy non ha smesso di scrivere canzoni e, sotto la spinta di Lucas, alcuni dei presenti (fra cui Thompson e Donaldson) si danno appuntamento per la primavera, con in programma il secondo lavoro solista della cantante. Esce un disco stupendo, da molti considerato il migliore di tutta la sua produzione, rappresentato semplicemente dal suo nome e da una splendida foto di copertina (Island vinile rist. in CD).
Sempre di matrice folk ma con suoni più corposi, "Sandy" è un disco immancabile ed è solo per motivi di spazio che fra tutte le tracks citiamo "Listen, Listen" e la vecchia "Quit Joys Of Brotherood".
Un episodio scuote la vita di Sandy: il compagno Trevor raccoglie l’appello di Swarbrick e si unisce ai Fairport Convention, sull’orlo dello scioglimento, imbarcandosi in un lungo tour attraverso gli States. La solitudine domestica spinge dapprima la cantante a scrivere (nascono così le bellissime canzoni per il disco successivo) e in seguito ad intraprendere un tour in proprio sulle tracce dei Fairport, arrivando addirittura ad aprire un concerto dei Genesis a New York, nonché alimentando ovviamente le voci di un ricongiungimento con i vecchi compagni di musica. "Like An Old-Fashioned Waltz" viene così registrato fra Londra e Los Angeles ed esce (Island per il vinile e Carthage per la rist. CD) nell’estate del 1973. E’ il primo disco di Sandy dove, seppur in presenza dei soliti musicisti, scompaiono decisamente le amate sonorità folk e musica e testi si fanno più intimisti: storie di solitudine, di distanze incolmabili, melodie attenuate e pervase da orchestrazioni a volte anche troppo corpose sbalordiscono critica e pubblico. Eppure Sandy è orgogliosissima del lavoro e le esibizioni live del periodo sono davvero memorabili, come quella all’Howff, un minuscolo locale di Primrose Hill, il 4 settembre. "Solo" e "No End" sono le canzoni più toccanti di questo strano disco.
Qualche giorno dopo Sandy sposa Trevor Lucas e qualche giorno dopo ancora annuncia il suo ricongiungimento con i Fairport Convention. In questo clima di euforia viene progettato un lungo e ambizioso tour mondiale che si rivelerà invece un fiasco clamoroso e sarà interrotto bruscamente. Per colmare il disastro finanziario il gruppo decide di dare alle stampe un disco dal vivo che esce in Europa col titolo "Live Convention" (vinile e rist. CD Island), mentre negli States come "A Moveable Feast".
Tamponata l’emorragia finanziaria tutti quanti si prendono una bella pausa di riflessione ritirandosi in campagna dove, ovviamente, ricominciano a scrivere nuove canzoni (tralasciamo invece i particolari sullo stile di vita in quel periodo, fra coppie aperte, vite immerse in droga e alcool e via discorrendo, non tanto per questioni di giudizio quanto perché non siamo in grado di valutarne l’effetto creativo). Nel bel mezzo di questa confusione, fra nuovi contrasti dovuti a divergenze di stile ma probabilmente anche nel divertimento più accanito, Sandy, Swarbrick, Pegg, Lucas, Mattacks, e Donahue annunciano alla Island l’intenzione di tornare in sala di incisione, trovando accordo sul produttore in Glyn Johns (aveva lavorato con Eagles, Who e Rolling Stones), fortemente voluto dalla label per gestire tutto quel caos apparente. L’apporto di Sandy è determinante ma il disco, "Rising For The Moon" (Island, vinile non rist.), nasce fra mille difficoltà, inframmezzato da un tour americano al termine del quale oltretutto Mattacks lascia la band. Le nuove sonorità risentono della produzione, ma fra i solchi strumentali e l’apprezzabile apporto di Swarbrick si fa largo la stupenda "One More Chance" che ci offre una Sandy rigenerata sul piano compositivo e interpretativo, grande canzone che ci fa sognare ancora. Il disco non è male, anzi, ma a seguito dello scarso successo commerciale la Island decide di non rinnovare il contratto e il gruppo si sfalda (almeno per quel che riguarda i coniugi Lucas e Jerry Donahue).
Il cammino artistico di Sandy Denny non si ferma certo qui, le nuove canzoni vengono però scritte in un clima più faticoso e si prendono lo spazio di due anni prima di apparire ancora su un disco. Disco che esce nella primavera del 1977 col titolo di "Rendevous" (Hannibal vinile e rist. in Cd con una traccia in più, "Full Moon"), disco che riconferma più che altro le qualità interpretative ed espressive, lasciando qualche dubbio sulla scrittura, dove Sandy si fa aiutare dagli amici, come nella splendida "I Wish I Was A Fool For You" (R. Thompson) e nella riuscita cover "Candle In The Wind", anche se "Gold Dust" e "I Am A Dreamer" sono inconfondibilmente degne della miglior Sandy Denny. Certo che gli arrangiamenti ad esempio sono spesso pasticciati e cercano più che altro di scrollarle di dosso l’immagine della folk-singer; certo anche che il periodo non era granchè felice per lei, dal punto di vista fisico e psichico, certo che, oltretutto, Sandy si ritrovò pure incinta (diede alla luce la figlia Georgia, si dice, in preda ai fumi di una bella sbronza).
Non c’è traccia di poesia nell’ultimo periodo della vita di Sandy Denny, non ci sono nuove canzoni, eppure non le manca l’affetto degli amici di sempre e quello determinante di Trevor, con cui progetta di trasferirsi negli States, dove crescere la bimba e ritentare il successo. Le ultime esibizioni live in patria sono però stupende, l’ultimo concerto, un vero colpo d’ala, risale a Domenica 27 Novembre 1977, al Royalty Theathre Sound Circus di Kingsway a Londra, una serata rimasta seminascosta per oltre vent’anni, ma vedremo poi. Il tormento della sua esistenza si ferma di colpo in fondo alle scale della casa di Miranda Ward, sua amica e manager, forse a seguito di uno dei suoi frequenti mancamenti: l’emorragia cerebrale la porta in coma per alcuni giorni, spegnendo la fiamma della sua vita il 21 aprile del 1978. Ma la discografia ovviamente continua e quella che scorriamo ora velocemente di seguito è tutto quanto emerge dopo la sua scomparsa, sforzi spesso prodotti dall’amore, dalla passione e dalla dedizione di chi l’ha amata veramente.
