I admire honesty. I am honest when I say I cannot fathom it being 9 years since this chat with easily one of the most amiable & truly honest people in the business, all this around the time he was in full creative swing at Abbey Road studios.
Chris, I hope you are well & thank you again for your time. I know, I'm not supposed to be starstruck - but at 52 years old I have to admit..I can't help it.
My interview with drummer Chris Blackwell.:
CZ: I remember the picture of Abbey Road Studios you posted on Facebook. 2 pics from the same angle. One from I believe a late 1960’s Beatles session and the other from your sessions. That must have been exhilarating. What were you working on? How many times have you been to Abbey Road before or since? ---- Or simply, how did it feel...
CB: My first time at Abbey Road was many years ago and I do remember being awestruck by the history of the place. Once you get in there and start doing the job you’ve been hired to do though it just becomes a place of work. You need to concentrate on what you are doing in those situations so you don’t get much chance to be a tourist! Guess I’ve been ther 20 times or so over the years, got another session there in the New Year as it happens, Studio 1 with The Royal Philharmonic Orchestra and a choir. Should be fun!
CZ: Were you a fan of Led Zeppelin as a kid?
CB: Nope, although the very first album I got was Led Zep 4. When I first heard Led Zep 1 I thought Robert was a girl.
CZ: Ever see them?
CB: No.
CZ: What was your opinion on Robert’s solo career before you came along - and since?
CB: I’d never really paid it much attention to be honest. I lost interest in Led Zep after the 4th album so wasn’t following him closely at all apart from keeping a sonic ear out for interesting stuff. I did drive to the South of France with friends and we played ‘Shaken ‘n Stirred’ all the way down, a 24 hour drive. I remember saying to my mate that I’d like to play that stuff. A year later I was.
CZ: How did you first meet Robert, and did that meeting eventually lead to you joining up with him or was it more of an audition process?
CB: I never actually met him before rehearsals and I didn’t audition for the gig, he just left a message on my answerphone one day asking if I’d like to play on what turned out to be ‘Now & Zen’. Can’t recall ever auditioning for a gig actually ...
CZ: Tell me about Shaken and Stirred. I hear it was a very difficult album to make with Robert really wanting a pure “80s” album. I’ve heard some bootleg recordings of “Sixes and Sevens” (my personal favorite). Do you have some insight into that song you can tell me about?
CB: Can’t help you there I’m afraid. As far as I know there was a pretty serious falling out between Robert and the band which led to the formation of the new band that I was part of.
CZ: Playing at Knebworth 1990. Regarding Jimmy Page joining the band. Did you rehearse with Jimmy beforehand or was it more of a surprise? The smile on your face says it all: but I have to ask how it felt in front of such a huge crowd to play with those two legends.
CB: We rehearsed with Jimmy a couple of days prior to the show and I’d met Jimmy and hung out with him several times before that. You have to remember that as a musician it is very important not to be star struck because you wouldn’t get hired for many gigs, and in any case these people hire you because musically they know you are right for the job so it’s a level playing field. They are, after all, just normal people. Very important to be able to tell somebody to ‘fuck off’ when you know you are right no matter who they are, and if you can’t do that without losing your job then you shouldn’t be there. And I hate ‘yes’ men.
CZ: With Now and Zen we saw Robert starting to get back to his “Percy” persona and being more comfortable Zeppelin material. How exciting was it playing those songs in concert especially after his reluctance since? (I know, I know it’s an obvious question….)
CB: It was great fun actually, mainly because of the audience reaction. Great to see people really enjoying what we were doing. On a couple of the songs Robert couldn’t hit the high notes (Immigrant Song especially) so I got him to sing into a mic and sampled him so I could trigger it live.
CZ: I know you are more than just a brilliant drummer but also a multi-instrumentalist as well. A recent post has you laying down all sorts of stringed instruments. How many instruments do you play? What are they? What’s most difficult? Easiest? Were the drums your first love?
CB: Ha! Well I can turn my hand to pretty much anything really. Having my own Studio means I can keep trying until I get it right. Drums were (and are) my first love but I play guitar, bass, ukulele, mandolin, keyboards, various other bits and pieces. I like a challenge!
CZ: Do you read music or play by feeling? Not just percussion but any and all instruments.
CB: I don’t read or write music. When working with orchestras I use an orchestrator and a conductor to deal with all that. Very important to play from the soul I think.
CZ: Finally - what is the biggest and best highlight you can recall in your musical career?
CB: There are two actually, the first being my first time on stage at Madison Square Gardens and thinking about my friends at home, the second being the first time I heard my music on UK TV. Big buzz!
CZ: Biggest disappointment?
CB: Meeting Chris Squire from Yes. Complete arse.
CZ: AND A MUST FOR ALL FANS.. THE JAMES LIPTON QUESTIONNAIRE!
CZ: What is your favorite word?
CB: Love
CZ: What is your least favorite word?
CB: Hate
CZ: What turns you on creatively, spiritually or emotionally?
CB: Seeing somebody else completely immersed in what they are doing, hearing my boys laugh out loud at a movie.
CZ: What turns you off creatively, spiritually or emotionally?
CB: Telephone calls from insurance companies when I am in the Studio
CZ: What sound or noise do you love?
CB: The sound of waves on the shore, the crackling of a fire, or wind and rain against my window
CZ: What sound or noise do you hate?
CB: Negative people saying negative things and trying to kill my natural optimism
CZ: What is your favorite curse word?
CB: I don’t fucking swear.
CZ: What profession other than your own would you like to attempt?
CB: Special effects for movies
CZ: What profession would you not like to do?
CB: Working in an abattoir
CZ: If Heaven exists, what would you like to hear God say when you arrive at the Pearly Gates?
CB: Gin and tonic?
CZ: Chris Blackwell!! Thank you SO much!! Here’s to a great New Year to you and yours. I really appreciates this.
CB: No problem, go there in the end!
Note: Besides being a multi instrumentalist here's some great stuff from his bio page: "He works extensively for TV and his work includes themes for The Davis Cup, FIFA, IMG Golf, The African Cup of Nations, The Daily Politics, Breakfast with Frost, Tomorrow’s World, and numerous other BBC themes and commissions.
Recently he has broadened his attention to Orchestral composition (recording at Abbey Road with The Royal Philharmonic Orchestra) and has composed hundreds of tracks for Audio Network, Imagem / Boosey & Hawkes and DeWolfe. Above all, he continues to have a great time."
Ammiro l'onestà. Sono sincero quando dico che non riesco a capire che siano passati 9 anni da questa chiacchierata con una delle persone più amabili e sincere del business, tutto questo nel periodo in cui era in pieno swing creativo presso gli Abbey Road studios.
Chris, spero che tu stia bene e grazie ancora per il tuo tempo. Lo so, non dovrei essere colpito dalle stelle - ma a 52 anni devo ammetterlo.. Non posso farci niente.
La mia intervista al batterista Chris Blackwell. :
CZ: Ricordo la foto degli Abbey Road Studios che hai pubblicato su Facebook. 2 foto dallo stesso angolo. Uno di credo una sessione dei Beatles di fine anni '60 e l'altro delle tue sessioni. Deve essere stato esilarante. A cosa stavi lavorando? Quante volte sei stato ad Abbey Road prima o dopo? ---- O semplicemente, come ci si sente...
CB: La mia prima volta ad Abbey Road è stata molti anni fa e ricordo di essere stato sorpreso dalla storia del luogo. Una volta che entri lì dentro e inizi a fare il lavoro per cui sei stato assunto, anche se diventa solo un luogo di lavoro. Bisogna concentrarsi su quello che si sta facendo in quelle situazioni per non avere molte possibilità di fare il turista! Credo di esserci stato 20 volte circa nel corso degli anni, ho avuto un'altra sessione lì nel nuovo anno, come accade, Studio 1 con la Royal Philharmonic Orchestra e un coro. Dovrebbe essere divertente!
CZ: Eri un fan dei Led Zeppelin da bambino?
CB: No, anche se il primo album che ho ricevuto è stato Led Zep 4. Quando ho sentito per la prima volta Led Zep 1 ho pensato che Robert fosse una ragazza.
CZ: Li hai mai visti?
CB: No.
CZ: Qual era la tua opinione sulla carriera solista di Robert prima che tu arrivassi - e dopo?
CB: non ci avevo mai prestato molta attenzione ad essere onesti. Ho perso interesse per i Led Zep dopo il 4° album, quindi non lo seguivo da vicino, a parte tenere un orecchio sonico fuori per cose interessanti. Ho guidato fino al sud della Francia con degli amici e abbiamo giocato a 'Shaken 'n Stirred' fino in fondo, a 24 ore di macchina. Ricordo di aver detto al mio amico che vorrei suonare quella roba. Un anno dopo lo ero.
CZ: Come hai incontrato Robert per la prima volta, e quell'incontro alla fine ti ha portato a unirti a lui o è stato più un processo di audizione?
CB: non l'ho mai incontrato prima delle prove e non ho fatto l'audizione per il concerto, un giorno ha lasciato un messaggio sulla mia segreteria, chiedendo se mi piacerebbe giocare su quello che si è rivelato essere "Now & Zen". Non ricordo di aver mai fatto un provino per un concerto in realtà...
CZ: Parlami di Shaken and Stirred. Ho sentito che è stato un album molto difficile da fare con Robert che voleva davvero un album puro "anni 80". Ho sentito alcune registrazioni pirata di "Sixes and Sevens" (la mia preferita). Hai qualche idea su quella canzone di cui puoi parlarmi?
CB: Temo di non poterti aiutare lì. Per quanto ne so c'è stato un litigio abbastanza serio tra Robert e la band che ha portato alla formazione della nuova band di cui facevo parte.
CZ: Giocando a Knebworth nel 1990. Per quanto riguarda Jimmy Page che entra nella band. Hai fatto le prove con Jimmy prima o è stata più una sorpresa? Il sorriso sul tuo viso dice tutto: ma devo chiederti come ci si sente davanti a una folla così enorme a giocare con quelle due leggende.
CB: Abbiamo provato con Jimmy un paio di giorni prima dello spettacolo e avevo incontrato Jimmy e sono uscito con lui diverse volte prima ancora. Devi ricordarti che come musicista è molto importante non essere colpiti da star perché non verresti assunto per molti concerti, e in ogni caso queste persone ti assumono perché musicalmente sanno che sei giusto per il lavoro quindi è un campo di gioco equo . . Dopo tutto, sono solo persone normali. Molto importante poter dire a qualcuno di "vaffanculo" quando sai di avere ragione, non importa chi sia, e se non puoi farlo senza perdere il lavoro, allora non dovresti essere lì. E io odio gli uomini "sì".
CZ: Con Now e Zen abbiamo visto Robert iniziare a tornare al suo personaggio "Percy" ed essere più comodo materiale Zeppelin. Quanto è stato emozionante suonare quelle canzoni in concerto soprattutto dopo la sua riluttanza da allora? (Lo so, lo so che è una domanda ovvia.... )
CB: È stato molto divertente in realtà, soprattutto a causa della reazione del pubblico. Bello vedere le persone che si godono davvero quello che stavamo facendo. Su un paio di canzoni Robert non riusciva a colpire le note alte (specialmente Immigrant Song) così l'ho convinto a cantare in un microfono e l'ho assaggiato in modo da poterlo innescare dal vivo.
CZ: So che sei più di un semplice batterista brillante ma anche polistrumentista. Un recente post ti dice di mettere tutti i tipi di strumenti a corda. Quanti strumenti suoni? Cosa sono? Qual è la cosa più difficile? Il più facile? La batteria è stata il tuo primo amore?
CB: Ah! Beh, posso girare la mia mano praticamente su qualsiasi cosa, in realtà. Avere il mio Studio significa continuare a provare finché non lo faccio bene. La batteria è stata (e sono) il mio primo amore ma suono chitarra, basso, ukulele, mandolino, tastiere, vari altri pezzi e pezzi. Mi piacciono le sfide!
CZ: Leggi la musica o suoni per sentimento? Non solo percussioni, ma qualsiasi strumento.
CB: non leggo e non scrivo musica. Quando lavoro con le orchestre uso un orchestratore e un direttore d'orchestra per affrontare tutto questo. Molto importante giocare con l'anima credo.
CZ: Finalmente - qual è il miglior momento e più grande che riesci a ricordare nella tua carriera musicale?
CB: In realtà ce ne sono due, la prima è la mia prima volta sul palco al Madison Square Gardens e penso ai miei amici a casa, la seconda è la prima volta che ho sentito la mia musica sulla TV britannica. Grande ronzio!
CZ: La più grande delusione?
CB: Incontrare Chris Squire degli Yes. Completo culo.
CZ: E un must per TUTTI i fan... Il questionario James Lipton!
CZ: Qual è la tua parola preferita?
CB: Amore
CZ: Qual è la tua parola meno preferita?
CB: Odio
CZ: Cosa ti eccita creativamente, spiritualmente o emotivamente?
CB: Vedere qualcun altro completamente immerso in quello che sta facendo, sentire i miei ragazzi ridere a crepapelle per un film.
CZ: Cosa ti spegne creativamente, spiritualmente o emotivamente?
CB: Telefonate dalle compagnie di assicurazione quando sono in studio
CZ: Quale suono o rumore ami?
CB: Il rumore delle onde sulla riva, il crepitio di un fuoco, o vento e pioggia contro la mia finestra
CZ: Quale suono o rumore odi?
CB: Persone negative che dicono cose negative e cercano di uccidere il mio naturale ottimismo
CZ: Qual è la tua parolaccia preferita?
CB: io non bestemmio un cazzo.
CZ: Quale professione oltre alla tua vorresti tentare?
CB: Effetti speciali per film
CZ: Quale professione non vorresti fare?
CB: Lavorare in un mattatoio
CZ: Se il Paradiso esistesse, cosa vorresti sentirti dire Dio quando arriverai alle Porte Perle?
CB: Gin tonic?
CZ: Chris Blackwell!! Grazie MILLE!! Un grande anno nuovo a te e ai tuoi cari. Lo apprezzo davvero.
CB: Nessun problema, vai lì alla fine!
Nota: oltre ad essere un multistrumentista ecco alcune grandi cose dalla sua pagina bio: "Lavora molto per la TV e il suo lavoro include temi per la Coppa Davis, FIFA, IMG Golf, La Coppa delle Nazioni Africane, The Daily Politics, Colazione con Frost, Il mondo di domani, e numerosi altri temi della BBC e commissioni.
Recentemente ha ampliato la sua attenzione alla composizione orchestrale (registrazione ad Abbey Road con la Royal Philharmonic Orchestra) e ha composto centinaia di brani per Audio Network, Imagem / Boosey & Hawkes e DeWolfe. Soprattutto continua a divertirsi. "
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I Led Zeppelin hanno conquistato l'America prima ancora di preoccuparsi del loro paese natale:
I Led Zeppelin sono stati rilasciati due mesi prima negli Stati Uniti rispetto a quanto non fosse in Inghilterra, e su un'etichetta americana per iniziare.