Innanzitutto il quadruplo "Who Knows Where The Time Goes?" (Island, 3CD), dove ci troviamo di tutto e tutto al meglio, fra outtakes, incisioni dal vivo, hits demo e rarità. E’ imperdibile. Altrettanto interessante è un CD edito dalla Raven (RVCD46) del 1995 dal titolo "The Attic Tracks 1972-1984" ma altro non è che un riassunto (18 canzoni) dei più famosi e completi "The Attic Tapes" (nastri, sempre da Raven), con un bellissimo booklet pieno di foto e aneddoti vari tutti dedicati a Sandy. I tapes invece, usciti col medesimo titolo, iniziano le loro pubblicazioni nel 1988 e meritano un attimo in più di attenzione. La prima cassetta (vol.1) contiene 21 tracce con materiale inedito riguardante prevalentemente outtakes di Sandy coi Fairport. Il vol. 2, interamente dedicato a Trevor Lucas, contiene diciassette canzoni registrate dal vivo al Troubadour, il famoso locale di Brompton Road. La cassetta n° 3, uscita nel 1989 è suddivisa in due parti: nella prima troviamo quattordici canzoni registrate da Sandy a casa sua e trasmesse dalla BBC alla radio nel programma "Cellar Full Of Folk"; nella seconda parte alcune tracce dell’ultimo concerto di Sandy, quello del famoso 27 novembre 1977, anche se registrate in modo un po’ rudimentale. Il volume 4 degli Attick Tracks è uscito nel 94 ed è nuovamente suddiviso in una prima parte dedicata a Sandy Denny, senza peraltro novità di rilievo ed una seconda parte tutta di Trevor (con e senza i Fairport), dove spicca una delle innumerevoli versioni della storica "Stagger Lee".
Pescando fra le antologie dei Fairport è ottimo un doppio uscito per la Island (rist. anche in Cd) nel 1972 dal titolo "The History Of Fairport Convention": anche se contiene tracce già edite e di conseguenza ha il valore che hanno tutte le raccolte di questo genere, è notevole la presenza di Sandy. Altra compilation degna di valore, un po’ più impegnativa è un quadruplo vinile (Island Transatlantic FOLK, 1975) titolata "The Electric Muse (The Story Of Folk Into Rock)" successivamente ristampata in 3 CD da Castle Communications in una versione arricchita e col nuovo titolo "The New Electric Muse vol . I e II". Le canzoni presenti sono di svariati artisti che hanno contaminato i due generi musicali coinvolti e ovviamente a Sandy e ai Fairport è riservata una parte di grande rilievo, dove peraltro emergono un paio di pezzi mai sentiti da nessun’altra parte. Segnalo pure un video della Island uscito per riepilogare molto succintamente la storia dei Fairport Convention, "It All Comes’ Round Again": anche se contiene solo una canzone cantata da Sandy, la nostra viene ricordata con affetto in vari spezzoni e interviste. L’immancabile raccolta dall’originalissimo titolo "The Best Of Sandy Denny" (Hannibal vinile e rist. CD Island con due extra tracks) si fa ricordare soltanto per la bizzarra sequenza dei brani messi un po’ a casaccio, tutta roba comunque già presente altrove. Anche le apparizioni in lavori altrui sono da sottolineare, soprattutto se questi altrui rispondono al nome di Richard Thompson e, come nel caso del suo "(Guitar, Vocal)" uscito per la Island nel 1976, contiene materiale difficilmente rintracciabile altrove (ad esempio fu la prima uscita della mitica "Ballad Of Easy Rider"). Sandy appare alla grande anche in un famoso bootleg italiano dei Fairport, "From Past Archives" (CD del 1993), disco che ottenne addirittura dal gruppo lo stato di semi ufficialità (attenzione ai bootlegs perché molti Cd illegali in circolazione riportano solamente interviste!). Altro "illegal Convention" questa volta interessante è un CD uscito nel 1995 col titolo "A Chronicle Of Sorts 1967-1969" (Nuxed Records), con registrazioni da radio e TV, anche se la qualità sonora è quello che è. E già che ci siamo non può mancare la segnalazione di un disco di cover (Truck CD) uscito nel 1994, dove la cantante Vikki Clayton ripercorre con amore e passione la produzione più importante della cantante londinese, ma non ce ne voglia la dolce Vikki se affermiamo con decisione che preferiamo di gran lunga gli originali. Il disco si intitola comunque "It Suits Me Well". Mettiamoci dentro pure "Folk Routes" del 1992 (una raccolta various artists dell’immancabile Island), dato che contiene per intero un rarissimo EP di Sandy che fungeva da colonna sonora al cortometraggio "Pass Of Arms" e il bootleg "Dark In The Night" (CD Nixed), quasi simile e ottimo per le qualità sonore; non ci imbarchiamo invece, per motivi di spazio, nell’approfondimento di tutte le registrazioni ancora inedite ma già sentite qua e là, giacenti nei cassetti di qualche archivio, la cui lista arriva già ad una ventina di canzoni.
E con tutto questo ben di Dio si arriva sonnecchiosamente al 1997, quando John Penhallow, un australiano devoto e capo di un gruppo chiamato "amici del folk", comincia a spingere riuscendo a editare "The BBC Sessions 1971-73" (Strange Fruit, solo su CD). Di questo lavoro ci ha già parlato (IL) nostro Angelo Custode (n° 29 di LFTS), riportando efficacemente e poeticamente nelle stanze della nostra mente ciò che significa avere nel lettore un nuovo disco che ci trasmette le vibrazioni del cuore di Sandy. Ricordo solamente che è stato registrato dal vivo al Paris Theatre il 16 marzo del 1972 per la BBC che ne mandò in onda le tracce per radio all’epoca e che ora è diventato una specie di rarità a seguito di una disputa legale che ne ha fatte distruggere moltissime copie. Ma è il ventesimo anniversario dalla morte di Sandy, appena trascorso, che ci regala nuovamente qualcosa di molto prezioso. Infatti, sempre a seguito dei venti di passione australiani, esce finalmente, in una veste consona, il concerto del Royalty Theatre di Londra, l’ultimo degli undici che Sandy ha tenuto in Inghilterra nel novembre del 1977, l’ultimo in assoluto della sua vita (già peraltro bootlegato dalla Nixed su Cd col titolo "One Last Sad Refrain"). "Gold Dust", questo il titolo del CD (Island), ha riesumato e ripulito le vecchie registrazioni del fido John Wood. Jerry Donahue, con un attento e paziente lavoro di restauro, ha sovrainciso pezzi di chitarra rimasti alterati e le seconde voci, malamente riportate sui vecchi nastri, sono state registrate di nuovo da Simon Nicol e Chris Leslie. Commovente il booklet che dedica questo paziente lavoro alle nipotine di Sandy, nate in Australia dalla figlia Georgia nell’aprile del 1997, appassionato il ricordo di Pamela Murray Winters che ci fa venire veramente il magone (e ha promesso una biografia per questa primavera). Ma il contenuto del dischetto è veramente strabiliante. Le canzoni più belle di Sandy ci sono quasi tutte, anche se vengono ovviamente privilegiate quelle dell’ultimo periodo; la band è grandiosa (Mattacks, Donaldson, Wilsher, Trevor Lucas, Donahue, Rob Hendry, Nicol e Leslie). E poi c’è lei, ancora una fata, solo leggermente indurita dagli spietati graffi con cui il destino ha segnato la sua magnifica voce; una voce che ancora una volta non chiede nulla se non di essere goduta fino in fondo nel totale dono di sé.
Che dire al termine di questo viaggio; ci sono persone che riescono a trasmetterci amore e passione attraverso tutto quello che fanno, sia che ci sfiorino appena, sia che inciampino decisamente nella nostra vita scardinandola e stravolgendola. In punta di piedi, entrano nella nostra pelle e si stabiliscono in maniera duratura nello spazio più accogliente del nostro cuore alimentandolo di sogni e di emozioni. E’ proprio qui che riposa e risuona la magica poesia della voce di Sandy Denny.
Pier Angelo Cantù
http://www.blackdiamondbay.it/artisti/sandydenny.htm
The Battle Of Evermore
Led Zeppelin
https://youtu.be/CTstnU30CWQ
https://youtu.be/wHj_fZG8-lU
The Battle Of Evermore
Led Zeppelin
https://youtu.be/CTstnU30CWQ
https://youtu.be/wHj_fZG8-lU
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https://www.antiwarsongs.org/canzone.php?id=5604&lang=it
Led Zeppelin live in Seattle, 1977.
The Battle Of Evermore - Led Zeppelin
Led Zeppelin - Keith Moon On Stage (Los Angeles 1977) (Rare Film Series)
quando Keith Moon appare sul palco e Robert si cimenta con la batteria....
Il 22 ottobre 1976 i Led Zeppelin pubblicarono con la Swan Song Records il loro primo album live, THE SONG REMAINS THE SAME. E c'era anche un film concerto...📷📷📷
Il primissimo live album dei Led Zeppelin venne registrato nel luglio del 1973, durante un concerto al Madison Square Garden di New York che durò tre notti. Eddie Kramer, che aveva collaborato con i Led Zeppelin per il loro secondo lavoro, LED ZEPPELIN II, per registrare i brani utilizzò uno studio mobile, il Wally Heider. I concerti al Madison Square Garden erano parte del tour degli Zeppelin in nord America per la promozione di HOUSES OF THE HOLY, disco aperto proprio dal brano The Song Remains The Same.
La registrazione dei concerti tenutisi al Madison Square Garden vennero utilizzate dalla band anche come soundtrack per un film concerto. Con il regista del film, tuttavia, il gruppo ebbe qualche problema. Infatti, Joe Massot, all’epoca molto giovane, era stato ingaggiato per il ruolo, ma non riuscì a calcolare bene la quantità di pellicola da utilizzare per la ripresa delle scene: all’appello mancavano quindi dei momenti fondamentali dei concerti. Alla fine la band licenziò Massot, e ingaggiò Peter Clifton.
Inoltre, quando vennero rilasciati per la prima volta, tra il disco e il film c’erano delle differenze, principalmente nella scaletta dei brani utilizzati: ad esempio, il film includeva Black Dog, ma non Celebration Day, presente invece nell’album.
Queste differenze vennero appianate quando si pubblicò una riedizione di THE SONG REMAINS THE SAME, nel 2007. Le canzoni vennero sincronizzate tra album e film, mentre alcune vennero inserite come tracce bonus sul DVD. Nel 2018 un’altra edizione di THE SONG REMAINS THE SAME venne realizzata in più formati.
L’album ricevette recensioni sia negative che positive, e la band stessa espresse più volte il debole legame affettivo con quel disco, nonostante fosse il loro primo live. Jimmy Page confessò che non credeva fosse quella la migliore rappresentazione dei Led Zeppelin. E voi cosa ne pensate?
Un brindisi alla memoria di Bonham, mentre ascoltiamo Moby Dick in loop.
Led Zeppelin: “Led Zeppelin II” (1969) – di Nicholas Patrono
Prima opera prodotta dai Led Zeppelin a piazzarsi in testa alle classifiche musicali inglesi e americane, “Led Zeppelin II”, datato 1969, firmato dall’immancabile etichetta Atlantic Records, segna un passaggio molto importante nella carriera della Band. Definito l’album più Heavy del quartetto inglese, “Led Zeppelin II” è un concentrato di classici, di canzoni divenute immortali, in grado di ispirare gli aspiranti musicisti Hard Rock per generazioni intere. Secondo capitolo di una carriera tutto sommato breve, soprattutto se paragonata a quelle di altri mostri sacri della musica, “Led Zeppelin II” è tutto ciò di cui chi apprezza il lato Rock della Musica ha bisogno: pezzi dal Groove irresistibile, chitarre distorte e graffianti, ritmiche sostenute, voce dalle buone capacità tecniche e interpretative. Il carisma di ciascuno dei quattro musicisti è grande, ma nessuno sovrasta gli altri, e ciascuno ottiene i propri momenti di “gloria personale”, qui forse ancor più che in altri dischi. All’inconfondibile riff di chitarra di Whole Lotta Love, a cui presto si incrociano basso e voce, il compito di aprire le danze… eccome se le apre. Brano che incarna l’anima più pura e semplice di ciò che l’Hard Rock è, e di ciò che l’ascoltatore di questo genere ricerca. Un pezzo diretto, di grande impatto, capace di catturare da subito l’attenzione e di non lasciare più andare l’ascoltatore. Interessante l’intermezzo sperimentale, con distorsioni, sovraincisioni e panning da una cassa all’altra, tanto che l’ascoltatore rischia di uscirne disorientato. L’intermezzo culmina in una breve parte solista di Jimmy Page, per poi riprendere il tema iniziale. Più spazio alla voce di Robert Plant verso il finale, per poi ritornare al tanto semplice quanto spettacolare riff d’apertura. Si rilassa l’atmosfera con la successiva What Is and What Should Never Be, cangiante, ricca di dinamiche differenti, interessante esperimento che gioca con le infinite possibilità che offre la musica. Meno immediata, più stratificata di Whole Lotta Love, la canzone scorre molto bene, senza mai annoiare, complici i numerosi cambi d’atmosfera; un brano da non sottovalutare, e da riascoltare più e più volte. The Lemon Song, ri-arrangiamento del brano Killing Floor di Howlin’ Wolf, è una piacevole parentesi a tinte Blues, scanzonata al punto giusto, avvolgente e suadente come solo il Blues sa essere. Brusco il cambio d’atmosfera che avviene dopo il primo minuto e mezzo. Segue un rallentamento del ritmo, scandito dal fenomenale lavoro al basso di John Paul Jones. Altro spazio solistico per Page, e poi un “botta e risposta” tra voce e chitarra, prima del finale ad alta intensità. Piacevole la seguente Thank You, prima ballad del disco, canzone d’amore scritta da Robert Plant per sua moglie