** È l'inizio del 1969, e tu sei giovane. Hai tra le mani un LP di una band con un nome strano. La copertina è una foto in bianco e nero dell'Hindenburg che esplode, ritagliata e ritoccata per assomigliare ad un'apocalisse nazista fallica. Togli il disco dalla manica e lo metti sul giradischi. Il suono di una chitarra ti esplode nelle orecchie, due veloci scoppi di una Fender Telecaster, ognuna attaccata a un violento colpo di batteria: BOM-BOMP. I prossimi due minuti e quaranta secondi passano come una valanga, intricate ragnatele di chitarra e basso, percussioni tuonanti, un vocalist di 20 anni che canta battute come "I know what it means to be alone" con una flamboyance che lo rende impossibile per credergli. Quando tutto finisce afferra l'ago e lo sposti di nuovo sul bordo del disco, per confermare che tutto questo è reale, e tutto ricomincia. BOM-BOMPA**
** Mike Millard - Taper per la musica da stivale!
18 maggio 1951 - 29 novembre 1994),[1] soprannominato "Mike The Mic" è stato un appassionato concerto tra il 1973 e il 1994, registrando oltre 300 concerti, tra cui i Led Zeppelin, i Pink Floyd e i Rolling Stones in California. [2] Ha registrato praticamente ogni spettacolo al Forum dal 1974 al 1980. Molte delle sue registrazioni sono finite nelle mani dei contrabbandieri che hanno venduto il lavoro di Millard ai fan.
Partendo da un monoregistratore di base nel 1973, Millard è passato a un registratore stereo Nakamichi 550 con microfoni AKG Acoustics 451E per gli spettacoli Led Zeppelin del 1975 nella zona. [3] Usava spesso una sedia a rotelle per nascondere la sua attrezzatura, fingendo di essere disabile. [4] A differenza della maggior parte dei bootleg del pubblico degli anni '70, le registrazioni di Millard sono note per la loro buona qualità del suono, e sono ancora considerate alcuni dei migliori bootleg audio disponibili. [4]
La registrazione di Millard del concerto dei Led Zeppelin il 21 giugno 1977 al Forum (presumibilmente registrata dalla fila numero sei) è stata pubblicata con il titolo Listen To This Eddie, e rimane uno dei più noti bootleg dei Led Zeppelin. [5] La sua registrazione del numero di apertura del concerto, "The Song Remains The Same", è stata inclusa nel menù promo del DVD dei Led Zeppelin. [4] Millard ha registrato quattro dei Rolling Stones cinque spettacoli del 1975 al LA Forum, e la sua registrazione dello spettacolo di domenica 13 luglio 1975 (titolato 'LA Friday') è diventata una delle registrazioni più diffuse di un concerto dei Rolling Stones. [6]
Millard non è mai stato dietro la vendita dei contrabbandieri ed è stato apertamente contrario alla vendita illegale delle sue registrazioni. [necessità di citazione] Era famoso per "marcare" le copie dei suoi nastri in modo che se una delle sue registrazioni fosse stata messa in vendita su LP o CD, avrebbe potuto dire a quale persona l'aveva scambiata. Teneva un registro molto dettagliato delle sue registrazioni segnate e a chi erano state distribuite. [4] Le copie "non contrassegnate" delle registrazioni di Millard sono molto scarse. Nel 2016 diverse copie non contrassegnate della prima generazione delle sue registrazioni dei Led Zeppelin sono emerse nei circoli commerciali. [7]
Si dice che Millard abbia sofferto di una grave depressione. Si è suicidato nel 1994. [1]
La registrazione Millard è stata usata dal The National nel 2019 per registrare due dei loro spettacoli a Berkeley, CA, ed è stato anche creato un documentario di accompagnamento intitolato Juicy Sonic Magic: The Mike Millard Method [1]
Mike è noto soprattutto per i 10 Led Zeppelin show che ha registrato nel sud della California negli anni '70. Questi spettacoli includono l'11 e il 12 marzo a Long Beach e al Forum il 24, 25 e 27 marzo nel tour nordamericano. Quando la band è tornata nel sud della California per il tour di concerto del Nord America, ha registrato la band a San Diego il 19 giugno e poi quattro volte al Forum il 21, 23, 25 e 27 giugno.
Un articolo di Rolling Stone del 2021 [8] elogiava la qualità della sua registrazione dei Pink Floyd del 26 aprile 1975, arrivando al punto di dire: "Se i Pink Floyd decidono mai di creare una serie Bootleg, dovrebbero mettere le mani sui master nastri di Millard - iniziando con t La sua Los Angeles del 1975 lavoro. È la band all'apice delle sue capacità di live act e merita di essere ascoltata il più possibile. "
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https://faroutmagazine.co.uk/led-zeppelin-song-resurrected-30-years-later/
https://youtu.be/zuXUhOQzprA
Durante quel viaggio, solo un piccolo numero di brani del loro album più recente, Presence del 1976 , furono provati dal vivo. "Achilles Last Stand" è stato il maggior successo, mentre "Nobody's Fault but Mine" ha illuminato la folla notte dopo notte. "Tea For One" è stato occasionalmente tirato fuori, principalmente come assolo per Jimmy Page per trascorrere un po' di tempo sotto i riflettori. Altrimenti, nessuna delle altre tracce dell'album è stata provata e dopo la morte del figlio di Robert Plant, Karac, nel mezzo del tour, il trionfante ritorno è stato rapidamente cancellato.
Quando gli Zeppelin eseguirono quelli che finirono per essere i loro spettacoli finali nel 1980, furono suonati solo "Achilles Last Stand" e "Nobody's Fault but Mine", dando a Presence forse la minor quantità di visibilità al pubblico dal vivo tra tutti gli album degli Zeppelin. Il concerto tributo del 2007 ad Ahmet Ertegun è servito come momento per tirare fuori una scaletta che copriva l'intera carriera della band, incluso suonare "Ramble On" per la prima volta dal vivo.
Un'altra canzone che ha visto la luce del palco per la prima volta è stata 'For Your Life', la seconda traccia di Presence . Un rocker blues serrato sull'uso e l'abuso di cocaina e altre droghe che giravano intorno agli Zeppelin in quel momento, "For Your Life" è stato vittima delle sessioni intense e veloci che hanno segnato la fine della registrazione di Presence . La voce di Plant è sepolta nel mix e successivamente la canzone ha visto poca attenzione da parte dei fan.
Con la sua inclusione, "For Your Life" ha consolidato la reputazione di Presence come uno degli album più sottovalutati dei Led Zeppelin. Ha anche salvato Presence dall'essere completamente escluso e ignorato per lo spettacolo tributo, lasciando In Through the Out Door come l'unico album degli Zeppelin a essere ignorato all'ingrosso durante lo spettacolo del Celebration Day .
I Led Zeppelin non hanno suonato ogni singola canzone che hanno registrato in studio durante le loro esibizioni dal vivo. "When The Levee Breaks", una delle escursioni blues più iconiche della band, notoriamente ha visto solo pochi tentativi dal vivo prima di essere bandito definitivamente dalle scalette del gruppo. Anche "Four Sticks" e "The Crunge" si sono rivelati complicati, con i loro ritmi tortuosi e le indicazioni di tempo atipiche. A parte alcune esibizioni dalla prima alla metà degli anni '70, nessuna delle due canzoni veniva regolarmente inclusa negli spettacoli dal vivo della band.
Un tour del 1977 in Nord America aveva lo scopo di riportare la band in cima come gruppo rock preferito d'America. Con il cambiamento dei tempi sono arrivati nuovi stili: disco, punk, funk e soft rock dominavano le classifiche, minacciando di far sembrare i Led Zeppelin dei dinosauri arcaici. Invece, la band ha tirato fuori le armi da fuoco, incorporando un mix di primi favoriti, classici dell'arena e nuovi piaceri del pubblico nel corso delle loro esibizioni notturne di oltre tre ore.
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Le canzoni in competizione che i Led Zeppelin hanno scritto sui loro spettacoli dal vivo
La leggenda che circonda le esibizioni dal vivo dei Led Zeppelin è cresciuta fino a raggiungere proporzioni mitiche nel corso di 50 anni. Se leggi salaci biografie semi-vere come Hammer of the Gods di Stephen Davis o Stairway to Heaven: Led Zeppelin Uncensored di Richard Cole , potresti credere che i Led Zeppelin fossero una via di mezzo tra un circo itinerante e un'orgia mobile a livello di Caligola con animali selvatici, ragazze e uso continuo di droghe.
Sebbene gli elementi di quelle storie siano veri per le loro buffonate dietro le quinte, la realtà era che i Led Zeppelin evitavano in gran parte la teatralità e gli espedienti nelle loro esibizioni teatrali. Per la maggior parte della loro carriera in tournée, gli Zeppelin sono saliti sul palco con luci minime, senza proiezioni, senza macchine del fumo, senza laser e senza video. Era solo la band e il loro pubblico, che si collegavano con il puro hard rock non filtrato. Le migliaia di adolescenti che ondeggiavano a tempo perfetto con i ritmi iniziarono a ispirare la band, e presto ci furono due canzoni scritte in onore dei loro trascendenti spettacoli dal vivo e del loro pubblico oltremodo fedele.
Il primo è stato "The Ocean", un riferimento diretto alle orde di membri del pubblico che si muovevano in movimento ad ogni nota prodotta dalla band sul palco. La maggior parte delle volte, i membri della band stessi non riuscivano a distinguere volti o dettagli sulla loro folla: nel 1970 si erano diplomati in arene e stadi, elevandoli al di sopra del pubblico intimo dei club per cui inizialmente suonavano. "The Ocean" è stata una conferma che solo perché ora erano la più grande band del mondo, il legame con il loro pubblico era ancora personale come sempre.
Il secondo era "Houses of the Holy", un brano funk-rock da batticuore che si riferiva ai giganteschi locali in cui suonavano i Led Zeppelin. Mentre "The Ocean" parlava del pubblico, "Houses of the Holy" parlava dei luoghi che gli Zeppelin hanno preso in consegna: il Forum, Earl's Court, il Madison Square Garden e la Royal Albert Hall, solo per citarne alcuni. Dal momento che le loro esibizioni iniziali includevano solo la band e alcune luci, la connessione ultraterrena con il pubblico era la più grande risorsa della band. Notte dopo notte, non importa dove si trovassero nel mondo, gli Zeppelin sono riusciti a trasformare qualsiasi pista di hockey o sala da concerto nella loro casa del santo.
Sia "The Ocean" che "Houses of the Holy" furono registrati durante le sessioni della band del 1972 a Stargroves, la grande tenuta di campagna di Mick Jagger . La band decise che "Houses of the Holy" sarebbe stato un buon titolo per l'album, ma mentre continuavano a tracciare brani classici dopo brani classici, è sorto un problema: c'era troppa musica per un singolo disco. La band aveva già deciso di mettere da parte brani come "Black Country Woman" e "Walter's Walk" che erano stati registrati durante le sessioni, ma durante la fase finale del missaggio c'era una decisione da prendere tra "The Ocean" o "Houses of il Santo'.
L'album Houses of the Holy stava prendendo forma per essere il disco più vario ed eclettico della carriera della band, con il rocker dalle sfumature reggae 'D'yer Ma'ker', il pastiche di James Brown 'The Crunge', l'uno-due punch di "The Song Remains the Same" e "The Rain Song", e l'inquietante rock progressivo di "No Quarter". "The Ocean" presentava un riff strano che cambia il tempo e una coda doo-wop che era più in linea con i vari stili dell'album, mentre "Houses of the Holy" era un numero rock più standard. Alla fine, "The Ocean" ha vinto e Houses of the Holy non ha effettivamente finito per presentare la sua title track.
Sebbene "Houses of the Holy" fosse bandito nel caveau della band, non rimase lì a lungo. Appena due anni dopo l'uscita dell'album Houses of the Holy , gli Zeppelin dovettero affrontare lo stesso problema una seconda volta: avevano registrato troppo materiale per un singolo album. Questa volta, il gruppo ha deciso di razziare i loro outtakes per trovare materiale adatto che avrebbe arricchito un doppio album. "Houses of the Holy" è stata una delle tracce ritenute abbastanza forti e i fan sono rimasti sorpresi nel vedere una nuova canzone chiamata "Houses of the Holy" su Physical Grafitti piuttosto che l'album con lo stesso nome.
Alla fine, Zeppelin probabilmente ha fatto la scelta giusta tagliando "Houses of the Holy" dal suo album principale. Quando la canzone finalmente vide la luce del giorno, "The Ocean" era già diventata un punto fermo dei concerti per la band. Al contrario, "Houses of the Holy" non è mai stato suonato dal vivo durante la carriera della band e, sebbene rimanga uno dei preferiti dai fan, il brano non ha mai assunto lo status iconico di "The Ocean" per i fedeli Zeppelin. In ogni caso, gli spettacoli degli Zeppelin erano così eccitanti nella loro energia che necessitavano di due intere canzoni solo per catturare la magia su nastro.
https://faroutmagazine.co.uk/led-zeppelin-john-bonham-ramble-on-isolated-drums/?fbclid=IwAR24OqwTn4DxyC12MG_4-OTYo-grxyc8-4UVnYLgAPWfRmXqpSlK2yc-kFg
https://faroutmagazine.co.uk/the-songs-led-zeppelin-wrote-about-live-shows/?fbclid=IwAR0MtDx1JM5KdfIIS7Z-z-4DW6b1ro7zKKSY9eyivL0m_BNS7bqIpI1zOyc
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Esplora "Ramble On" dei Led Zeppelin attraverso le tracce isolate
I Led Zeppelin si stavano evolvendo rapidamente quando gli anni '60 volgevano al termine. Nell'agosto 1968, la band suonò insieme per la prima volta e nell'ottobre 1969 stavano già pubblicando il loro secondo album. L'evoluzione è stata anche musicale: il primo album dei Led Zeppelin ha avuto alcune brevi deviazioni nell'hard rock e nel folk, ma è stato in gran parte limitato alle reinterpretazioni blues della vecchia scuola che la band prediligeva. Led Zeppelin II , d'altra parte, era un mix di suoni molto più eclettico.
Il blues era ancora presente, principalmente in brani come "The Lemon Song" e "Bring It On Home" , ma lo era anche il rock progressivo ( "Whole Lotta Love" ), il funk foot-stompers ("Living Love Maid"), le dolci ballate ("Grazie") e grandi momenti di esibizione ("Heartbreaker" per Jimmy Page e "Moby Dick" per John Bonham). Gli Zeppelin si stavano anche interessando ai cambiamenti dinamici, che possono essere ascoltati in "What Is e What Should Never Be", ma sono abituati al loro massimo potenziale nella miscela folk-rock di "Ramble On".
"Grazie all'amplificazione e alla sua qualità tattile, puoi sentire il tipo di caratteristiche di ogni musicista", descrive Page nel documentario It Might Get Loud mentre suona le linee di chitarra tipiche di "Ramble On". “Le persone che cercano solo di superare i limiti escogitano nuove tecniche. C'è sempre qualcosa di nuovo che gli altri mettono in tavola e su cui bisogna fare i conti molto seriamente: la dinamica. Luce e ombra. Sussurra al tuono per invitarti a entrare. È inebriante.
Page incarna quella devozione alla dinamica passando dalla chitarra acustica a quella elettrica durante "Ramble On". Brandendo un'acustica Vox, Page genera i toni più morbidi e folk dei versi e dei ponti della canzone grazie ai toni dolci dell'acustica. Sorprendentemente, Page continua a usare l'acustica durante le strofe più potenti per dare un po' di sostegno alla chitarra elettrica.
La cosa interessante della parte elettrica di Page è che puoi sentire la chitarra che risponde costantemente appena prima che salti nel brano. L'approccio di Page al lato più forte dello spettro della gamma dinamica è stato più forte, più rude e più impattante di qualsiasi altro chitarrista prima di lui. Gli accordi potenti e le linee discendenti del ritornello di "Ramble On" danno a Page la sua più grande possibilità di scuotere le pareti con il suono, qualcosa che abbraccia allegramente con aplomb.
Rimane del dibattito su cosa sta suonando John Bonham durante i versi della canzone. Alcuni sostengono che sia un bidone della spazzatura giocato con le mani, mentre altri dicono che sia una delle custodie per chitarra o uno sgabello per batteria che colpisce con le bacchette. Qualunque sia la verità, una volta che i ritornelli hanno suonato, Bonham è inconfondibilmente tornato sul kit, colpendo con tutte le sue forze e tenendosi stretto alla grancassa per fornire la giusta quantità di propulsione.