Maureen, nonché primo pezzo dei Led Zeppelin per il quale Plant scrisse tutto il testo. La chitarra a dodici corde di Page costruisce intrecci, supportata da un organo Hammond suonato da John Paul Jones, nonché da un ottimo lavoro ritmico da parte di John Bonham e del basso di Jones. Un Robert Plant mai così dolce mostra quanto versatile sia il carismatico cantante. Dopo lo sfumato finale, si passa a Heartbreaker, brano carico, sfrontato, espressione pura dello spirito dell’Hard Rock. Molto apprezzata dal pubblico ai concerti, caratterizzata da un solo in cui Page mette in mostra le proprie capacità, Heartbreaker funziona alla grande e rientra nella tipologia più classica dei brani Rock dei Led Zeppelin, al pari di gemme come Black Dog, Whole Lotta Love e tante altre. Si rimane su atmosfere upbeat con Living Loving Maid (She’s Just a Woman), tanto breve quanto energica. Brano molto famoso, ispirato da una groupie che la band aveva incontrato durante un tour negli Stati Uniti, Living Loving Maid è considerata dai Led Zeppelin poco più che una traccia riempitiva, un “filler”, e per questo motivo non viene mai suonata dal vivo dalla Band. È poi Robert Plant, nel 1990, durate un tour da solista, a eseguirla per la prima volta. Stessa sorte tocca alla successiva Ramble On, suonata da Plant durante i tour… ma non dai Led Zeppelin. Brano mutevole, che sfrutta dinamiche di vario tipo e le unisce ad un testo ispirato dalle opere di J. R. R. Tolkien. Elemento di continuità quello delle influenze Fantasy, destinato ad essere ripreso nei successivi lavori, ad esempio con la canzone Misty Mountains Hop, di “Led Zeppelin IV” (1971). Davvero notevole, forse il capolavoro del disco, la strumentale Moby Dick, dove finalmente John Bonham mette in mostra le proprie capacità. Un minuto d’introduzione a strumentazione completa, con uno dei migliori riff di chitarra creati da Page, e poi un assolo di batteria di ben tre minuti, prima della ripresa del memorabile riff d’apertura. Tutto sommato più regolare di certe follie ritmiche prodotte da batteristi più moderni, ma a modo suo irripetibile, l’assolo di Bonham è la dimostrazione che anche uno strumento ritmico – non melodico – come la batteria possa essere ascoltato da solista con grande piacere. Magistrale preludio alla conclusione del disco, Moby Dick cede il posto a Bring it on Home, cover di una canzone Blues di Willie Dixon, eseguita in origine dal cantante e armonicista Sonny Boy Williamson II. L’arrangiamento dei Led Zeppelin si articola in un’introduzione e una sezione conclusiva che omaggiano il brano originale, intervallate da una parte centrale di stampo Hard Rock, più ritmata e veloce. Il basso di Jones e la batteria di Bonham disegnano i confini entro i quali si muove la chitarra di Page… e il cantato energico di Plant corona il tutto. Si conclude così, sulle note di un’armonica, “Led Zeppelin II”, forse il “disco tra i dischi” dei Led Zeppelin. Si può discorrere all’infinito su quale sia la nostra opera preferita di Plant e compagni, ma una cosa è certa: “Led Zeppelin II” rappresenta il picco, sotto molti aspetti, dell’anima originaria dei Led Zeppelin, quella fatta di Hard Rock puro e semplice, senza le influenze Folk delle produzioni successive. Un brindisi alla memoria di Bonham, mentre ascoltiamo Moby Dick in loop.
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I Led Zeppelin hanno suonato 5 spettacoli a Earls Court nel 1975. I biglietti costavano circa £ 2,50 per vedere la più grande band di puro blues-rock che il mondo abbia mai conosciuto. Puoi crederci, £ 2,50 !! La band ha suonato per 2 ore e 30 minuti a ogni concerto e poiché gli spettacoli erano così lunghi, la band ha intervallato le canzoni con questi pezzi meno frenetici improvvisati per dare ai musicisti un po 'di respiro, ad esempio, il set acustico non ha fatto' Includevo Bonham in modo che potesse riposare, e poi Bonham faceva un assolo di batteria di 20 minuti su Moby Dick, per dare un po 'di riposo a Page, Plant e JPJ, e No Quarter per lo più presentava JPJ in un assolo di tastiera maratona. Questo particolare pezzo introduce sicuramente il pubblico a un estratto ancora da pubblicare da Achilles Last Stand, circa un anno prima che apparisse sull'album Presence. Due ore e mezza di intrattenimento di alta classe con i Led Zeppelin nel loro periodo migliore per soli £ 2,50, incredibile. Cosa fanno pagare le tribute band al giorno d'oggi ????
September 4, 1970, The Forum,..Los Angeles📷
Data4 settembre 1970PosizioneInglewood, CaliforniaLuogoIl ForumOra di inizio20:30Presenza18.000Prezzi del biglietto$ 4,25 - $ 7,25
Led Zeppelin, “Communication Breakdown” medley, Los Angeles Forum, September 4, 1970. Includes “Good Times, Bad Times,” “For What It’s Worth,” and “I Saw Her Standing There.”
http://www.ledzepconcerts.com/concertdates/cd.php...
Led Zeppelin LA Forum 9-4-1970 | Live On Blueberry Hill | Pt.1
Live on Blueberry Hill (noto anche come Blueberry Hill) è una registrazione bootleg della performance del gruppo rock inglese Led Zeppelin al Forum di Los Angeles il 4 settembre 1970, che ebbe luogo durante il tour nordamericano dell'estate 1970. [2]
La registrazione del pubblico è uno dei primi bootleg dei Led Zeppelin e uno dei primi bootleg rock and roll mai pubblicati. È stato rilasciato dall'etichetta Blimp. [3] L'album è stato successivamente stampato con l'etichetta Trade Mark of Quality e spedito in Inghilterra. L'album ha venduto così tante copie che molti fan hanno pensato che fosse un record legale. [4] Le note sulla copertina lo descrivevano come "Centosei minuti e cinquantatre secondi di puro rock vivo". [5]
Live on Blueberry Hill ha preso il nome dal fatto che i Led Zeppelin hanno eseguito "Blueberry Hill" di Fats Domino come bis finale. Il bootleg include anche una delle poche esibizioni dal vivo conosciute di "Out on the Tiles", una traccia del terzo album del gruppo. [4] [5] Contiene anche "Bron-Yr-Aur", una canzone che non sarebbe stata pubblicata ufficialmente fino a cinque anni dopo, su Physical Graffiti.
Led Zeppelin LA Forum 9-4-1970 Live On Blueberry Hill pt 2
Live on Blueberry Hill (also known as Blueberry Hill) is a bootleg recording of the English rock group Led Zeppelin's performance at the Los Angeles Forum on September 4, 1970, which took place during their summer 1970 North American Tour. The audience recording is one of the first Led Zeppelin bootlegs, and one of the first rock and roll bootlegs ever released. It was released on the Blimp label.[3] The album was subsequently pressed on the Trade Mark of Quality label and shipped to England. The album sold so many copies that many fans thought it was a legal record.[4] The sleeve notes described it as "One hundred and six minutes and fifty three seconds of pure alive rock."[5] Bring It On Home That's The Way Bron Yr Aur Since I've Been Loving You
Led Zeppelin II è il secondo album della rock band inglese Led Zeppelin, pubblicato il 22 ottobre 1969 negli Stati Uniti e il 31 ottobre 1969 nel Regno Unito dalla Atlantic Records. Le sessioni di registrazione per l'album si sono svolte in diverse località del Regno Unito e del Nord America da gennaio ad agosto 1969. La produzione dell'album è stata accreditata al chitarrista e compositore Jimmy Page, ed è stato anche il primo album dei Led Zeppelin su cui Eddie Kramer è stato ingegnere.
L'album mostrava l'evoluzione dello stile musicale della band di materiale derivato dal blues e il loro suono basato sui riff di chitarra. È stato descritto come l'album più pesante della band. Sei delle nove canzoni sono state scritte dalla band, mentre le altre tre erano reinterpretazioni di canzoni blues di Chicago di Willie Dixon e Howlin 'Wolf. Un singolo, "Whole Lotta Love", fu pubblicato fuori dal Regno Unito (la band non pubblicò nessun singolo nel Regno Unito durante la loro carriera), e raggiunse il picco tra i primi dieci singoli in oltre una dozzina di mercati in tutto il mondo.
Led Zeppelin II è stato un successo commerciale ed è stato il primo album della band a raggiungere il numero uno delle classifiche nel Regno Unito e negli Stati Uniti. Il designer della copertina dell'album, David Juniper, è stato nominato per un Grammy Award come miglior pacchetto di registrazione nel 1970. Il 15 novembre 1999, l'album è stato certificato 12 × platino dalla Recording Industry Association of America (RIAA) per vendite che superano i 12 milioni di copie. Dalla sua uscita, vari scrittori e critici musicali hanno regolarmente citato i Led Zeppelin II come uno degli album più grandi e influenti di tutti i tempi.
LED Zeppelin
John Bonham - batteria, cori
John Paul Jones - basso, organo, cori
Jimmy Page - chitarre, theremin, cori
Robert Plant - voce solista, armonica
Un brindisi alla memoria di Bonham, mentre ascoltiamo Moby Dick in loop.
Led Zeppelin: “Led Zeppelin II” (1969) – di Nicholas Patrono
Prima opera prodotta dai Led Zeppelin a piazzarsi in testa alle classifiche musicali inglesi e americane, “Led Zeppelin II”, datato 1969, firmato dall’immancabile etichetta Atlantic Records, segna un passaggio molto importante nella carriera della Band. Definito l’album più Heavy del quartetto inglese, “Led Zeppelin II” è un concentrato di classici, di canzoni divenute immortali, in grado di ispirare gli aspiranti musicisti Hard Rock per generazioni intere. Secondo capitolo di una carriera tutto sommato breve, soprattutto se paragonata a quelle di altri mostri sacri della musica, “Led Zeppelin II” è tutto ciò di cui chi apprezza il lato Rock della Musica ha bisogno: pezzi dal Groove irresistibile, chitarre distorte e graffianti, ritmiche sostenute, voce dalle buone capacità tecniche e interpretative. Il carisma di ciascuno dei quattro musicisti è grande, ma nessuno sovrasta gli altri, e ciascuno ottiene i propri momenti di “gloria personale”, qui forse ancor più che in altri dischi. All’inconfondibile riff di chitarra di Whole Lotta Love, a cui presto si incrociano basso e voce, il compito di aprire le danze… eccome se le apre. Brano che incarna l’anima più pura e semplice di ciò che l’Hard Rock è, e di ciò che l’ascoltatore di questo genere ricerca. Un pezzo diretto, di grande impatto, capace di catturare da subito l’attenzione e di non lasciare più andare l’ascoltatore. Interessante l’intermezzo sperimentale, con distorsioni, sovraincisioni e panning da una cassa all’altra, tanto che l’ascoltatore rischia di uscirne disorientato. L’intermezzo culmina in una breve parte solista di Jimmy Page, per poi riprendere il tema iniziale. Più spazio alla voce di Robert Plant verso il finale, per poi ritornare al tanto semplice quanto spettacolare riff d’apertura. Si rilassa l’atmosfera con la successiva What Is and What Should Never Be, cangiante, ricca di dinamiche differenti, interessante esperimento che gioca con le infinite possibilità che offre la musica. Meno immediata, più stratificata di Whole Lotta Love, la canzone scorre molto bene, senza mai annoiare, complici i numerosi cambi d’atmosfera; un brano da non sottovalutare, e da riascoltare più e più volte. The Lemon Song, ri-arrangiamento del brano Killing Floor di Howlin’ Wolf, è una piacevole parentesi a tinte Blues, scanzonata al punto giusto, avvolgente e suadente come solo il Blues sa essere. Brusco il cambio d’atmosfera che avviene dopo il primo minuto e mezzo. Segue un rallentamento del ritmo, scandito dal fenomenale lavoro al basso di John Paul Jones. Altro spazio solistico per Page, e poi un “botta e risposta” tra voce e chitarra, prima del finale ad alta intensità. Piacevole la seguente Thank You, prima ballad del disco, canzone d’amore scritta da Robert Plant per sua moglie Maureen, nonché primo pezzo dei Led Zeppelin per il quale Plant scrisse tutto il testo. La chitarra a dodici corde di Page costruisce intrecci, supportata da un organo Hammond suonato da John Paul Jones, nonché da un ottimo lavoro ritmico da parte di John Bonham e del basso di Jones. Un Robert Plant mai così dolce mostra quanto versatile sia il carismatico cantante. Dopo lo sfumato finale, si passa a