Se c'è mai stato un momento sui Led Zeppelin II in cui John Paul Jones ha mostrato le sue doti di basso, è su "Ramble On". Con i suoi compagni di band che suonano parti più morbide, Jones riesce a distinguersi nel mix delle strofe, e ne approfitta suonando una linea di basso melodica sinuosa che funge da gancio iniziale della canzone. Jones aveva la reputazione di rimanere in secondo piano, ma la sua esplorazione su e giù per il collo del suo Fender Jazz Bass è a dir poco iconica. Ha anche un po' di movimento funky alla James Jamerson durante i pre-ritornelli.
Infine, la voce di Robert Plant completa l'arrangiamento della canzone. Partendo da un quasi sussurro nelle strofe iniziali, Plant esplode nei ritornelli di "Ramble On" con la stessa energia sfrenata che ha portato in canzoni come "Immigrant Song" e "Good Times Bad Times". Con una leggera raspa e un grande fascino per le immagini di Tolkien, Plant consolida il suo personaggio mistico vichingo in "Ramble On". Le sue lievi variazioni melodiche tra i ritornelli sottolineano anche il suo desiderio creativo di apportare diversità alle sue linee vocali, piuttosto che semplicemente lavare, sciacquare e ripetere le stesse note ogni volta.
Dai un'occhiata al "Ramble On" decostruito in basso.
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Robert Plant e Alison Krauss al Padiglione Pritzker
Fin dai "Led Zeppelin III" nel 1970, Robert Plant ha dimostrato un'affinità per il lato mistico della musica folk e country per completare il suo amore per ...la musica e non solo..
Rober Plant ha notato dal palco a un certo punto durante la notte molto calda e umida, era anche la prima volta che suonavano insieme uno spettacolo completo in oltre 13 anni. "Quindi niente panico qui", ha scherzato, aggiungendo in seguito: "Questo è un momento molto delicato per noi. Penso che stiamo andando bene? Per fortuna abbiamo alcuni fan che lavorano". (UCR)
Robert Plant e Alison Krauss hanno tenuto una master class nell'arte dell'ascolto martedì al Pritzker Pavilion. I vocalist si sono ascoltati a vicenda, i movimenti della loro fantastica band, i contorni delle canzoni, l'atmosfera delle ambientazioni e la profondità dei testi. La concentrazione esperta del duo e la volontà di porre le esigenze dell'insieme al di sopra di qualsiasi preoccupazione individuale, insieme alla loro innata chimica, hanno definito un concerto di 100 minuti maestoso come la bellissima serata di inizio estate che ha accolto la grande folla.
Altrettanto celebrativo e reverenziale, lo spettacolo ha assunto un significato maggiore dato che il ritorno dell'apparentemente improbabile abbinamento non è mai stato una conclusione scontata. Plant, l'icona dei Led Zeppelin che negli ultimi 30 anni ha evitato milioni di garanzie in tour di reunion a favore di perseguire un lavoro avventuroso da solista, e Krauss, una leggenda del bluegrass con 27 Grammy Awards, si sono uniti per la prima volta nel 2007. Il successo di critica e commerciale del loro LP di debutto (“Raising Sand”) e il plauso del loro tour successivo (che ha fatto tappa a Ravinia nel 2008) sono stati una delle storie musicali più inaspettate e stimolanti della storia recente.
Alison Krauss e Robert Plant accolgono gli applausi del pubblico durante la loro esibizione al Jay Pritzker Pavilion nel Millennium Park il 7 giugno 2022. (John J. Kim / Chicago Tribune)
Tuttavia, le prospettive di una successiva collaborazione sono rimaste incerte. I cantanti stilisticamente disparati hanno tentato per la prima volta registrazioni aggiuntive nel 2009, ma hanno rapidamente deciso di ritirarsi ai propri angoli. Nel corso del decennio successivo, si sono scambiati le canzoni nel caso fosse emerso un altro progetto. Nel 2019, con il produttore T Bone Burnett di nuovo all'ovile, i cantanti si sono riuniti di nuovo in uno studio di Nashville per vedere se potevano evocare di nuovo l'alchimia uditiva. Plant e Krauss hanno completato "Alza il tetto" subito prima dell'inizio della pandemia. Simile al suo predecessore, l'album presenta i cantanti non solo rivisitare, ma rimodellare una vasta gamma di piatti di epoche passate e di un passato non così lontano.
Supportato da un quintetto d'asso che includeva il fratello di Krauss Viktor (tastiere e chitarra), Dennis Crouch (basso stand-up), Jay Bellerose (batteria), Stuart Duncan (mandolino, chitarra e violino) e JD McPherson (chitarra elettrica), Plant e Krauss hanno fatto musica che suonava sia cosmicamente fuori dal tempo che minacciosamente contemporanea. La maggior parte dei brani ha esplorato la perdita, il desiderio e cosa può accadere quando il cuore si smarrisce. I cantanti hanno mantenuto una calma senza fiato di fronte al dolore e alla sfida, instillando le consegne con un'urgenza sommessa. Sia che condividano strofe, si armonizzino su un ritornello o facciano ombra su una pista, Plant e Krauss prosperavano negli spazi aperti degli arrangiamenti ingannevolmente minimalisti.
Sottofondo blues, accenti country e ceppi di radici scorrevano attraverso le canzoni. Mistero e meraviglia dominavano; la nostalgia non è mai emersa. Plant e Krauss si avvicinavano spesso con un ritmo deliberato e una visione a lungo termine, come se si prendessero tutto il tempo necessario per valutare le situazioni, contemplare significati e affrontare gli argomenti in modo propositivo. Le loro tecniche senza fretta e senza forzature, combinate con una miscela di trame atmosferiche, ritmi fuori luogo, twang arrotondato e riverbero echeggiante che facevano rimanere le note nell'aria come una nebbia ostinata, hanno rafforzato il carattere pacato e infestato di gemme rimodellate come l'Everly "The Price of Love" dei fratelli e la ballata dell'omicidio di Ola Belle Reed "You Led Me to the Wrong".
Il duo ha scambiato i ruoli principali e di supporto in più canzoni. Su una copertina essenziale di "Trouble with My Lover" di Allen Toussaint, la Krauss cantava come se fosse seduta da sola in un bar durante l'ultima telefonata e pronta a confidarsi con chiunque fosse disposto ad ascoltarla. Ha aumentato l'umidità esprimendo gelosia, incertezza e possessività in brevi, dolci esplosioni piene di sentimento che minacciavano - ma non sono mai riuscite - a esplodere. Durante una brillante revisione di "It Don't Bother Me" di Bert Jansch, ha incanalato la sfida. La sua voce ricca e arcuata si riversava come melassa e si intrecciava con il timbro riservato di Plant mentre i passaggi circostanti della band si gonfiavano e decadevano. Occasionalmente, Krauss ha svolto il doppio dovere suonando il violino. La sua arma segreta ha accresciuto la disperazione e la sincerità della supplica Plant-Jimmy Page "Per favore, leggi la lettera".
Parlando di Page, Plant e Krauss hanno approfondito tre classici dei Led Zeppelin. “Rock and Roll” trasformato in uno swing appalachiano. "The Battle of Evermore" ha abbracciato la sua eredità popolare inglese e ha scoperto che Krauss maneggiava gli sballi e le piante concentrandosi sul trasmettere le immagini evocative della narrazione.
Plant e Krauss suonavano ancora più potenti nel loro duetto di "When the Levee Breaks". Iniziato con un'introduzione di violino che evocava il lungo e lento gemito del fischio di un treno a vapore, il fiocco Zeppelin tremava con ritmi tendenti al Mali. Al posto degli eventi attuali - la guerra in Ucraina, le crisi dei rifugiati, i disastri causati dal riscaldamento globale, i conflitti all'interno del paese - i suoi temi di sfollamento forzato e tragedia, entrambi chiaramente evidenti nella pesante inflessione dei cantanti, hanno acceso con crescente rilevanza.
La scaletta comprendeva quasi tutte le canzoni di Raising the Roof, oltre a una mezza dozzina del premiato debutto del duo nel 2007 Raising Sand. A parte un breve ringraziamento da parte di Krauss alla fine della serata, Plant ha parlato tra una canzone e l'altra. Ha anche gestito la leggera maggioranza della voce solista, con una voce forte, ricca e piena per tutta la serata.
Plant e Krauss hanno approfondito tre classici dei Led Zeppelin. “Rock and Roll” trasformato in uno swing appalachiano. "The Battle of Evermore" ha abbracciato la sua eredità popolare inglese e ha scoperto che Krauss gestiva gli sballi e Plant concentrato sul laser per trasmettere le immagini evocative della narrazione.
Plant e Krauss suonavano ancora più potenti nel loro duetto di "When the Levee Breaks".
Così come molti altri brani legati alla guerra eseguiti dal duo. Una lettura solenne di "Quattro (World Drifts In)" di Calexico descriveva la desolazione e la tristezza che derivano dal combattimento. Un'interpretazione eterea di "Last Kind Words Blues" di Geeshie Wiley, indirizzata alla morte, alla guerra e agli avvertimenti in termini franchi. Ancorato dal famoso lamento di Plant, "High and Lonesome" era scosso da domande generali di dubbio, isolamento e impegno. E su una straziante interpretazione di "Go Your Way" di Anne Briggs, i cantanti hanno abbozzato il ritratto di un amante doloroso che vuole morire mentre meditano sul probabile destino del loro partner in una guerra lontana.
Riducendo la musica, Plant e Krauss l'hanno alzata - e la sua intensità emotiva - verso l'alto.
https://www.videomuzic.eu/robert-plant-alison-kraussto-play-zeppelin-22/?lang=en&fbclid=IwAR3tzPS-e0xhm5HkIjblwXNc_jfWBDF95g2PwVDlMti7-Ty50i57Get2R0E
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“Jimmy Page era un bel caso quando io e lui eravamo negli Yardbirds. Se andavi a letto con qualcuno, sarebbe entrato e avrebbe alzato le coperte per vedere chi fosse. Ho visto i Led Zeppelin suonare al Madison Square Garden e ho capito quanto sarebbero diventati grandi e quanto velocemente. Mi hanno chiesto di fare questo servizio dopo quello spettacolo". – Chris Dreja
backstage della Pontiac Silverdome, USA, 1977.
“La partecipazione al concerto Silverdome dei Led Zeppelin di stasera ha trionfalmente infranto il precedente record di presenze della band, un numero ineguagliato da qualsiasi altro gruppo negli ultimi quattro anni.
Il pubblico di 77.229 al Silverdome è il pubblico più numeroso per un concerto in un atto. Il record precedente era di 56.800 stabilito nel maggio 1973 in uno spettacolo degli Zeppelin a Tampa Bay. In quel giorno storico, il gruppo ha superato il record di 55.000 presenze dei Beatles nel 1965. Con una somma di £ 467.000 stasera, i Led Zeppelin hanno terminato la prima tappa del loro undicesimo tour in Nord America. Al ritorno, la band farà un tour negli Stati Uniti meridionali, a partire dal 18 maggio a Birmingham, Ala”.
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https://ultimateclassicrock.com/jimmy-page-robert-plant-london-reunion-1983/?utm_source=tsmclip&utm_medium=referral&fbclid=IwAR3A9JkUzYHi3BbdMx1NVsKrl5hw7CQ6L62Fxm9ErEDHhL4lSa7i9vnnZHA
Robert Plant
Tuesday, December 13, 1983
Hammersmith Odeon, London, England, UK
00:00:38 In the Mood
00:08:38 Pledge Pin
00:13:45 Messin’ With the Mekon
00:19:50 Worse Than Detroit
00:26:20 Thru’ With the Two Step
00:37:09 Other Arms
00:45:00 Horizontal Departure/Lively Up Yourself
00:53:21 Moonlight In Samosa
00:59:03 Wreckless Love
01:10:08 Slow Dancer
01:19:35 Like I’ve Never Been Gone
01:27:55 Burning Down One Side
01:32:28 Big Log
01:43:21 Stranger Here… Than Over There
01:53:14 Treat Her Right (guest starring Jimmy Page)
Molto prima delle loro reunion degli anni '90 , per non parlare del celebre concerto dei Led Zeppelin nel decennio successivo, gli incroci tra Robert Plant e Jimmy Page erano molto più difficili da trovare.
Succedevano raramente, e non duravano così a lungo, subito dopo la tragica rottura dei Led Zeppelin nel 1980 . Una delle occasioni più memorabili fu il 13 dicembre 1983, durante il bis di un concerto di Plant all'Hammersmith Odeon di Londra.
Era solo la seconda volta che Plant e Page si esibivano insieme dopo aver smesso, e ancora una volta tornarono al loro passato pre-Led Zeppelin, ma solo per una singola canzone.
"Ho un vecchio amico qui che non è abituato, com'è, a parlare in pubblico - Jimmy Page", disse Plant con un'ovazione che lo interruppe a metà frase. Si sono poi lanciati in una hit R&B che li ha ispirati nei loro anni di formazione, "Treat Her Right" di Roy Head.
La loro riunione iniziale, il 12 maggio 1982, vide il duo seduto con Foreigner per una cover di "Lucille" di Little Richard all'Olympiastadion di Monaco.
"È stato molto emozionante per Page e Plant perché era la prima volta che stavano insieme dalla morte del compagno di band dei Led Zeppelin e batterista John 'The Beast' Bonham due anni prima", ha scritto Lou Gramm nella sua autobiografia, Juke Box Hero . "È stato bello per me condividere il palco con Plant, perché ho sempre ammirato il suo stile di canto spericolato - e alcuni critici avevano paragonato la mia estensione vocale di tre ottave e la mia presenza scenica a quella di Plant, cosa che ho preso come un grande complimento".
"Treat Her Right" raggiunse il numero 2 sia nella classifica R&B che nella classifica Hot 100 nel 1965, essendo stata tenuta fuori dal primo posto da "Yesterday" dei Beatles . Continua ad essere un'ispirazione per Plant. Ha anche cantato la canzone quando si è seduto con i Los Lobos al Taste of Chicago nel 2010, pronunciando le parole di "D'Yer Mak'er" durante il crollo .
“Molto prima delle loro reunion degli anni '90, per non parlare del celebre concerto dei Led Zeppelin nel decennio successivo, era molto più difficile trovare incroci tra Robert Plant e Jimmy Page. Succedevano raramente e non duravano così a lungo, subito dopo la rottura degli Zeppelin nel 1980. Una delle occasioni più memorabili fu il 13 dicembre 1983, durante il bis del concerto di Plant all'Hammersmith Odeon di Londra. Era solo la seconda volta che Plant e Page si esibivano insieme dopo aver smesso, e ancora una volta hanno raggiunto il loro passato pre-Led Zeppelin - ma solo per una singola canzone. "Ho un vecchio amico qui che non è abituato, com'è, a parlare in pubblico - Jimmy Page, Plant ha detto con un'ovazione che lo ha interrotto a metà frase. Si sono poi lanciati in un successo R&B che li ha ispirati nei loro anni di formazione , "Treat Her Right" di Roy Head. La loro prima riunione, il 12 maggio 1982, ha visto il duo seduto con Foreigner per una cover di "Lucille" di Little Richard all'Olympiastadion di Monaco. È stato molto emozionante per Page e Plant perché era la prima volta che stavano insieme dalla morte del compagno di band e batterista dei Led Zeppelin John Henry "Bonzo" Bonham due anni prima", scrisse Lou Gramm nella sua autobiografia, Juke Box Hero. "È stato bello per me condividere il palco con Plant, perché ho sempre ammirato il suo stile di canto spericolato - e alcuni critici hanno paragonato la mia estensione vocale di tre ottave e la mia presenza sul palco a quella di Plant, cosa che ho preso come un grande complimento". "Treat Her Right" raggiunse il numero 2 sia nella classifica R&B che nella classifica Hot 100 nel 1965, essendo stata tenuta fuori dal primo posto da "Yesterday" dei Beatles. Continua ad essere un'ispirazione per Plant. Ha anche levigato la canzone quando si è seduto con i Los Lobos al Taste of Chicago nel 2010, inserendo alcuni testi di "D'Yer Maker" durante il crollo".