Heartbreaker, brano carico, sfrontato, espressione pura dello spirito dell’Hard Rock. Molto apprezzata dal pubblico ai concerti, caratterizzata da un solo in cui Page mette in mostra le proprie capacità, Heartbreaker funziona alla grande e rientra nella tipologia più classica dei brani Rock dei Led Zeppelin, al pari di gemme come Black Dog, Whole Lotta Love e tante altre. Si rimane su atmosfere upbeat con Living Loving Maid (She’s Just a Woman), tanto breve quanto energica. Brano molto famoso, ispirato da una groupie che la band aveva incontrato durante un tour negli Stati Uniti, Living Loving Maid è considerata dai Led Zeppelin poco più che una traccia riempitiva, un “filler”, e per questo motivo non viene mai suonata dal vivo dalla Band. È poi Robert Plant, nel 1990, durate un tour da solista, a eseguirla per la prima volta. Stessa sorte tocca alla successiva Ramble On, suonata da Plant durante i tour… ma non dai Led Zeppelin. Brano mutevole, che sfrutta dinamiche di vario tipo e le unisce ad un testo ispirato dalle opere di J. R. R. Tolkien. Elemento di continuità quello delle influenze Fantasy, destinato ad essere ripreso nei successivi lavori, ad esempio con la canzone Misty Mountains Hop, di “Led Zeppelin IV” (1971). Davvero notevole, forse il capolavoro del disco, la strumentale Moby Dick, dove finalmente John Bonham mette in mostra le proprie capacità. Un minuto d’introduzione a strumentazione completa, con uno dei migliori riff di chitarra creati da Page, e poi un assolo di batteria di ben tre minuti, prima della ripresa del memorabile riff d’apertura. Tutto sommato più regolare di certe follie ritmiche prodotte da batteristi più moderni, ma a modo suo irripetibile, l’assolo di Bonham è la dimostrazione che anche uno strumento ritmico – non melodico – come la batteria possa essere ascoltato da solista con grande piacere. Magistrale preludio alla conclusione del disco, Moby Dick cede il posto a Bring it on Home, cover di una canzone Blues di Willie Dixon, eseguita in origine dal cantante e armonicista Sonny Boy Williamson II. L’arrangiamento dei Led Zeppelin si articola in un’introduzione e una sezione conclusiva che omaggiano il brano originale, intervallate da una parte centrale di stampo Hard Rock, più ritmata e veloce. Il basso di Jones e la batteria di Bonham disegnano i confini entro i quali si muove la chitarra di Page… e il cantato energico di Plant corona il tutto. Si conclude così, sulle note di un’armonica, “Led Zeppelin II”, forse il “disco tra i dischi” dei Led Zeppelin. Si può discorrere all’infinito su quale sia la nostra opera preferita di Plant e compagni, ma una cosa è certa: “Led Zeppelin II” rappresenta il picco, sotto molti aspetti, dell’anima originaria dei Led Zeppelin, quella fatta di Hard Rock puro e semplice, senza le influenze Folk delle produzioni successive. Un brindisi alla memoria di Bonham, mentre ascoltiamo Moby Dick in loop.
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The Nobs - Long Tall Sally (short version audio only)
controversia con la discendente del Barone...
Long Tall Sally from Royal Albert Hall Jan. 9, 1970.
The Nobs - C'mon Everybody (Copenhagen 2/28/70)
https://youtu.be/cYme9KV65Sg?list=PL52B7B20BA6B3193C
https://youtu.be/Qbc9uJtUVhE?list=PL52B7B20BA6B3193C
..ma noi sappiamo bene chi sono..
e mi fanno proprio ballare e sognare..
Rock nroll misto a jazz e con un tocco di classico blues
Song:Bring It On Home Bootleg:The Nobs Setlist:We're Gonna Groove/I Can't Quit You, Dazed and Confused, Heartbreaker, White Summer/Black Mountain Side (includes: Midnight Moonlight), Organ Solo/Thank You, Moby Dick, How Many More Times (includes:The Hunter, Boogie Chillen', Bottle Up N' Go), Whole Lotta Love, Communication Breakdown. encores: C'mon Everybody, Somethin' Else, Bring It On Home (includes: Cat's Squirrell), Long Tall Sally.
https://youtu.be/EfVXJgo4_qs?list=PL52B7B20BA6B3193C
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https://geirmykl.wordpress.com/2022/08/24/article-about-led-zeppelin-from-new-musical-express-june-16-1973/
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ARTICOLO SUI LED ZEPPELIN DA NEW MUSICAL EXPRESS, 16 GIUGNO 1973
Charles Shaar Murray riferisce da Los Angeles
“NEMMENO MI piacciono i Led Zeppelin,” disse petulante la ragazza con la giacca di velluto nero e i pantaloni caldi mentre fumava una sigaretta da un conoscente nella hall del Continental Hyatt House Hotel a Los Angeles “Resto qui solo perché il mio gli amici hanno una stanza. Penso che gli Zep siano davvero di cattivo gusto.
Pensavo che la signora protestasse troppo. Perché tre famose groupie di Los Angeles dovrebbero prenotare una stanza all'hotel di Zep se non apprezzano la band? Perché dovrebbero trascorrere la maggior parte del loro tempo libero oziando nell'atrio o tentando di forzare la sicurezza al nono piano?
Il nome di questa signora in particolare era Sherry. Nonostante la pelle olivastra e l'abbronzatura californiana, il suo viso portava con orgoglio le cicatrici dei brufoli in abbondanza. Belle gambe però. Ad ogni modo, lei e le sue amiche hanno avuto il grande onore di essere sfrattate personalmente dal piano dello Zep nientemeno che da Robert Plant in persona. Plant non ha pazienza con le groupie ultimamente.
L'attuale tour degli Zeppelin ha fruttato loro più pane di quanto qualsiasi gruppo britannico abbia portato a casa dagli Stati Uniti dai tempi felici dei Beatles. Quindi, senza ulteriori indugi, rimandiamo al Forum di Los Angeles. È il 31 maggio e sono le otto di giovedì sera.
Il Forum contiene circa 20.000 esseri umani. È una buona sala, acusticamente discreta per le sue dimensioni. Questa doveva essere la seconda di due serate consecutive lì per gli Zeppelin, e inutile dire che entrambe le serate erano esaurite, ma la prima sera dovette essere cancellata perché Jimmy Page si slogò un dito mentre si arrampicava su un albero. Durante il concerto, sussulta dal dolore e ogni tanto immerge il dito in un bicchiere di acqua fredda per ridurre il gonfiore.