Tutte le sorgenti sono state equalizzate ed entrambe le sorgenti AUD hanno ricevuto correzioni di velocità variabile per sincronizzarsi con la sorgente SBD. Fonti AUD sono state patchate per riempire i tagli e sincronizzate durante i momenti tranquilli per una sensazione più "live". Fondamentalmente una matrice a basso sforzo lol. Grazie a entrambe le fonti del pubblico, questo è quasi il concerto non tagliato, manca ancora solo un po' di tempo tra LINBG e BDOS. Un milione di grazie ai tapepers e alle persone che hanno reso queste fonti disponibili per il divertimento di tutti!
Read More: Quando Jimmy Page si è unito a Robert Plant per Rare Pre-Live Aid Reunion | https://ultimateclassicrock.com/jimmy-page-robert.../...
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Nel 1998, Robert Plant ha ottenuto un successo con la sua canzone "Tall Cool One", una traccia che - con sorpresa di molti - ha campionato la band precedente del rocker.
La canzone è stato il terzo singolo pubblicato da Now and Zen, il quarto LP solista di Plant dallo scioglimento dei Led Zeppelin. Non solo l'ex compagno di band Jimmy Page ha suonato la chitarra nel brano, ma "Tall Cool One" includeva anche campioni di diversi successi classici dei Led Zeppelin.
"I Beastie Boys stavano appena campionando Bonzo (il batterista degli Zeppelin John Bonham )", ha ricordato Plant in un'edizione del suo podcast Digging Deep. "E ho pensato, 'beh, questa è una buona idea.' Non puoi ottenere un suono di batteria migliore."
I Beastie Boys avevano notoriamente utilizzato campioni dei Led Zeppelin durante il loro album di debutto del 1986 Licensed to Ill . "Rhymin & Stealin" del trio utilizzava i ritmi roboanti della batteria di Bonham da "When the Levee Breaks", mentre le canzoni "She's Crafty" e "Time to Get Ill" campionavano rispettivamente "The Ocean" e "Custard Pie" dei Led Zep.
Se pensi a "When the Levee Breaks" o qualcosa del genere", ha continuato Plant, "questo è il posizionamento del microfono, Jimmy Page in acido, è stato semplicemente fantastico. Allora perché non usarlo di nuovo? E ancora e ancora e ancora e ancora"
"Tall Cool One" ha campionato le canzoni dei Led Zeppelin "Black Dog", "Dazed and Confused", "Whole Lotta Love", "The Ocean" e "Custard Pie". Ma mentre i Beastie Boys avevano coraggiosamente (o stupidamente) campionato altri artisti senza autorizzazione, lasciando aperta la possibilità di un'azione legale, Plant non aveva tali preoccupazioni.
"Dato che all'epoca ero ancora con l'Atlantic Records, non aveva senso farmi causa perché comunque ero già sulla loro etichetta!", ha spiegato il rocker.
Per la sua parte vocale, Plant ha cercato influenze diverse, cercando di creare uno stile "camp rock", "un po' a metà strada tra Iggy Pop e Talking Heads".
La decisione attirò l'attenzione, anche se non sorprendente, vista la storia di Plant come uno dei frontman più sperimentali del rock. La scelta stilistica ha dato i suoi frutti quando "Tall Cool One" ha raggiunto il numero 1 della Billboard Mainstream Rock Chart e il numero 25 della classifica Hot 100 di tutti i generi. Il video della traccia ha anche ottenuto una forte rotazione su MTV, cosa che a Plant è piaciuto molto.
"Ero alla massima rotazione", si vantava il cantante. "Ero dal petto all'orecchio nel 1969, re del cock-rock nel 1970 e poi, nel 1988 ero alla massima rotazione, cosa per cui mi sentivo davvero bene. Avevo un cefalo. Tutto stava andando per il mio verso!"
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https://www.virginradio.it/news/rock-news/1297836/led-zeppelin-la-storia-di-whole-lotta-love-lo-stravolgimento-del-blues-che-determino-il-suono-del-rock-anni-70.html
LED ZEPPELIN: LA STORIA DI WHOLE LOTTA LOVE, LO STRAVOLGIMENTO DEL BLUES CHE DETERMINA IL SUONO DEL ROCK ANNI '70Eletto come riff più bello di sempre il brano arrivato come un uragano nelle radio di mezzo mondo cambiando per sempre il concetto di canzone rock
Whole Lotta Love è senza alcun dubbio uno dei riff più riconoscibili nell'intera storia del rock, eletto nell'ultimo anno come il più bello di sempre secondo le riviste specializzate Total Guitar e Guitar World: « Jimmy Page ha fatto il grande passo per l 'umanità » si legge nella motivazione, « Forse non è il primo grande riff della storia ma ha contribuito a portare l'idea stessa di riff di chitarra al centro della musica rock. Nei primi 2,7 secondi Whole Lotta Love ha proiettato la musica in un altro decennio. Mentre tutti gli altri erano ancora egli anni '60, i Led Zeppelin suonavano già negli anni '70 ».
Uscito il7 novembre 1960 Whole Lotta Love ebbe il risultato di arrivare al secondo album dei Led Zeppelin , scritto e registrato durante i tre tourmper in America ei quattro in Inghilterra del 1969: “Eravamo sul palco, non c'era un attimo di pausa ei riff di chitarra di Jimmy Page sono venuti fuori uno più furioso dell'altro” ha raccontato il bassista John Paul Jones .
All'epoca ai musicisti stranieri che arrivano in America viene concesso un visto che dura solo sei mesi, ei Led Zeppelin li vogliono tutti al massimo: le canzoni nascono dappertutto , sui tovaglioli dei ristoranti e nelle stanze d'albergo, e vengono registrati in giro per gli Stati Uniti, da Memphis a Los Angeles nei momenti di pausa tra un concerto e l'altro. Il risultato è il suono di una band ossessionata dal volume e dalla potenza sovrumana del rock'n'roll, che in tredici canzoni crea un nuovo genere hard rock elettrificando il blues e vola dritto al n.1 in classifica sia in America che in England .
Jimmy Page è il produttore dell'album, registra Whole Lotta Love nell'aprile del 1968 agli Olympic Studios di Londra ma vuole mixare l'album a New York con Eddie Kramer , che ha già lavorato con Jimi Hendrix e usa tutte le tecniche che ha imparati negli anni passati in studio di registrazione («Abbiamo manipolato tutti li strumenti conosciuti dal genere umano» ha detto lui stesso) e per il riff si basa su un pezzo registrato da Muddy Waters nel 1962 scritto dal bluesman Wille Dixon , You Need Love suonando una Gibson Les Paul standard Sunburst del 1969 collegata da un amplificatore Marshall da 100Watt.
John Paul Jones ha detto: « Tutti che pensano i Led Zeppelin entrassero in studio con dei murischi di amplificatori ma non è così » ha raccontato John Paul Jones, « Jimmy usava dei piccoli amplificatori, ma li mixava molto bene ».
Durante un'intervista rilasciata negli scorsi anni a Guitar World, Jimmy Page ha rivelato di aver immaginato la parte centrale della canzone come se si trattasse di una musica d'avanguardia , ma ha raccontato di averla poi dovuto cambiare per renderla più commerciale : “ Ho scordato totalmente la chitarra e poi ho usato una tecnica che mi permetteva di avere una sorta di rumori e grugniti, tirando fuori una specie di 'suono satanico' che però non sarebbe mai potuto passare in radio ”, ha dichiarato Jimmy Page, spiegando anche che quei suoni e quelle tecniche di registrazione non erano mai state prima usate del 1969 . “Era quello il modo in cui pensavamo le cose, cercavamo sempre di essere all'avanguardia e devo dire che questa era una delle cose più divertenti in assoluto – spiega ancora Jimmy Page – Questo è il grande vantaggio di avere totale controllo artistico su quello che stai facendo . Niente di tutto questo sarebbe potuto succedere se avessimo avuto un produttore esterno. Avrebbero messo tutto in discussione o semplicemente non andare capito quello che stavamo cercando di fare, o avrebbe pensato che fosse solo rumore. Mi sono sempre assicurato che le nostre idee erano realizzate senza alcun tipo di interferenza ”.
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"Vedo che sei ancora all'altezza degli stessi trucchi", ha detto Joan Bonham a Robert Plant lo scorso ottobre a Birmingham, in Inghilterra. La madre dell'ex compagno di band di Plant, John Bonham, stava prendendo in giro Plant nel backstage di un concerto dei Band of Joy.
Joan Bonham è deceduta nel 2011
Plant ha detto: "I ragazzi dei Led Zeppelin erano giocatori spettacolari e abbiamo perso John, ma Jimmy e John Paul sono ancora magnifici. E, davvero, è stata una fortuna: è stato un fenomeno straordinario che ci siamo messi insieme e abbiamo fatto quello che volevamo onestamente, per amor di onestà, non per amor di denaro o per complimenti..."
"I see you're still up to the same tricks," Joan Bonham told Robert Plant last October in Birmingham, England. The mother of Plant's former bandmate John Bonham was teasing Plant backstage at a Band of Joy concert.
Joan Bonham passed away in 2011
Plant said: "The Led Zeppelin guys were spectacular players and we lost John, but Jimmy and John Paul are still great. And, really, it was lucky: it was an amazing phenomenon that we got together and did that. that we honestly wanted, for the sake of honesty, not for the sake of money or for compliments ... "
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The Dogs of Doom: come un gruppo di fan appassionati ha rivoluzionato il mondo dei Led Zeppelin
PUBBLICATO DA: LEDZEPNEWS 19 GIUGNO 2021
Led Zeppelin - Live in Los Angeles, CA (June 26th, 1977) - 8mm film (Source 1) -
Oltre al nastro Pop di Atlanta e al nastro del 7 novembre 1969, i The Dogs of Doom hanno anche pubblicato una registrazione dello spettacolo dei Led Zeppelin del 18 gennaio 1975 a Bloomington , una nuova fonte di pubblico per lo spettacolo della band a Sydney il 27 febbraio 1972 e in precedenza fotografie inedite della performance della band a Los Angeles il 22 giugno 1977 .
Il gruppo si è anche dilettato con la pubblicazione di video, inclusa una compilation del 1977 "Badgeholder Blues".
È probabile che i fan dei Led Zeppelin abbiano familiarità con le modifiche video di LedZepFilm rilasciate attraverso il loro canale YouTube. Questi brevi clip sono straordinariamente sincronizzati con le registrazioni dal vivo.
"Tutto si riduce a un'immensa conoscenza della band, del loro spettacolo teatrale e dei miei molti anni di esperienza musicale", afferma LedZepFilm.
“Dopo un po' inizi a vedere schemi nei loro spettacoli di luci (soprattutto negli anni successivi), movimenti scenici, strumentazione, abiti, ecc. e questo contribuisce immensamente al processo di sincronizzazione di tutti questi film. Ero piuttosto un dilettante ai tempi - quando il filmato 8mm di Bath 1970 è caduto, è stato un vero macellaio - ma sono migliorato e sono molto contento di dove mi trovo con il mio lavoro ora. "
La "serie della liberazione" ha realizzato, in una manciata di mesi, ciò che le etichette bootleg giapponesi come l'Empress Valley hanno impiegato anni per acquistare, masterizzare e pubblicare nel mercato grigio delle registrazioni live del paese.
Abbastanza sicuro, Empress Valley ha tenuto d'occhio le attività del gruppo. The Dogs of Doom ha pubblicato la registrazione dell'esibizione dell'Atlanta Pop Festival del 1969 dei Led Zeppelin il 6 febbraio. Empress Valley aveva prodotto le proprie copie in CD della registrazione entro il 12 febbraio, con copie in vendita nei negozi di dischi giapponesi entro il 19 febbraio.
"La prima volta che sono stato contrabbandato, mi sono offeso", afferma LedZepFilm. "Era un progetto video della Royal Albert Hall che ho creato e quando ho visto che un'etichetta bootleg giapponese ci guadagnava, mi sono sentito scoraggiato".
“Era il 2014, ma ora non mi interessa davvero cosa fanno le etichette. Ho accettato che, indipendentemente da ciò che qualcuno pubblica, ci sarà qualcuno incline a contrabbandare. L'intento del nostro gruppo è di condividere liberamente questi materiali e ciò che viene fatto è francamente fuori dal nostro controllo".
Il gruppo Dogs of Doom è diventato una nuova fonte di registrazioni dei Led Zeppelin inedite. In precedenza, i fan dovevano fare affidamento sul ritmo lento delle pubblicazioni ufficiali, sull'uscita semestrale di album bootleg giapponesi o su rari incidenti di fan che inciampavano nelle loro vecchie registrazioni e le pubblicavano online da soli.
Ora, questo gruppo di fan ha professionalizzato quell'ultima fonte. Invece di lasciare le cose al caso, ad esempio i tapering che scoprono film nelle loro soffitte o nei capanni del giardino, i membri di The Dogs of Doom setacciano Internet e altri luoghi alla ricerca di segni di materiale inedito dei Led Zeppelin nella speranza di poterlo finalmente liberare per altri per divertirsi.
"Molte di queste persone non si rendono conto del valore di ciò che hanno", dice LedZepFilm, "ecco perché gemme come Atlanta Pop e il film 8mm di Cleveland del 1977 hanno portato persone come noi a uscire, e generalmente i tapers sono molto felici di vedere il loro lavoro riceve un'accoglienza così calorosa.
Lloyd Godman ha filmato parte della performance dei Led Zeppelin il 25 febbraio 1972 ad Auckland, in Nuova Zelanda. Ha pubblicato alcuni screenshot del filmato online ed è stato contattato da un membro di The Dogs of Doom in merito alle foto, ha detto a RNZ .
“Ha detto: 'Senti, se è tratto da un film, abbiamo rintracciato una copia della colonna sonora di quel concerto'. E lui ha detto 'Possiamo provare a sincronizzarlo?'"
Abbastanza sicuro, il gruppo ha pubblicato il filmato sincronizzato online il 24 febbraio.
I metodi esatti utilizzati dal gruppo sono tenuti da vicino, con i membri non disposti a discutere esattamente come sono riusciti a rintracciare e rilasciare registrazioni potenzialmente preziose.
"Sarebbe una bugia dire che non abbiamo molte cose straordinarie su cui stiamo lavorando in cantiere", afferma LedZepFilm.
"Se vedremo tutto pubblicato o meno, direi di no - sfortunatamente, tra i nastri persi (abbiamo trovato tracce su nastri perduti da tempo per Portland 1970, Philadelphia 1970, Syracuse 1971 e altri), accumulati (Perth 1972, Greensboro 1977, riprese in 8 mm alla Pontiac Silverdome) e protagonisti inattivi, è difficile dire che tutto verrà fuori. Questo non vuol dire che continueremo a provare, però!”
"Non potrei essere più felice della risposta dei fan per quello che stiamo facendo", aggiunge. "Sono il motivo per cui lo stiamo facendo, ed è giunto il momento che ci sia un flusso costante di nuovi materiali piuttosto che finisca nelle mani degli accumulatori".
Il gruppo Dogs of Doom è ansioso di ascoltare tutti i fan dei Led Zeppelin che potrebbero avere contatti su registrazioni non circolate della band. Non chiedono il pagamento per il rilascio del materiale e restituiscono i nastri originali alla loro fonte.
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Dall'inizio del 2021, una tranquilla rivoluzione si sta svolgendo all'interno dei forum e delle chatroom che fungono da ritrovo online per i fan dei Led Zeppelin.
Un appassionato gruppo di collezionisti ha pubblicato una tempesta di registrazioni audio, filmati video e fotografie inaudite, mettendo in vergogna le limitate uscite ufficiali del cinquantesimo anniversario dei Led Zeppelin.
Questo gruppo, che condivide il suo nome con la sua chatroom Discord "The Dogs of Doom", ha pubblicato molte registrazioni di interesse per i fan, tra cui l'unica registrazione nota dell'esibizione dei Led Zeppelin del 5 luglio 1969 all'Atlanta International Pop Festival e la prima esibizione live registrata di "Bring It On Casa" dal 7 novembre 1969 a San Francisco.
L'accesso al server del gruppo su Discord rivela una conversazione rotolante e veloce piena di battute e meme dei membri della band dei Led Zeppelin.
Il tono può essere spensierato, ma la manciata di membri del gruppo Dogs of Doom che ha lavorato instancabilmente su queste uscite parlano reverenzialmente del loro lavoro.
"Siamo tutti grandi fan degli Zeppelin, e penso che siamo tutti un po' frustrati dalla mancanza di output della band dopo il loro cinquantesimo anniversario", dice il membro del gruppo noto come "Z", che pubblica anche filmati sincronizzati dei Led Zeppelin onlin e sotto il nome utente "LedZepFilm".
"L'obiettivo è abbastanza semplice - raggiungere quanti più tapers, fotografi e filmisti possibili - nuovi ed esistenti - per rilasciare più materiale possibile alla comunità dei Led Zeppelin", continua.
"Siamo stati fortunati ad avere un decente arretrato di materiale per sostenere la serie liberation negli ultimi mesi, ma non posso garantire una nuova uscita ogni settimana: rimarrà una serie in corso man mano che troveremo altro materiale. ”
Le uscite del gruppo, che hanno definito la loro "serie liberation", hanno compensato la mancanza di uscite live ufficiali dei Led Zeppelin.
La band ha pubblicato per l'ultima volta materiale live inascoltato nel 2016, quando un'edizione ampliata di The Complete BBC Sessions includeva otto brani inediti.
La ripubblicazione del 2018 della registrazione live del 1972 How The West Won ha persino rimosso il materiale presente nella sua uscita originale nel 2003. Jimmy Page ha detto a Mojo Magazine al momento della ri-uscita dell'album che ha deciso di non aggiungere canzoni inedite perché non voleva "casinare con l'album. ”
I fan avevano sperato che altro materiale dal vivo ufficiale venisse pubblicato come parte delle celebrazioni 2018 per il cinquantesimo anniversario della formazione dei Led Zeppelin.
I commenti fatti da Page che promettevano "all sorta di sorprese" hanno suscitato l'interesse dei fan, ma l'anniversario ha portato a materiale ufficiale limitato a un singolo in vinile da 7" con due mix alternativi di tracce da studio, un coffee tabl ufficiale e book e uno snowboard Led Zeppelin da 749 dollari.
Il ritmo implacabile delle uscite di Dogs of Doom, con nuovi nastri che emergono quasi settimanalmente ad un certo punto, è stato l'evento più significativo degli ultimi anni per molti fan dei Led Zeppelin che sono stati affamati per nuovi contenuti.
L'uscita di febbraio del nastro Atlanta Pop è stato un momento fondamentale per il gruppo. È stato il primo show del tour statunitense dei Led Zeppelin del 1969 ad emergere dopo che un nastro dello show di San Bernardino dell'8 agosto 1969 è stato pubblicato nel 1994.
"Mi sono imbattuto in questo nastro mentre cercavo indizi nell'area di Dallas", dice giugno72, un altro membro del gruppo. "Ho trovato qualcuno che ha menzionato di partecipare e registrare il Texas Pop festival, e mentre discuteva [quello] ulteriormente [lui] ha rivelato di aver partecipato all'Atlanta Pop festival all'inizio dell'estate, e di aver registrato alcuni artisti tra cui i Led Zeppelin. ”
"Il taper ha impiegato solo una settimana per condividere i suoi nastri con noi, e il giorno dopo averli ricevuti abbiamo pubblicato la registrazione dei Led Zeppelin. L'unica condizione che abbiamo avuto dal taper per quanto riguarda l'uscita delle sue registrazioni era che non condividessimo il suo nome, a cui abbiamo obbligato visto la generosità che aveva nel condividere ciò che aveva. ”
"Questo era il nastro che aveva ufficialmente lanciato la serie liberation, un'idea su cui avevamo rimuginato da quando avevamo pubblicato alcune registrazioni audio inascoltate e 8mm nel 2020. ”
Oltre al nastro Atlanta Pop e al nastro del 7 novembre 1969, i Dogs of Doom hanno anche pubblicato una registrazione dello show dei Led Zeppelin del 18 gennaio 1975 a Bloomington, nuova fonte di pubblico dello show di Sydney del 27 febbraio 1972 e in precedenza ho visto le fotografie della band 22 giugno 1977 performance a Los Angeles.
Il gruppo si è anche dilettato nelle uscite video, tra cui una compilation "Badgeholder Blues" del 1977.
I fan dei Led Zeppelin avranno probabilmente familiarità con i video edit dei LedZepFilm dei filmati pubblicati attraverso il loro canale YouTube. Questi brevi clip sono impressionantemente sincronizzati con registrazioni dal vivo.
"Tutto si riduce ad un'immensa conoscenza della band, del loro spettacolo teatrale e della mia pluriennale esperienza musicale", dice LedZepFilm.
"Dopo un po' si iniziano a vedere schemi nei loro spettacoli di luce (soprattutto negli anni successivi), movimenti scenici, strumentazione, outfit, ecc e questo contribuisce immensamente al processo di sincronizzazione di tutti questi film. Ero un dilettante ai tempi - quando il filmato di 8 mm di Bath 1970 è uscito, è stato un vero macellaio - ma sono migliorato, e sono molto soddisfatto del mio lavoro ora. ”
La "serie liberazione" ha, in pochi mesi, realizzato ciò che le etichette bootleg giapponesi come Empress Valley hanno impiegato anni per acquistare, padroneggiare e pubblicare nel mercato grigio delle registrazioni live del paese.
Certo, Empress Valley ha tenuto d'occhio le attività del gruppo. I Dogs of Doom hanno pubblicato la registrazione dell'esibizione dell'Atlanta Pop Festival del 1969 dei Led Zeppelin il 6 febbraio. Empress Valley aveva prodotto il proprio CD copie della registrazione entro il 12 febbraio, con copie in vendita nei negozi di dischi giapponesi entro il 19 febbraio.
"La prima volta che sono stato contrabbando, mi sono offeso", dice LedZepFilm. "Era un progetto video della Royal Albert Hall che ho creato, e quando ho visto che un'etichetta di bootleg giapponese ci stava facendo soldi, mi sono sentito scoraggiato. ”
"Era il 2014, ma ora davvero non me ne frega niente di quello che fanno le etichette. Ho accettato che, qualunque cosa qualcuno faccia uscire, ci sarà qualcuno che è incline a contrabbando. L'intento del nostro gruppo è quello di far condividere liberamente questi materiali, e ciò che ne viene fatto è francamente fuori dal nostro controllo. ”
Il gruppo The Dogs of Doom è diventato una nuova fonte di registrazioni dei Led Zeppelin precedentemente inascoltate. In precedenza, i fan dovevano affidarsi al ritmo lento delle uscite ufficiali, all'uscita semestrale di album bootleg giapponesi o rari incidenti di fan che si imbattono nelle loro vecchie registrazioni e li pubblicano online.
Ora, questo gruppo di fan ha professionalizzato l'ultima fonte. Invece di lasciare le cose al caso – ad esempio i taper che scoprono film nelle loro soffitte o nei capannoni da giardino – i membri di The Dogs of Doom perlustrano internet e altri luoghi in cerca di segni di materiale inedito dei Led Zeppelin nella speranza di poter evadere liberalo finalmente per gli altri da godere.
"Molte di queste persone non si rendono conto del valore di ciò che hanno", dice LedZepFilm, "è per questo che gemme come Atlanta Pop e il film 8mm di Cleveland del 1977 hanno portato fuori persone come noi, e generalmente i taper sono molto felici di vedere il loro lavoro diventare s uch un caldo ricezione. ”
Lloyd Godman ha filmato parte dell'esibizione dei Led Zeppelin del 25 febbraio 1972 ad Auckland, Nuova Zelanda. Ha pubblicato alcuni screenshot del filmato online ed è stato contattato da un membro di The Dogs of Doom riguardo alle foto, ha detto a RNZ.
"Ha detto: 'Guarda, se questo è tratto da un film, abbiamo rintracciato una copia della colonna sonora di quel concerto'. E lui disse: "Possiamo provare a sincronizzarlo? ""
Certo, il 24 febbraio il gruppo ha pubblicato online il filmato sincronizzato.
Gli esatti metodi usati dal gruppo sono tenuti strettamente, con i membri non disposti a discutere esattamente come sono riusciti a rintracciare e pubblicare registrazioni potenzialmente preziose.
"Sarebbe una bugia dire che non abbiamo molte cose sorprendenti su cui stiamo lavorando nel gasdotto", dice LedZepFilm.
"Se vedremo tutto pubblicato o meno, direi di no - purtroppo, tra nastri perduti (abbiamo trovato piste su nastri perduti da tempo perduti per Portland 1970, Philadelphia 1970, Syracuse 1971 e altro), accumulato (Perth 1972, Greensboro 1977, 8mm filmato alla Pontiac Silverdome), e piste inattive, è dura per dire che assolutamente tutto si farà strada. Questo non vuol dire che continueremo a provarci, però! ”
"Non potrei essere più felice della risposta dei fan da quello che stiamo facendo", aggiunge. "Sono loro il motivo per cui lo stiamo facendo, ed è ora che ci sia un flusso costante di nuovi materiali piuttosto che finire nelle mani di accumulatori. ”
Il gruppo dei Dogs of Doom è ansioso di sentire qualsiasi fan dei Led Zeppelin che potrebbe aver guidato le registrazioni non circolate della band. Non cercano pagamento per il rilascio del materiale e restituiscono i nastri originali alla loro fonte.
"Se avete registrazioni, fotografie o filmati dei Led Zeppelin che avete scattato - che circoli o meno, poiché sono benvenuti aggiornamenti - inviateci un messaggio a dogsofdoomliberations@gmail. com," dice LedZepFilm.
Una delle fotografie dei Led Zeppelin che si esibiscono a Los Angeles il 22 giugno 1977 pubblicata dai The Dogs Of Doom
Il 23 giugno 1977, Keith Moon degli Who si unisce ai Led Zeppelin sul palco del Forum di Inglewood, in California, suonando la batteria e i timpani in "Moby Dick" e "Rock And Roll" insieme a John Bonham.
The Dogs of Doom is proud to present the last of four new digital transfers of 8mm film reels that were distributed through magazines such as Goldmine in the mid to late 1970's, continuing on with releasing a film shot 45 years ago today on the fifth night of Led Zeppelin's six night stint at the LA Forum on June 26, 1977.
This film is compiled from two reels - the first (entitled "Kashmir") transferred in 2K via Adam at Genesis Museum (covering the first part of the show) coming from the collection of Glyn, and the second (entitled "Achilles Last Stand") from a fresh 1080p transfer brought to you by Mark McFall, with the reel generously borrowed from the collection of Tony Halloway. The sync to the audience recordings was done by myself. I rendered everything in 1080p as a "lowest common denominator" of sorts.
This is the first of two 8mm sources known to exist from this night. As some people may know, these two reels contain a mix of footage from this date as well as the show on June 22. The only big thing to note is that I had to slow down the clip around 11:50 (8:36 in this upload) pretty drastically to match the music.
ecco il filmato inedito del 1977..
e pomeriggio scoppiettante
Led Zeppelin - Live in Los Angeles, CA (June 26th, 1977)
The Dogs of Doom è orgoglioso di presentare l'ultimo di quattro nuovi trasferimenti digitali di bobine di film da 8 mm che sono stati distribuiti attraverso riviste come Goldmine tra la metà e la fine degli anni '70, continuando con la pubblicazione di un film girato 45 anni fa oggi, la quinta notte di Le sei notti dei Led Zeppelin al Forum di Los Angeles il 26 giugno 1977.
Questo film è composto da due bobine: la prima (intitolata "Kashmir") trasferita in 2K tramite Adam al Genesis Museum (che copre la prima parte dello spettacolo) proveniente dalla collezione di Glyn, e la seconda (intitolata "Achilles Last Stand" ) da un nuovo trasferimento a 1080p offerto da Mark McFall, con la bobina generosamente presa in prestito dalla collezione di Tony Halloway. La sincronizzazione con le registrazioni del pubblico è stata eseguita da me. Ho reso tutto in 1080p come una sorta di "minimo comune denominatore".
Questa è la prima di due sorgenti da 8 mm note per esistere da questa notte. Come alcune persone sapranno, queste due bobine contengono un mix di filmati di questa data e dello spettacolo del 22 giugno. L'unica cosa importante da notare è che ho dovuto rallentare la clip intorno alle 11:50 (8:36 in questo caricamento) abbastanza drasticamente per abbinare la musica.
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Negli anni '70 questa giovane donna di nome Jan Nicholas aveva un hobby, realizzava cinturini per chitarra dipinti personalizzati. Ecco la sua storia a parole sue.
"È iniziata come una cosa eccentrica che ho fatto per incontrare delle rockstar", ha ricordato Nicholas con una risata. "Quello che faccio io non lo fa nessun altro. È completamente unico. ”
Crescendo a Los Angeles negli anni '70, Nicholas è stato "sempre un artista. " Lei e i suoi amici frequentavano la famigerata Continental Hyatt House sulla Sunset Strip, soprannominata Riot House perché le band sarebbero rimaste - e si sarebbero comportate male - lì mentre lavoravano negli studi di registrazione vicini a West Hollywood. A 17 anni, Nicholas ha iniziato a dipingere su cinturini di pelle per chitarra che aveva comprato al North Beach Leather. Quando ha sentito che i Led Zeppelin sarebbero arrivati in città, ha progettato due cinturini utilizzando l'iconografia della musica e dell'abbigliamento dei membri della band. Ne ha coraggiosamente offerto uno al cantante Robert Plant nella lobby dei Riot House.
"La sua reazione iniziale è stata: 'Andiamo di sopra? ma io ho detto: "No! Voglio dei soldi per questo. Ha schioccato le dita e qualcuno è arrivato con $100. Avrei dovuto chiedere di più! Poi mi ha portato in una limousine dove era seduto il chitarrista Jimmy Page, e ha comprato anche il suo cinturino. Dopo mi hanno rispettato perché non ero solo una groupie. ”
Man mano che la voce del suo talento unico cresceva, Nicholas è diventato un cliente fisso alle feste stellari, ha fatto viaggi in macchina con le band e ha venduto cinturini personalizzati (per molto più di cento dollari) a rockers tra cui Peter Gabriel dei Genesis, Gene Simmons di KISS, Ricky Phillips di Styx, e Joe Elliott di Def Leppard. "Era il periodo della mia vita".
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Negli anni '70 questa giovane donna di nome Jan Nicholas aveva un hobby, realizzava cinturini per chitarra dipinti personalizzati. Ecco la sua storia a parole sue.