Una delle prime cose che si nota del pubblico degli Zeppelin è la sua calma e serenità. Due sere prima avevo visto gli Humble Pie suonare al Madison Square Garden di New York e, per la prima volta in tanti anni di concerti, ero felice di avere un poliziotto accanto a me. Il pubblico del Pie era così fuori di testa dal vino rosso e dai quaaludes che un brutto incidente sembrava imminente da un momento all'altro.
Non così con il pubblico degli Zep. Si sono scatenati davvero, e si sono agitati e contorti fino a diventare sudati ed esausti come la band, ma nessuno ha mai emesso un'atmosfera violenta. Nonostante tutto il suo enorme volume ed energia, la musica degli Zeppelin è una musica inappropriata per spaccare i crani.
Quindi è tutto pronto. All'improvviso le luci esplodono, ed eccoli lì. John Paul Jones con capelli corti, baffi e basso a cinque corde, sembra quasi come se avesse appena lasciato gli Eagles, Page a torso nudo in velluto nero con parsimonia di paillettes, con in mano una Les Paul professionale, Bonham che si sistema dietro la sua batteria per dare un'occhiata, e il leonino Robert Plant in camicia a fiori e jeans. Il numero di apertura è "Rock And Roll".
Ora, ho sempre saputo che gli Zeppelin erano bravi, ma erano passati tre anni dall'ultima volta che li avevo visti e non ero assolutamente preparato per questo. In un'epoca in cui una band su due che si presenta al consumo pubblico sembra essere troppo sprecata per suonare oppure tormentata da un sistema audio più adatto ad annunciare i vincitori in una lotteria di canonica che a trasmettere musica rock and roll, la potenza pura e pulita degli Zeppelin le prestazioni e il suono sono ancora più straordinari di quanto potrebbero altrimenti apparire. Suonano semplicemente la musica, ad alto volume e orgogliosi.
Il punto in cui gli Zeppelin superano tutte le band che sono emerse sulla loro scia e hanno cercato di emularli è che mantengono tutte le basi coperte. Tutto ciò che fa parte dello spettacolo viene meticolosamente rifinito fino a raggiungere il massimo livello possibile. Niente cede, niente è di second'ordine, niente viene lesinato.
Ogni arrangiamento, ogni improvvisazione, la costruzione di ogni canzone o ogni assolo, nulla viene trascurato. È semplicemente buon artigianato tradizionale britannico. La parola “sciatto” non è, a tutti gli effetti pratici, parte del vocabolario collettivo dei Led Zeppelin.
D'altra parte, non è certamente un viaggio degli Yes sterile e provato sul campo, perché ogni concerto ha tanta eccitazione, freschezza ed entusiasmo come se fosse il primo e l'ultimo.
Generalmente, la durata del set di una band ti dà un'idea di quanto amano suonare insieme. Gli Zeppelin suonano dalle due alle tre ore. È stato detto abbastanza.
IL concerto al LA Forum è stato dannatamente bello. Mi lasciò completamente senza parole, ma sarebbe stato completamente sminuito nella mia memoria dalla data di San Francisco in cui suonarono due giorni dopo. Quindi avanti con lo spettacolo.
Dietro le quinte, i tirapiedi sono entrati e hanno iniziato a resistere. Ragazze di quattordici anni in abiti vistosi e scadenti vanno in giro mormorando sconsolatamente: "Dov'è Jimmy?", rubando monetine per la macchinetta delle gomme da masticare, mostrando di nascosto le loro foto sulla rivista "Star" e costringendo i fotografi a scattare le loro foto.
Lee Childers dell'ufficio Mainman di Los Angeles è lì in abito bianco e scatta foto di tutto ciò che vede.
“Cos'è questo”, chiede, “in alcuni giornali inglesi sul fatto che io e Cherry siamo stati licenziati? Tutto quello che è successo è che siamo tornati a casa per occuparci dei nostri uffici. Perché le persone stampano cose che sanno non essere vere?" Sembra piuttosto turbato, e potrebbe esserlo.
Nell'angolo, Robert Plant è appoggiato al muro e beve birra. Si è trasformato in una maglietta di Elvis con strass ed è generoso nelle lodi del pubblico. "Che bella emozione", continua a ripetere. “Se non fosse stato per la mano di Jimmy, avremmo potuto suonare tutta la notte per quelle persone. Non erano fantastici?" chiede a tutti quelli che sono a portata di mano.
Vai alla scena della festa. È il compleanno di John Bonham e il pubblico del Forum gli ha regalato un tributo da eroe per la sua maratona di batteria su “Moby Dick” quella sera. “Ventuno oggi”, come aveva annunciato Plant dal palco.
"Questa festa probabilmente diventerà molto sciocca", annuncia. Altrimenti perché un uomo si presenterebbe alla sua festa di compleanno indossando una maglietta, scarpe da ginnastica e un paio di pantaloncini da bagno? A quanto pare, era la persona presente vestita in modo più appropriato.
La festa si svolge nella lussuosa casa di Laurel Canyon di un gentiluomo che gestisce una stazione radio e, per dimostrare la sua importanza, mostra discretamente fotografie di se stesso con personaggi famosi come Sly Stone e Richard (l'uomo di WATERGATE) Nixon.
Un videoregistratore trasmette continuamente "Deep Throat" mentre lo stereo riempie la casa con Johnny Winter, gli Stones, Humble Pie e Masassas. Roy Harper, una delle poche persone che gli Zep riconoscono come un'influenza, sono lì, così come Jimmy Karstein che si è distinto durante il concerto di Clapton al Rainbow, e BP Fallon, che ha volato dall'altra parte del mondo da stamattina quando la band ha telefonato lui a casa di Michael Des Barres.
Arrivato quella mattina dalla Louisiana, il vostro reporter si disonora addormentandosi sulla sua sedia intorno alle 4.30. Poco dopo, viene svegliato dal premuroso Phil Carson dell'Atlantic, e ritorna, più o meno tutto intero, al suo hotel .
Il giorno seguente apprende che praticamente tutti i presenti sono finiti in piscina dopo che un certo signor George Harrison ha picchiato Bonzo con la sua stessa torta di compleanno. Lo squisito costume di velluto antico del signor Fallon è stato reso perfetto dalla sua immersione, così come la macchina fotografica di Rodney Bingenheimer e una pelliccia di visone appartenente a una signora di nome Vanessa.
Sul resto del procedimento stenderemo un velo leggermente umido.
SABATO e San Francisco. Jimmy Page è paranoico all'idea di volare sul piccolo jet privato di Zep, quindi lui e il manager Peter Grant stanno viaggiando su un volo di linea.
Ciò lascia Plant, Bonzo, JPJ, Beep, il vice di Peter Grant, Richard Cole (che ho incontrato per la prima volta alcuni anni fa in uno scambio di lavoro a Reading) e vari altri a sfidare gli elementi in questo piccolo mestiere.