"È iniziata come una cosa eccentrica che ho fatto per incontrare delle rockstar", ha ricordato Nicholas con una risata. "Quello che faccio io non lo fa nessun altro. È completamente unico. ”
Crescendo a Los Angeles negli anni '70, Nicholas è stato "sempre un artista. " Lei e i suoi amici frequentavano la famigerata Continental Hyatt House sulla Sunset Strip, soprannominata Riot House perché le band sarebbero rimaste - e si sarebbero comportate male - lì mentre lavoravano negli studi di registrazione vicini a West Hollywood. A 17 anni, Nicholas ha iniziato a dipingere su cinturini di pelle per chitarra che aveva comprato al North Beach Leather. Quando ha sentito che i Led Zeppelin sarebbero arrivati in città, ha progettato due cinturini utilizzando l'iconografia della musica e dell'abbigliamento dei membri della band. Ne ha coraggiosamente offerto uno al cantante Robert Plant nella lobby dei Riot House.
"La sua reazione iniziale è stata: 'Andiamo di sopra? ma io ho detto: "No! Voglio dei soldi per questo. Ha schioccato le dita e qualcuno è arrivato con $100. Avrei dovuto chiedere di più! Poi mi ha portato in una limousine dove era seduto il chitarrista Jimmy Page, e ha comprato anche il suo cinturino. Dopo mi hanno rispettato perché non ero solo una groupie. ”
Man mano che la voce del suo talento unico cresceva, Nicholas è diventato un cliente fisso alle feste stellari, ha fatto viaggi in macchina con le band e ha venduto cinturini personalizzati (per molto più di cento dollari) a rockers tra cui Peter Gabriel dei Genesis, Gene Simmons di KISS, Ricky Phillips di Styx, e Joe Elliott di Def Leppard. "Era il periodo della mia vita".
https://www.santacruzsentinel.com/2016/07/10/jan-nicholas-santa-cruz-county-stories-soquel-artist-recalls-days-making-custom-guitar-straps-for-rockers/
SOQUEL >> Salutando i visitatori a casa sua in un tranquillo quartiere di Soquel, Jan Nicholas non sembra una fan del rock-n-roll. Ma l'artista innovativo ha venduto tracolle per chitarra dipinte su misura a leggende della musica come Jimmy Page, Robert Plant e Pete Townshend.
"È iniziato come una cosa bizzarra che ho fatto per incontrare le rock star", ha ricordato Nicholas con una risata. “Quello che faccio non lo fa nessun altro. È completamente unico.”
Cresciuto a Los Angeles negli anni '70, Nicholas è stato "sempre un artista". Lei e le sue amiche frequentavano la famigerata Continental Hyatt House sulla Sunset Strip, soprannominata la Riot House perché le band sarebbero rimaste - e si sarebbero comportate male - lì mentre lavoravano nei vicini studi di registrazione a West Hollywood. A 17 anni, Nicholas ha iniziato a dipingere su tracolle per chitarra in pelle che ha acquistato a North Beach Leather. Quando ha saputo che i Led Zeppelin sarebbero arrivati in città, ha disegnato due cinturini usando l'iconografia della musica e dei vestiti dei membri della band. Ne ha coraggiosamente offerto uno al cantante Robert Plant nella lobby della Riot House.
"La sua reazione iniziale è stata: 'Dobbiamo andare di sopra?' ma io ho detto: 'No! Voglio soldi per questo.' Ha schioccato le dita e qualcuno si è avvicinato con $ 100. Avrei dovuto chiedere di più! Poi mi ha portato in una limousine dove era seduto il chitarrista Jimmy Page e ha comprato anche la sua tracolla. Mi hanno rispettato perché non ero solo una groupie".
Man mano che la voce del suo talento unico cresceva, Nicholas divenne un frequentatore abituale delle feste tempestate di star, fece viaggi on the road con le band e vendette cinturini personalizzati (per molto più di cento dollari) a rocker tra cui Peter Gabriel dei Genesis, Gene Simmons dei KISS, Ricky Phillips di Styx e Joe Elliott di Def Leppard.
"Era il momento della mia vita", ha ricordato Nicholas, in piedi accanto a un muro di foto che la catturano con un who's who di artisti famosi. “Tutto era accessibile. Ora non vedi più musicisti famosi in giro in pubblico. È tutta una questione di sicurezza".
Nel 1980 Nicholas si iscrisse alla Parsons School of Design di New York per studiare illustrazione. Si è presa una pausa decennale dal rock 'n' roll, lavorando nell'industria cinematografica a Los Angeles. Dopo il matrimonio e i figli, Nicholas si è trasferita nella Central Coast nel 2003, dove ha rilanciato la sua attività di tracolla per chitarra, offrendo design personalizzati per il pubblico — nessun entourage richiesto.
"I clienti mi danno idee, ma è una relazione molto simbiotica quando lavoro con qualcuno", ha detto Nicholas. “Faccio le mie ricerche e prendo idee dalla loro musica. Poi ci provo e basta".
https://janstraps.wordpress.com/2011/09/17/my-first-sold-strap-to-the-amazing-robert-plant/
Ho venduto il mio primo cinturino alla fantastica ROBERT PLANT 1971
Questo è stato il primo cinturino che abbia mai venduto. Se leggi "Informazioni" otterrai l'intera storia. La storia breve è che ho lavorato in pelle per un po' prima di iniziare a fare cinturini. Ne avevo alcuni bellissimi appesi nel mio studio/ufficio. I Led Zeppelin erano in città al Continental Hyatt "riot" House Hotel. La mia amica Linda e io trascorrevamo i fine settimana uscendo al bar per guardare le stelle. La sera, avevano una fila che si snodava attraverso la lobby per accogliere tutte le persone che volevano incontrare le Rock Stars. Questo è stato un sabato pomeriggio abbastanza tranquillo, ho afferrato una cinghia che pensavo si adattasse a RP e l'abbiamo trovato in giro nell'atrio con guardie del corpo, groupie e fotografi. Ero così timido che la mia ragazza ha dovuto chiamarlo per guardare il cinturino. L'ha adorato, ha pagato $ 100 per questo e ha posato volentieri per una foto. Fortunatamente, uno dei fotografi della rivista era un amico e ha scattato questa foto per me. Ero ancora al liceo e sono rimasto completamente sopraffatto quando il signor Plant mi ha coccolato per la foto. Ora, è il mio preferito di tutti i tempi.
il mio Bonzo spaziale
Descrivere lo stile della batteria di John Bonham evoca istantaneamente visioni del potere fragoroso che ha creato. I suoi contributi alla musica rock furono rivoluzionari e il suo talento impareggiabile e insostituibile. Puoi solo immaginare la reazione di Jimmy Page nel vederlo per la prima volta nel 1968, ponendo fine alla sua ricerca di un nuovo batterista per formare una nuova band, i New Yardbirds (in seguito ribattezzati Led Zeppelin).
Un amico d'infanzia di Robert Plant, hanno suonato insieme nel ' Band of Joy', che ha portato a concerti locali e alcune demo in studio. All'inizio, Bonham era riluttante a unirsi al famoso chitarrista a causa di un concerto costante con Tim Rose. Ma... il resto della storia...
Come hanno affermato molte volte John Paul Jones, Jimmy Page e Robert Plant, i Led Zeppelin non sarebbero stati altrettanto bravi senza di lui. Insieme a JPJ, hanno fornito le solide fondamenta e la spina dorsale della band, il che ha reso tutto possibile. Le esibizioni dal vivo hanno davvero messo in mostra le sue abilità durante le numerose jam improvvisate durante ogni concerto e, naturalmente, il suo famoso assolo di batteria "Moby Dick"; raggiungendo a volte una mezz'ora di lunghezza! Gli imitatori di solito rimangono frustrati, dal momento che Bonham lo ha fatto sembrare così facile, non solo nel suo modo di suonare ma anche nell'incredibile suono di batteria che ha ottenuto. Il suo leggendario piede destro (sul pedale del basso) e le terzine fulminee erano il suo marchio di fabbrica immediato. In seguito ha perfezionato il suo stile dall'approccio duro per colpire la pelle a uno più delicato controllato dal polso, che ha prodotto un effetto ancora più potente e
La sua tragica scomparsa il 25 settembre 1980 ha immortalato la sua eredità per sempre. Il suo unico figlio, Jason, continua con orgoglio la tradizione. Anche la figlia Zoe ha un forte interesse per la musica e sta sperimentando il proprio materiale originale. La sorella di John, Deborah, è una cantante molto acclamata e di talento.
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Unity MacLean, che ha lavorato direttamente con i Led Zeppelin alla Swan Song Records, è stata intervistata da Creem
Sono in ritardo di due minuti per la mia telefonata delle 15:00 con Unity MacLean, l'ex pubblicista, A&R e responsabile dell'ufficio per la Swan Song Records dei Led Zeppelin . Potrebbe anche essere stata una vita. So che ha delle storie da raccontare.
Figlio più giovane del giocatore di cricket inglese Walter Robins, MacLean è nato a Windsor, nel Berkshire, nel Regno Unito, nel 1948 ed è cresciuto nell'Hampshire, nel sud del paese. A 14 anni, la sua famiglia si trasferì nell'elegante quartiere londinese di St John's Wood, dove rimase affascinata dalla fiorente controcultura della metà degli anni '60. Fu lì che MacLean iniziò a frequentare l'appartamento della sua amica Kenny Evan: nel 1966, i suoi coinquilini erano Bernie Rhodes, un designer che avrebbe poi scoperto Johnny Rotten per i Sex Pistols prima di dirigere i Clash , e Richard Cole, il defunto road manager per i Led Zeppelin, con i quali MacLean ha stretto subito un'amicizia.
"Penso che [Cole ed io] andassimo così d'accordo perché non ci annoiavamo a vicenda con tutto il, 'Oh, riesci a sentire quel basso che entra attraverso gli altoparlanti? Oh ragazzo! La batteria ti sta solo battendo nell'anima, ' [sciocchezze.]
lei dice. "Era più 'Qual è il tuo whisky preferito, Richard? Mettiamoci dentro delle birre. Che whisky prendiamo, facciamo qualche bicchierino!'"
Quando si sono incontrati, Cole era alla fine della sua strada di corsa a gestire gli Who, perdendo la posizione dopo aver perso la patente per eccesso di velocità. (Rhodes lo accompagnò a casa dal tribunale dopo che la sua licenza era stata strappata.) Nonostante fossero legittimamente famosi, Keith "Moony" Moon e John "The Ox" Entwistle vivevano ancora con i loro genitori in quel momento, il che significava che erano anche infissi nell'appartamento di Cole .
Una notte, mentre era seduto nel soggiorno, Moon irruppe con una scatola di scarpe "assolutamente piena fino in cima con pillole colorate e assortite", come ricorda MacLean. Moon iniziò a sballottarli, urlando come un ragazzino che vende noccioline e cracker sugli spalti del baseball. "'Ecco, eccoti! Prendi le tue pillole, prendi le tue pillole! Io sono il dottore, ora prendi le tue pillole!'"
MacLean finirebbe per avere una calda amicizia con Moon. In effetti, il batterista è stato anche ospite al suo matrimonio con Bruce MacLean nel 1972. "Non avevamo champagne, quindi Moony ha detto 'Ok, dov'è la licenza locale?' Ha camminato lungo la strada ed è tornato con delle bottiglie, cioè carichi di champagne. Ha davvero trasformato il matrimonio in un piccolo evento, è stato fantastico da parte sua".
E sul tema degli Who, Unity ha gelidi ricordi di Roger Daltrey. "Roger era piuttosto preso da se stesso, vedi", dice. “Moony si sarebbe presentato, penso che fosse in tuta o qualcosa di pazzo del genere. Daltrey si presentava e la maggior parte delle volte indossava questa giacca di velluto scuro che gli stava molto bene. Si guardava sempre allo specchio, sistemandosi i capelli e assicurandosi che stesse bene, e non rideva. Non come ha fatto Moony, e non come ha fatto Richard Cole, e ragazzi, ci siamo fatti una risata ogni sera allora".
"So che non andava d'accordo con Pete Townshend", ha detto Unity a CREEM, "Ma poi Pete Townshend a un certo punto è diventato molto strano con la sua cosa da guru e, sai, ha iniziato a sputare tutto questo, 'Oh, devi vivere con te stesso come uno,' [assurdità new age] e tutti dicono, 'Oh dio, eccoci qui.' Sai, 'Vai a prendergli un pulpito che sta per predicare.'"
MacLean dice di essere stata coinvolta nel mondo della musica mentre lo racconta "puramente per caso".
"Stavo cercando qualcosa da fare in quel momento", dice. Il buon amico di suo marito, Dave Margeson della CBS Records, in seguito noto per aver gestito i Supertramp , chiese a MacLean se fosse interessata a sostituire temporaneamente la sua segretaria mentre era in vacanza. "Mi ha chiesto se potevo gestire i telefoni, raccogliere e smistare la posta, e io ho detto: 'Certo, non sto facendo niente.' E lui dice: 'Non preoccuparti, ti sto pagando!'” MacLean ride.
Dopo 10 giorni, il lavoro apparteneva a MacLean. Curiosità: il capo di Margereson alla CBS era Mike Smith, il ragazzo che non aveva firmato i Beatles con la Decca Records nel 1962. Dal racconto di MacLean, non sembrava che non avesse imparato dai suoi errori, maltrattando un Bob Marley allora sconosciuto . "'Oh, sei di nuovo qui, vero?,'" MacLean dice che Smith ringhiava a Marley, seduto fuori dal suo ufficio, "'Se riesco a trovare il tempo per vederti, lo farò, ma non ora!'"
"Tutti erano così altezzosi e cattivi con lui", dice del trattamento riservato dalla CBS a Bob Marley. Gli offrì il tè e la conversazione. Rimasero amici fino alla sua morte nel 1981.
MacLean alla fine è passata dalla CBS A&R al marketing, dove è rimasta delusa dalle loro nuove assunzioni. "Hanno iniziato ad assumere ragazzi che andavano al college per marketing, persone che vendevano fagioli al forno o zuppa Campbell, che non era il mio stile. Sapevo che il mio tempo alla CBS era finito ed era ora di guardarsi intorno", ha detto.
Nel 1974, MacLean venne a sapere che il manager dei Led Zeppelin Peter Grant era alla ricerca di persone affidabili per aiutare a gestire la loro etichetta musicale, Swan Song, dopo un lancio roccioso. È stata assunta sul posto senza inquisizioni o test, entusiasta di essere circondata da "persone autentiche di musica e non venditori di fagioli al forno".
Lì, il suo rispetto per Page come musicista brillante si trasformò in sfiducia in lui come persona. "Non era un schiacciatore, anche se a volte poteva usare le parole per schiacciarti. Quello che non mi piaceva particolarmente era che diceva sempre, 'Oh, sì, sì, ok, bene, questo è quello che stiamo andando da fare', e poi andava da Peter e urlava: ' Indovina cosa mi hanno detto che vogliono fare! '"
Ha anche incaricato lei e il personale di mentire a sua moglie su dove si trovasse, cosa che MacLean ha ritenuto ingiusto ed emotivamente prosciugante, poiché a volte il personale trascorreva più tempo mentendo per suo conto che occupandosi dei propri doveri effettivi.
Robert Plant, d'altra parte, era adorabile e John Bonham era "dolce come qualsiasi altra cosa".
Alla fine degli anni '70, la relazione tra MacLean e Grant divenne gelida. Avrebbe organizzato un evento per i Led Zeppelin; vorrebbe solo che la band apparisse con gli a-listers. "Avrebbe il suo tavolo molto in fondo e ci sarebbero uno o due membri degli Zeppelin, di solito Jimmy, così come, diciamo, Paul e Linda McCartney", ha detto. Al Festival di Knebworth nel 1979, ad esempio, gli organizzatori organizzarono una grande festa per la band, solo per avere una dozzina di persone, incluso MacLean, a partecipare. Gli organizzatori erano perplessi. "'Oh ragazzo, saresti dovuto essere qui quando c'erano i Rolling Stones, ragazzo, abbiamo organizzato una grande festa! Voglio dire, pensavo che sarebbe stato lo stesso. Pensavo che i Led Zeppelin avessero una reputazione negli hotel e tutto il resto quello!'” MacLean li cita.
Per quel che valeva, si unì a Bonham a un tavolo vuoto coperto di "tonnellate di cibo e tonnellate di alcol". "'Ah, chi se ne frega, andiamo, beviamo un altro drink!'", ha detto a proposito della mancanza di frequentatori di feste. Era sempre onesto con lei. Come quando le confessò di voler lasciare Swan Song nel 1979.
"Ascolta, io sono un batterista e amo i miei tori, amo le mie mucche, amo essere un agricoltore, ma non ho firmato con questo lotto per diventare una casa discografica", lo ricorda ammettendo. "Non so niente, né mi interessa vendere dischi, quindi mi dispiace, ma dovrò tirarmi indietro". Allo stesso tempo, Cole, allora road manager dei Led Zeppelin, soffriva da una brutta dipendenza da eroina, ed è stato licenziato dall'organizzazione. "I Led Zeppelin in molti modi non sarebbero stati i Led Zeppelin senza Richard [Cole] che tenesse tutto insieme", dice MacLean, paragonando la caduta di Cole all'eventuale scioglimento di la banda. "Era assolutamente brillante nella sua logistica e determinazione."
Nel 1980 Bonham morì improvvisamente di aspirazione polmonare. MacLean l'ha scoperto da un giornalista. “Il Daily Express ha squillato e chiesto un commento e devo essere diventato bianco come un lenzuolo. Sono quasi svenuta”, dice. “Non potevo crederci e ho anche pensato tra me e me: 'Pietro avrebbe potuto dircelo.' Faceva così freddo".
MacLean ha inviato a Cole una lettera, informandolo della morte di Bonham, cosa che ha fatto infuriare Grant. Dice che uno dei suoi dipendenti, che erano "persone piuttosto cattive, piuttosto pericolose", l'ha minacciata per aver contattato Cole. "Non minacciatemi, cazzo", disse loro. "Non ho paura di voi, non potete farmi fottere tutto! Non mi interessa cosa ha da dire Peter, farò esattamente quello che Voglio e se si arriva, mi dimetto". MacLean non ha mai più sentito una parola da Grant. Ha lasciato tranquillamente Swan Song nel 1980.
Negli anni che seguirono, MacLean si trasferì in Massachusetts con suo marito e suo figlio, Luke MacLean. Ha aperto un negozio di cibo artigianale inglese a Plymouth, Mass., chiamato British Imports, un affascinante negozio rifornito di barrette Cadbury Flake, soda Dandelion & Burdock, budino bianco e steak e rognoni. Quarant'anni dopo, ora nonna, gestisce ancora il suo negozio e pensa ai suoi vecchi amici.
"Lo scorso Natale è stato il primo anno in cui non ho ricevuto un biglietto di Natale da [Richard Cole] ed è stato davvero così sconvolgente", dice. "Che personaggio era Richard! Il fatto che non suonasse musica non aveva importanza. Gli piacevano le persone a cui piaceva la musica, ma in particolare gli piacevano le persone che volevano divertirsi e vivere la vita al meglio". Lo stesso, ovviamente, si potrebbe e si dovrebbe dire di MacLean.
https://www.creem.com/fresh-creem/unity-maclean-interview-the-who-led-zeppelin?fbclid=IwAR3KtI1NulTJzKatevAYd9CIoeokR2IUwN4eDdfOkZZqvbk4ewNYyTjzXOQ
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ricordando Chris Cornell
18 maggio 2017
quando un Artista è grande..
bastano poche parole per capire se ama davvero la Musica..o la suona..
Chris Cornell: ‘Deprimenti i Led Zeppelin senza Robert Plant’
Chris Cornell, ex Soundgarden ed ex Audioslave, nonché solista con due album all’attivo ed un terzo, “Scream”, in arrivo prossimamente, ha affermato d’essere totalmente contrario ad un eventuale tour dei Led Zeppelin senza il cantante Robert Plant.
Cornell, che sarebbe stato inizialmente contattato da un membro dell’entourage dello storico gruppo britannico, ha detto: “Non farei mai una cosa simile, che io sia stato contattato o meno. E’ una cosa che non capisco assolutamente. Non vorrei proprio vedermi a fare canzoni dei Led Zeppelin con due che erano in quel gruppo mentre Robert Plant è magari da qualche parte che fa un altro tour. Che Dio li benedica, ma quelli non sarebbero i Led Zeppelin, sarebbero una cosa deprimente. Non mi unirei a loro per il rispetto che ho nei confronti della storia del gruppo”.
e soprattutto la grande amicizia e ammirazione che lo legava a Robert Plant.
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È una tecnica...
"... ma mio padre sapeva suonare il suo kit - sembra il suo kit e poi suonava il mio kit giocattolo a casa e sembrava ancora lui. "
Ricorda quello che ha detto JPJ in un'intervista a MTV dove ha sottolineato che mentre la gente sembra pensare che Bonzo fosse tutto per colpire, se ascolti sentirai "c'è tutta questa piccola roba che sta succedendo". ovvero Bonzo aveva più finezza di quanto molti batteristi avranno mai. Quell'uomo era un genio naturale.
Jason Bonham shares stories of his father John, the iconic Led Zeppelin drummer, in an interview with Howard Stern
si possono mettere i sottotitoli in itlaiano
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Come i Led Zeppelin e i Pink Floyd hanno finanziato una commedia classica
Il mondo del cinema e quello della musica a volte si scontrano nel modo più bello. Durante gli anni '70, i due si incontrarono in un'armonia estatica quando l'iconica compagnia comica Monty Python fece alcuni amici nel mondo della musica rock. Grazie a questa parentela, gli anni '70 non sono stati solo pieni di grande musica rock, ma anche di risate. I Monty Python sono stati notoriamente incoraggiati da George Harrison durante il progetto Life of Brian alla fine degli anni '70. Ma all'inizio del decennio, furono anche aiutati da artisti del calibro di Led Zeppelin, Pink Floyd
https://faroutmagazine.co.uk/led-zeppelin-and-pink-floyd.../ e Jethro Tull.
Mentre la troupe comica ha avuto un enorme successo con la loro serie originale di sketch della BBC, Monty Python's Flying Circus , si sono trovati piuttosto fuori di tasca quando si è trattato di girare il loro primo film, Monty Python e il Santo Graal (1975). Fortunatamente, la troupe ha ricevuto un sostegno inaspettato dai suoi accaniti seguaci nel mondo della musica.
Passando ai social media l'anno scorso, Python Eric Idle ha rivelato che i Led Zeppelin hanno contribuito con £ 31.500, mentre i Pink Floyd Music hanno sborsato £ 21.000 e il frontman dei Jethro Tull Ian Anderson ha scheggiato £ 6.300 del proprio denaro. Adeguandosi all'inflazione, l'investimento dei Led Zeppelin nel 1974 era pari a quasi £ 336.000 in denaro di oggi, quello dei Pink Floyd era di circa £ 224.000 e quello di Anderson valeva circa £ 67.000.
Altri finanziatori degni di nota del film includono il produttore cinematografico Michael White (che ha donato £ 78.750), Island Records (£ 21.000), Charisma Records (£ 5.250), la squadra di cricket del paroliere Tim Rice The Heartaches (£ 5.250) e Chrysalis Records (£ 6.300 ). Il budget totale per Il Santo Graal era di £ 175.350.
Nei tweet successivi, Idle ha notato che nessuno dei benefattori ha visitato il set perché stavano girando in Scozia e, dopo aver visto il film, hanno scherzato sul fatto che anche con così tanti soldi, "Non potevamo permetterci i cavalli". È noto che usavano gusci di cocco dimezzati per emulare il suono degli zoccoli dei cavalli al galoppo.
Idle ha detto che Robert Plant e Jimmy Page dei Led Zeppelin sono usciti con la troupe dei Monty Python alla premiere del film. Anche se non ha menzionato quanto il film ha finito per incassare, ha ritwittato qualcuno che ha trovato una cifra online di $ 175 milioni.
Più famoso, i Monty Python erano di nuovo a corto di fondi quando hanno cercato di girare Life of Brian . Sfortunatamente, proprio mentre stavano per iniziare il progetto, la EMI ha ritirato il sostegno per la produzione. Fortunatamente, Idle aveva stretto amicizia con l'ex Beatle George Harrison alla premiere costellata di star de Il Santo Graal nel 1975.
Sapendo che Harrison era un grande fan della loro commedia, Idle ha telefonato a Harrison e ha chiesto un aiuto finanziario; l'ex Beatle ha risposto: "Fatto". La vita di Brian è diventato il primo film ad essere coordinato dalla compagnia HandMade Films di Harrison. Harrison è apparso anche in un piccolo cameo nel film, che può essere visto di seguito.
In un'intervista del 2018 con Rolling Stone , Idle ha discusso di come Harrison avesse aiutato la troupe in uno dei loro momenti più difficili. "Nessuno voleva Brian tranne George [Harrison], che ha messo i suoi soldi per questo", ha detto. "Non ce l'avremmo fatta se non avesse ipotecato la sua casa".
Idle ha anche ricordato come il suo caro amico Harrison gli avesse sollevato il morale all'idea di essere un membro dei Monty Python : "Una volta mi lamentavo un po' di Brian , dicendo: 'È stato difficile andare sullo schermo con Michael Palin e John Cleese.' Ha detto: "Beh, immagina com'è cercare di ottenere tempo in studio con Lennon e McCartney". Ho detto: 'Va bene. Assolutamente. Fatto. OK. Dai un'occhiata. Adesso sto zitto.' Poi mi è venuto in mente che sì, in effetti, eravamo leggermente estranei, interpretando ruoli simili nei nostri gruppi".
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Jimmy Page spiega l'unica canzone che "ha cristallizzato l'essenza" dei Led Zeppelin
Dal momento in cui Jimmy Page, Robert Plant, John Bonham e John Paul Jones si sono uniti per formare quelli che sarebbero diventati i Led Zeppelin nel 1968, il corso della musica - e della cultura popolare come la conoscevamo - avrebbe fatto un cambiamento sismico verso l'aggressivo, inesorabile mondo della musica rock.
Quattro musicisti estremamente talentuosi, tutti maestri del loro mestiere, hanno unito le forze in un suono guidato dalla chitarra che ha mandato onde d'urto in tutto il pianeta. Quando i Beatles iniziarono a implodere da soli e i Rolling Stones introdussero un lato oscuro nella creazione musicale, i Led Zep presero il sopravvento e speronarono le loro creazioni bellicose attraverso le onde radio e continuarono a dominare gli anni '70.
Con otto dischi in studio e quattro album dal vivo al loro nome, i Led Zeppelin hanno alterato il concetto di contenuto basato sugli album e lo hanno reso adatto a sedi delle dimensioni di uno stadio. Mentre ora sono ricordati come una delle band più vendute della storia, con successi come "Whole Lotta Love", "Immigrant Song", " Kashmir " che sostengono la loro vasta discografia, rimane una canzone che "ha cristallizzato l'essenza" del gruppo.
In un'intervista con Rolling Stone , a Jimmy Page è stato chiesto quanto fosse importante per lui 'Stairway To Heaven', a cui ha risposto: “Per me, pensavo che 'Stairway' cristallizzasse l'essenza della band. Aveva tutto lì e mostrava la band al meglio... come band, come unità. Non parlando di assoli o altro, c'era tutto lì”.
Page ha aggiunto: “Siamo stati attenti a non pubblicarlo mai come singolo. Per noi è stata una pietra miliare. Ogni musicista vuole fare qualcosa di qualità duratura, qualcosa che durerà a lungo e immagino che l'abbiamo fatto con "Stairway". Townshend probabilmente pensava di averlo ottenuto con Tommy. Non so se ho la capacità di inventare di più. Devo fare un sacco di duro lavoro prima di poter avvicinarmi a quelle fasi di costante e totale brillantezza”.
Robert Plant, nel frattempo, aveva una visione molto diversa dell'eredità lasciata da "Stairway to Heaven". Durante un'intervista con la rivista Q , ha accettato e capito le critiche rivolte all'ormai iconica traccia: "Se odiavi assolutamente 'Stairway to Heaven', nessuno può biasimarti per questo perché era così pomposo".
In effetti, è stato solo l'anno scorso che Plant ha parlato di come "Stairway To Heaven" sia un brano a cui non può più relazionarsi, ma ha ammesso la sua persistente ammirazione. Mentre si sedeva con l' UCR come parte del loro programma radiofonico 'Nights', Plant ha detto: “La costruzione della canzone, l'effettiva costruzione musicale, è molto buona. È uno di quei momenti che può davvero stare senza una voce e, infatti, reggerà di nuovo senza una voce, ne sono sicuro, perché è un bel pezzo di musica. Dal punto di vista dei testi, ora, non posso relazionarmi con esso, perché è stato tanto tempo fa. Non avrei più alcuna intenzione di scrivere su quelle linee astratte”.
Ha aggiunto: “Lo guardo e ci metto il cappello e penso che ci siano parti che sono incredibili. Il modo in cui Jimmy Page ha portato la musica attraverso, e il modo in cui la batteria ha quasi raggiunto il culmine e poi ha continuato, è un pezzo molto bello. Ma dal punto di vista dei testi, ora, e anche vocalmente, dico: 'Non ne sono sicuro.'"
La classica canzone dei Led Zeppelin che hanno inventato sul momento
Mick Mc Starkey
I Led Zeppelin, va da sé, hanno scritto un classico dopo l'altro. Una delle band più influenti di tutti i tempi, il quartetto inglese ha raggiunto ciò che si pensava impossibile quando è intervenuto e ha colmato il vuoto lasciato dai Beatles dopo che l'avevano definito un giorno nel 1970. Sebbene gli Zeppelin abbiano pubblicato una serie di brani iconici alla fine Gli anni '60, gli anni '70 furono il loro decennio. Sono andati un passo avanti rispetto ai connazionali Pink Floyd, e la loro musica ha raggiunto angoli della terra che a quel punto erano ritenuti impossibili.
Quando si pensa ai Led Zeppelin , una delle cose più immediate che viene in mente è la pura genialità di ciascuno dei suoi membri. Il frontman Robert Plant possiede una voce così simile a una sirena, così primordiale che verrebbe perdonato se pensassi che fosse in realtà una figura del folklore di cui cantava così spesso.
Poi abbiamo il chitarrista Jimmy Page. Un'icona della chitarra in tutti i sensi, ha portato lo strumento a nuovi livelli. C'è proto-punk nel suo modo di suonare, metal, psichedelia, folk e jazz, è uno straordinario a sei corde e, oltre a creare alcuni dei riff più mostruosi della storia del rock, è anche diventato il produttore della band, un'impresa meravigliosa.
Forse il più sottovalutato del gruppo è il bassista e polistrumentista John Paul Jones. Di formazione classica, come musicista, può fare tutto, e prima di entrare a far parte della band, Jones era uno dei turnisti più ricercati di Londra, esibendosi su brani di tutti, da Donovan ai Rolling Stones. Per un certo periodo, ha persino accompagnato Dusty Springfield come bassista per le sue esibizioni di Talk of the Town .