Il pollo e lo champagne aiutano ad alleviare il terrore, tranne che per un momento in cui l'infaticabile signor Bonham pilota l'aereo. Fortunatamente, non lo scoprirò finché non sarà tornato al suo posto.
Il concerto è all'aperto, in uno stadio al Golden Gate Park. Gli Zep sono stati preceduti da Lee Michaels, Roy Harper e un gruppo locale chiamato Tunes. Si dice che Harper abbia messo a tacere i disturbatori informandoli che "gli Zeppelin non hanno ancora lasciato Los Angeles, quindi stai zitto, cazzo".
Nel backstage, Bill Graham va in giro controllando i pass per le persone. Bonham mormora qualcosa riguardo al fatto che è difficile giocare con il caldo intenso, ma per fortuna più tardi fa più fresco. Tra la folla, un poliziotto nero indossa il distintivo “Impeach Nixon”. San Francisco ha ancora molta anima.
Come posso parlarvi di quello spettacolo? I Led Zeppelin e 50.000 persone di San Francisco si sono riuniti per offrire uno dei migliori eventi musicali a cui abbia mai avuto il privilegio di partecipare. Potrebbero esserci band che suonano meglio, e potrebbero esserci band che si esibiscono meglio, e potrebbero esserci band che scrivono canzoni migliori, ma quando si tratta di saldare se stessi e il pubblico insieme in un'unica unità di gioia totale, gli Zeppelin non cedono a nessuno.
Sia che stiano facendo esplodere i riff di "Black Dog", o rubando il cuore delle persone da dentro con "Stairway To Heaven" (per quanto mi riguarda il capolavoro di tutti i tempi degli Zeppelin) o facendo inciampare il pubblico con quegli incredibili Plant -Setpieces di chiamata e risposta per chitarra/voce, trasmettono semplicemente magia a chiunque si trovi nel raggio d'ascolto.
In modo del tutto inconsapevole e discreto, qualsiasi posto in cui suonano diventa una Casa del Santo, un luogo dove raddrizzare le cellule cerebrali aggrovigliate. Allo stesso tempo, ti riportano direttamente alla tua casa rockanroll e ti mandano in posti nuovi in cui ti senti già a casa quando arrivi. Un'occasione davvero molto spirituale, ma anche un momento molto fisico.
E nonostante tutta la disillusione, il sogno di San Francisco non è finito. È solo che oggigiorno la gente non ne parla più. In quel parco tutto sembrava più pulito, più fresco, più immediato.
Per me, uno dei momenti più sorprendenti dell'intero spettacolo è stata, stranamente, la parte che mi aspettavo mi sarebbe piaciuta di meno. Per tutta la mia vita musicale ho avuto una forte antipatia verso gli assoli di batteria. Quindi è stato uno shock ritrovarmi davvero entusiasta di "Moby Dick" di Bonzo.
Guardandolo da qualche metro di distanza, totalmente assorbito da ciò che stava facendo, tornò di nuovo alla questione dell'artigianato. Non sembrava, come fanno tanti batteristi che eseguono assoli all'infinito, come se stessero suonando per la galleria. Non somigliava tanto a uno scultore, a un pittore o a chiunque faccia qualcosa che richieda concentrazione, sforzo e abilità.
John Bonham esercitava il suo mestiere, faceva il suo lavoro, esercitava le sue abilità particolari, facendo ciò che fa qualsiasi artigiano dotato e impegnato. È sempre bello superare un pregiudizio e apprezzare qualcosa che prima non potevi apprezzare.
Insomma, un concerto magico. Suppongo che legioni di irriducibili fanatici degli Zep lo abbiano sempre saputo, ma per me è stata una rivelazione. Durante l'assolo, Plant camminava avanti e indietro lungo il lato del palco, occasionalmente dondolandosi sull'impalcatura per sedersi sotto gli amplificatori. "Lo senti?" Egli ha detto. "Senti quel ronzio!"
Dopo "Communication Breakdown" nel backstage scoppiò una rissa in acqua, e l'unica persona che riuscì a scappare illesa fu Bill Graham. Zep è tornato indietro per fare il bis finale di "The Ocean", e poi è corso verso la limousine.
Salute a tutti, Led Zep. Osanna al grammo. Se c'è ancora un po' di eccitazione in questo circo dell'ego che chiamiamo rockanroll, una parte considerevole di essa deriva da te. Sii orgoglioso.
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I'm a little magical-----
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September 4, 1970, The Forum,..Los Angeles
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September 4, 1970, The Forum,..Los Angeles
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se la ridono ancora...I Led Zeppelin lo affittano nel 1974 dopo un volo difficile a bordo del Falcon Jet che usavano di solito tra San Francisco e Los Angeles a causa di una turbolenza e fanno scrivere il nome Led Zeppelin sulla fusoliera. Volano da una città all’altra, si fermano in aeroporto e vanno e vengono dagli stadi in cui si esibiscono in limousine, ripartendo spesso la notte stessa. Peter Grant ha raccontato di un volo tra New York e Los Angeles, in ciu John Bonham si è seduto in cabina e ha fatto il copilota per tutto il tragitto. Robert Plant ha raccontato invece un aneddoto incredibile su un volo da Dallas a New Orleans: «John Bonham era nel suo periodo in cui andava in giro con un bastone nero con il pomello d'argento e un cappello in testa» ha detto la voce dei Led Zeppelin in un'intervista recente, «È andato in bagno e appena ha aperto la porta il suo cappello è stato risucchiato dall'acqua, lasciato aperto per sbaglio da un addetto alla manutenzione » A causa di questo incidente, ha spiegato Plant, non è stato possibile pressurizzare correttamente la cabina.
John ha perso il cappello, ma noi abbiamo dovuto volare tutto il tempo a ottomila piedi, una quota bassissima, per non farci saltare le orecchie».
Anche a causa delle tante follie avvenute a bordo, lo Starship ha iniziato a manifestare segni di usura già a partire dal 1974, quando lo usa Alice Cooper e dopo il tour del 1976 di Peter Frampton, raccolto nell'album dal vivo Frampton Comes Alive, rimane a terra all'aeroporto di Long Beach. Per il tour americano del 1977 i Led Zeppelin affittano un nuovo aereo, un Boeing 707 da 45 posti, di proprietà dell'hotel Caesar's Palace di Las Vegas. Nel 1979 lo Starship finisce in un deposito a Luton in Inghilterra e nel luglio 1982 la sua gloriosa carriera nel rock finisce con la sua demolizione.
Page e Screaming Lord Sutch, Hollywood, '69
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