L'ultimo pezzo del puzzle era il batterista John Bonham. Fondendo il rock and roll con il jazz, insieme a Ginger Baker, Bonham ha ricreato il ruolo del batterista rock moderno e, senza le sue incredibili interpretazioni, è sicuro che i generi musicali più pesanti non si sarebbero sviluppati nei colossi come sono ricordati oggi.
Un giocatore versatile, Bonham ha giocato con uno scopo e non è stato uno spettacolo. Ha servito la canzone, che ha dato al suo lavoro una presenza così duratura nella mente dei batteristi contemporanei. Non è un caso che la band si concluse con la sua tragica scomparsa nel 1980.
Dato che ogni membro dei Led Zeppelin era così astuto, alcune delle loro migliori canzoni sono state scritte per un capriccio, come se non fosse affatto uno sforzo. Uno di questi è uno dei più amati in tutto il loro catalogo. Questa è, ovviamente, "The Battle of Evermore", traccia tre della loro opera magnum, Led Zeppelin IV del 1971. La canzone è stata scritta da Page e Plant a Headley Grange quando Page stava sperimentando su un mandolino di proprietà di Jones.
Nel 1977, il chitarrista spiegò che: “'The Battle of Evermore' è stato inventato sul posto da Robert (Plant) e da me. Ho appena preso in mano il mandolino di John Paul Jones, non avendo mai suonato un mandolino prima, e ho semplicemente scritto gli accordi e il tutto in una volta sola".
È davvero strabiliante pensare che una canzone così venerata sia stata scritta in modo così casuale. È solo un altro motivo per cui la canzone e la band sono così venerate.
Ascolta "La battaglia di Evermore" di seguito.
La canzone dei Led Zeppelin è resuscitata 30 anni dopo la sua uscita
I Led Zeppelin non hanno suonato ogni singola canzone che hanno registrato in studio durante le loro esibizioni dal vivo. "When The Levee Breaks", una delle escursioni blues più iconiche della band, notoriamente ha visto solo pochi tentativi dal vivo prima di essere bandito definitivamente dalle scalette del gruppo. Anche "Four Sticks" e "The Crunge" si sono rivelati complicati, con i loro ritmi tortuosi e le indicazioni di tempo atipiche. A parte alcune esibizioni dalla prima alla metà degli anni '70, nessuna delle due canzoni veniva regolarmente inclusa negli spettacoli dal vivo della band.
Un tour del 1977 in Nord America aveva lo scopo di riportare la band in cima come gruppo rock preferito d'America. Con il cambiamento dei tempi sono arrivati nuovi stili: disco, punk, funk e soft rock dominavano le classifiche, minacciando di far sembrare i Led Zeppelin dei dinosauri arcaici. Invece, la band ha tirato fuori le armi da fuoco, incorporando un mix di primi favoriti, classici dell'arena e nuovi piaceri del pubblico nel corso delle loro esibizioni notturne di oltre tre ore.
Durante quel viaggio, solo un piccolo numero di brani del loro album più recente, Presence del 1976 , furono provati dal vivo. "Achilles Last Stand" è stato il maggior successo, mentre "Nobody's Fault but Mine" ha illuminato la folla notte dopo notte. "Tea For One" è stato occasionalmente tirato fuori, principalmente come assolo per Jimmy Page per trascorrere un po' di tempo sotto i riflettori. Altrimenti, nessuna delle altre tracce dell'album è stata provata e dopo la morte del figlio di Robert Plant, Karac, nel mezzo del tour, il trionfante ritorno è stato rapidamente cancellato.
Quando gli Zeppelin eseguirono quelli che finirono per essere i loro spettacoli finali nel 1980, furono suonati solo "Achilles Last Stand" e "Nobody's Fault but Mine", dando a Presence forse la minor quantità di visibilità al pubblico dal vivo tra tutti gli album degli Zeppelin. Il concerto tributo del 2007 ad Ahmet Ertegun è servito come momento per tirare fuori una scaletta che copriva l'intera carriera della band, incluso suonare "Ramble On" per la prima volta dal vivo.
Un'altra canzone che ha visto la luce del palco per la prima volta è stata 'For Your Life', la seconda traccia di Presence . Rocker blues serrato sull'uso e l'abuso di cocaina e altre droghe che giravano intorno agli Zeppelin in quel momento, "For Your Life" fu vittima delle intense e veloci sessioni che segnarono la fine della registrazione di Presence . La voce di Plant è sepolta nel mix e successivamente la canzone ha visto poca attenzione da parte dei fan.
Con la sua inclusione, "For Your Life" ha consolidato la reputazione di Presence come uno degli album più sottovalutati dei Led Zeppelin. Ha anche salvato Presence dall'essere completamente escluso e ignorato per lo spettacolo tributo, lasciando In Through the Out Door come l'unico album degli Zeppelin a essere ignorato all'ingrosso durante lo spettacolo del Celebration Day .
For Your Life
Led Zeppelin Live at O2 Arena London, Celebration Day 2007
https://www.ondamusicale.it/oggi-in-primo-piano/20842-houses-of-the-holy-tutto-sul-disco-dei-led-zeppelin/?fbclid=IwAR3M6Smkr_5n_reU7q-1oefWrEB5pX88TKaVwXSlgfjSk6hqbleReEK2MRs
“Houses Of The Holy”, tutto sul disco dei Led Zeppelin
L’uscita nel 1971 di “Led Zeppelin IV” mise nero su bianco una verità che già si conosceva da tempo, ovvero che i Led Zeppelin fossero la più grande band di rock duro del pianeta, almeno in quel periodo.
Anche se oggi i fan della band si dividono su quale sia il migliore, dal primo lavoro del 1969 al quarto del 1971 era stata una escalation inarrestabile; a ogni disco l’asticella veniva posta un po’ più in alto, dal rock blues dei primi due al parziale distacco dalla matrice blues del terzo e ancor più del quarto album. L’ultimo disco, in particolare, annoverava un solo omaggio alla musica dei padri neri – “When The Levee Breaks” – talmente trasfigurato da portare la musica del diavolo in una dimensione altra, e conteneva il capolavoro immortale “Stairway To Heaven”.
Concepire un lavoro che continuasse in modo inoppugnabile a surclassare il precedente era a quel punto improponibile. Per la prima volta i Led Zeppelin si presero un periodo di tempo molto più lungo e il 1972 passò tra tour e composizione di nuovo materiale, in un clima molto tranquillo e disteso. La soluzione a un problema apparentemente insormontabile, quello di migliorare ancora la ricetta dei primi quattro dischi, venne trovata applicando una sorta di pensiero laterale: se non puoi fare meglio coi soliti ingredienti, cambia completamente il piatto in tavola.
Il quinto disco dei Led Zeppelin è così qualcosa di quasi completamente nuovo per la band inglese. Per la prima volta il disco ha un titolo, interrompendo la numerazione romana dei precedenti, sebbene anche stavolta non appaia in copertina: “Houses Of The Holy”
Il titolo arriva dall’omonima canzone che, bizzarramente, in dirittura d’arrivo verrà esclusa dalla tracklist; la ritroviamo infatti tra le canzoni dell’album successivo. I legami col blues degli inizi è completamente spezzato; John Paul Jones, anima della sezione ritmica non meno del più celebrato batterista “Bonzo” Bonham e abile compositore, si mette finalmente in luce come merita, introducendo nel suono grezzo del gruppo i sintetizzatori.
“Houses Of The Holy” propone alcuni dei pezzi più peculiari dell’intera discografia del dirigibile di piombo, con canzoni che a tratti sfiorano le pulsioni progressive così in voga nel periodo, ma anche divertissement che esplorano generi leggeri e fino ad allora lontani dall’universo di Page, Plant e soci, come il funk, il reggae e il pop.
La copertina era la prima cosa a colpire, quando nel marzo del 1973 il disco apparve nei negozi. Il progetto era stato affidato ai celebri studi Hipgnosis, all’epoca già in grande luce per i seminali lavori coi loro amici di Cambridge, i Pink Floyd; fu però in particolare il solo Aubrey Powell a occuparsi della cover, dopo che Storm Thorgenson – almeno così narrano le dicerie – si era giocato la fiducia di Jimmy Page proponendo una copertina ambientata in una sorta di campo da tennis elettromagnetico. Powell lavorò inizialmente su due proposte, una ambientata in Perù, con le enigmatiche linee di Nazca riprese a formare il simbolo “Zoso” già apparso su “IV”, e l’altra ispirata al romanzo di fantascienza escatologica “Le Guide Del Tramonto” (Childhood’s End) di Arthur C. Clarke. Alla fine prevalse quest’ultimo, anche per motivi pratici e di budget.
Con una lavorazione avventurosa ed effetti speciali artigianali, come costume Hipgnosis, Powell utilizzò due bambini gemelli, Samantha e Stefan Gates, in un modo che oggi risulterebbe improponibile: dieci giorni di scatti ai due bambini nudi, sotto la pioggia e il freddo sferzanti di Giant Causeway, suggestivo tratto delle coste nordirlandesi che da allora diverranno mitica meta di turismo. Il risultato della post produzione fu talmente evocativo da far entrare la copertina nel novero di quelle leggendarie quasi immediatamente.
L’album
Ma passiamo al lato più importante del disco, quello musicale. L’apertura è affidata a “The Song Remains The Same”, un brano concepito in origine come sontuoso strumentale da Jimmy Page e il cui titolo sarà utilizzato anche per il celebre film concerto di qualche tempo dopo.
Siamo di fronte a una cavalcata chitarristica che mette in luce un approccio diverso da quello classico da “guitar hero” a cui Page aveva abituato un po’ tutti; arpeggi, armonie e ritmica la fanno da padrone, con parti solistiche sospese tra folk e tradizioni d’oltremanica. La parte cantata, aggiunta in seguito, risulta forse non totalmente amalgamata nelle atmosfere del pezzo, che fa comunque da giusta introduzione al “nuovo stile” dei Led Zeppelin.
“The Rain Song” fa da contraltare all’avvio del disco, rallentando il ritmo ma rendendo il passaggio così armonioso che la band userà spesso i due brani nello stesso ordine anche dal vivo.
L’avvio, con la chitarra acustica di Page, ricorda “Something”, il capolavoro di George Harrison, e non è un caso. Il chitarrista dei Beatles era un grande ammiratore dei Led Zeppelin, e spesso aveva scherzosamente rimproverato a Page la mancanza di una vera “ballad” nel loro repertorio; Jimmy decise di accontentarlo e allo stesso tempo gli rese omaggio con questa splendida canzone. John Paul Jones lavora bene al mellotron e ai sintetizzatori, rendendo ancora più romantiche le atmosfere di questo pezzo, molto ben riuscito ma che segna una robusta cesura col passato hard del complesso.
Over The Hills And Far Away” è un altro pezzo da novanta di “Houses Of The Holy”, e una bella dimostrazione di ciò in cui i Led Zeppelin erano maestri, il passaggio tra atmosfere diverse all’interno di una stessa composizione. Un po’ come accade in “Stairway To Heaven”, ma in modo decisamente meno spettacolare, si parte con l’acustica di Page e la voce quasi carezzevole di Plant, fino al tonitruante ingresso della batteria di Bonham che, come spesso accade, mischia le carte in tavola. Page imbraccia l’elettrica, proponendo una serie di vertiginosi assoli su una base che si fa quasi funky – sembrano gli ZZ Top di qualche anno dopo – mentre Plant declama i versi col suo celebre falsetto e la sezione ritmica seguita a pompare come uno stantuffo industriale.
E – come direbbe il Sommo Dante – qui iniziano le dolenti note. La parte centrale del lavoro è quella che fin dal 1973 continua a dividere fan ed esegeti della storia dei Led Zeppelin. Si parte con un esperimento funky, quasi una copia carbone di James Brown, in “The Crunge”; per chi scrive l’esperimento non può dirsi pienamente riuscito, eppure la canzone ha i suoi estimatori tra cui gli stessi membri della band, che in qualche occasione live la proporranno anche in un medley con “Sex Machine” di James Brown.
“Dancing Days” è un rock’n’roll senza grandi pretese che pare quasi uscire dal canzoniere dei Rolling Stones, con la slide di Jimmy Page e Plant che canta col timbro alla Elvis che ogni tanto amava estrarre dal cilindro. “D’yer Mak’er” è un’altra canzone che da quasi 50 anni fa discutere, intanto attorno al titolo, al quale sono stati attribuiti i più svariati significati, dalla storpiatura di Giamaica a irripetibili frasi in slang cockney. Musicalmente è reggae, se non fosse per l’odio atavico che Bonham provava per il genere, per cui la batteria sembra remare controcorrente rispetto al ritmo in levare.
Dalla parte più discussa del disco si arriva all’improvviso alla canzone che invece mette tutti d’accordo, un capolavoro del canzoniere dei Led Zeppelin e del rock tutto: “No Quarter”. Dovuta a una splendida intuizione di John Paul Jones, che la apre con una parte “liquida” al piano elettrico, è forse il pezzo di “Houses Of The Holy” che più di ogni altro scuote come dovrebbe scuotere una vera intuizione rock. L’entrata della batteria di Bonham deflagra come sempre e introduce le ricche tessiture della chitarra elettrica di Page, mai così strutturata come in “No Quarter”.
La voce di Robert Plant, filtrata ed effettata come non mai, aggiunge quel tocco di evocatività a un brano dalle atmosfere fantasy e dark, prima di una breve parte di piano quasi jazz di Jones e dell’assolo di Jimmy Page. Qui in particolare la chitarra di Jimmy si dimostra all’altezza della fama, duellando coi sintetizzatori su atmosfere che sembrano quasi citare i Pink Floyd e il progressive, due mondi fino ad allora totalmente alieni ai suoni pesanti dei Led Zeppelin. Con “No Quarter” il gruppo dimostra di essere veramente all’altezza di qualsiasi sfida e di poter dire la sua anche in campi più sperimentali del rassicurante rock blues o del folk acustico spesso frequentati nei lavori precedenti.
“No Quarter” è sicuramente l’apice di “Houses Of The Holy”, ma c’è ancora spazio per una chiusura che certo non entra nel novero dei pezzi mitici ma è forse il momento più tradizionalmente rock dell’album, “The Ocean”. Il titolo fa riferimento all’oceano di fan che popolava i concerti del complesso, e vuole esserne un omaggio. Costruita su un robusto e canonico riff di Page, offre anche l’unico assolo che possa minimamente essere assimilato alle atmosfere blues degli esordi, ed offre forse un contentino ai fan della prima ora, spaesati di fronte a un disco così diverso.
Le nostre conclusioni
Tirando le somme, “Houses Of The Holy” riesce nel compito che si erano prefissi i Led Zeppelin, ovvero una virata verso territori meno conosciuti rispetto alla “comfort zone” dei primi quattro dischi, resa necessaria dalla volontà di sperimentare ma probabilmente anche dalla consapevolezza di non potersi ripetere ai livelli precedenti. Il disco ebbe all’epoca meno successo e si guadagnò anche delle sonore stroncature, tra cui quella improvvida di Gordon Fletcher di Rolling Stone: “Houses of the Holy è uno degli album più confusionari che ho ascoltato quest’anno”.
La stessa rivista, qualche decade dopo, correggerà il tiro piazzando il disco al 148esimo posto tra i migliori 500 della storia, e riconoscendone l’importanza storica.
Una cosa è certa, “Houses Of The Holy” fu il disco che dimostrò come il dirigibile dei Led Zeppelin potesse solcare con successo tutti i cieli del mondo del rock.
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https://americansongwriter.com/the-little-known-story-behind-led-zeppelins-physical-graffiti-album-cover/?fbclid=IwAR1KSnTnqCnw4czXGl5hAv8ILylQS6-LFLTIeYich_DcwnB4vSehBgXMnoE
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