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Robert Plant Rivela Il Suo Momento Preferito Con John Bonham
Era sicuramente una convergenza predestinata del meglio del rock. Jimmy Page, sopravvissuto agli Yardbirds, voleva che l'influente gruppo blues rock continuasse. Dopo aver sperimentato e suonato al fianco di artisti del calibro di Jeff Beck ed Eric Clapton, sapeva quello che aveva e sapeva come andare avanti.
Tutto ciò di cui aveva bisogno erano i membri.
Un cantante di nome Robert Plant portò con sé il suo amico John Bonham, che una volta gli disse: "Va tutto bene, ma staresti molto meglio se avessi dietro di te il miglior batterista del mondo".
Quando suonarono per la prima volta nell'agosto del 1968, sapevano di aver trovato qualcosa di straordinario. Ciò di cui non si rendevano conto era che avrebbero sostanzialmente ridefinito il rock and roll nei successivi dodici anni.
Ma il fulcro del gruppo è sempre stato l'inimitabile Bonham, che sarebbe diventato uno dei più grandi batteristi del rock, rimodellando il genere inserendo i colpi più pesanti e ben pensati dell'hard rock.
Plant è sempre stato il complice di Bonham, e il cantante ha sempre avuto un profondo rispetto e riverenza nei confronti del suo amico batterista. Quando gli è stato chiesto quale fosse il suo pezzo preferito di batteria Bonzo su disco, Plant aveva in mente una risposta unica.
Era la canzone del 1973 “Crunge”, una delle creazioni più squallide della band nella loro altrimenti superba discografia.
"È Il Batterista Che Ce La Fa."
"Quello che sta facendo Bonzo è grandioso", ha dichiarato Plant in un'intervista del 1988 con Tony Bacon. “Senza nemmeno pensarci, si imbatteva in cose del genere: il suo lavoro era così eccessivamente adeguato, così estremo e tuttavia così discreto. C'erano così tanti elementi diversi in quello che stava facendo. Quindi un riempimento ci sarebbe stato solo se fosse stato necessario, ma quando sarebbe arrivato, beh…”
Il frontman, che ha sempre pensato con affetto al suo caro amico, aveva costantemente riconosciuto in Bonham la forza dietro il successo della band.
È il batterista che lo fa. Perché Bonzo non cominciò ad agitarsi come una piovra demente, come facevano tutti gli altri in quel momento."
"Crunge" era una canzone carica di funk ispirata a James-Brown che i critici odiavano. La canzone, che si è evoluta da una jam session, è stata suonata in 5/4 come un tentativo ironico di creare una melodia dance non ballabile.
Lo scherzo era il lato B di un'altra impresa che attraversava i generi, l'imitazione del reggae "D'yer Mak'er" (che era un gioco di parole sulla parola "Jamaica"). Entrambe le canzoni provengono dal loro album in studio del 1973, Houses of the Holy .
Anche se era davvero una canzone divertente che la band fece per i lolz, oltre ad essere stata liquidata come una delle peggiori canzoni che avessero mai fatto, "Crunge" era comunque una magistrale clinic di batteria del devoto Bonham.
Bonham naviga senza sforzo attraverso una sequenza di tempi in chiave mutevoli, trasformando i ritmi funky di James Brown con la spavalderia e l'ondeggiamento distintivi dei Led Zeppelin. Questa traccia si distingue come una delle composizioni più intricate della band, ma la performance sicura e sicura di Bonham ne nasconde magistralmente la complessità.
Come se fosse solo un altro martedì per il divino Bonzo.
Quando gli è stato chiesto perché gli piacesse "Crunge", Plant ha pensato che la canzone fosse "così bella".
Almeno al frontman, Houses of the Holy sembrava essere una parte importante del repertorio dei Led Zeppelin. Ha anche selezionato "The Ocean" e "The Song Remains the Same" come altre due canzoni che rappresentavano la band, ciascuna per lui e John Paul Jones come il loro lavoro migliore.
Una canzone che ha scelto come pezzo forte per Page è stata la traccia Physical Graffiti "In My Time of Dying".
La storia della canzone più lunga dei Led Zeppelin
I Led Zeppelin, i leggendari pionieri dell'heavy rock degli anni '70, hanno lasciato un segno indelebile nel mondo della musica. Il quartetto - Robert Plant, Jimmy Page, John Paul Jones e John Bonham - ha realizzato alcuni dei brani di chitarra più iconici di sempre, dall'intramontabile "Stairway to Heaven" all'energica "Immigrant Song".
Quindi, quali canzoni dei Led Zeppelin sono le registrazioni in studio più lunghe?
A dare il via alla lista è "In the Light" dal loro album del 1975 "Physical Graffiti", che dura otto minuti e 46 secondi.
La canzone prevedeva che Page suonasse la sua chitarra con un archetto di violino e una lunga introduzione basata sul sintetizzatore di Jones. È interessante notare che i Led Zeppelin non hanno mai eseguito questa canzone dal vivo a causa della sua natura pesantemente sintetizzata.
Subito dopo "In the Light" c'è "Tea for One", che rivendica il quarto posto più lungo nella collezione dei Led Zeppelin.
Questo malinconico pezzo blues conclude il loro settimo album in studio “Presence” del 1976, con una durata di nove minuti e 28 secondi. In un'intervista con Trouser Press, Page ha affermato di voler creare un'atmosfera "davvero rilassata" per questa traccia.
Entrando tra i primi tre, troviamo "Achilles Last Stand" a dieci minuti e 31 secondi.
Questa traccia ha funzionato sia come apertura che come dichiarazione monumentale per l'album "Presence". Plant, in un'intervista con la rivista Mojo, lo descrisse come una dimostrazione della loro massima competenza: "una traccia Bonzo in cui nessuno poteva nemmeno credere che un essere umano potesse farlo".
A conquistare il secondo posto è "Carouselambra", che supera "Achilles Last Stand" di soli tre secondi.
Con una durata di dieci minuti e 34 secondi, questa canzone scava nella storia dei Led Zeppelin. Plant ha notato in un'intervista con Mojo che i testi riflettono le difficoltà della band in quel periodo, catturando la storia dei loro ultimi anni. L'ironia, dice, è che adesso non riesce nemmeno a distinguere il testo.
Tuttavia, la corona della canzone più lunga dei Led Zeppelin spetta a 'In My Time of Dying'.
Apparso in "Physical Graffiti" nel 1975, questo brano dura 11 minuti e otto secondi. Una rivisitazione della composizione gospel blues di Blind Willie Johnson, la versione dei Led Zeppelin accompagna gli ascoltatori in un viaggio ben oltre le sue origini. In particolare, anche Bob Dylan ha interpretato questa canzone nel suo album di debutto, ma la versione dei Led Zeppelin vanta una portata epica.
Per riassumere, ecco la scaletta delle canzoni più lunghe dei Led Zeppelin:
- 'In My Time of Dying'11:08
'Carouselambra' – 10:34
Achilles' Last Stand' - 10:31
'Tea for One' - 9:28
'In the Light' - 8:47
"È stato davvero come un grido di sopravvivenza", ha detto una volta Plant alla rivista Circus mentre rifletteva su Presence. “Non ci sarà un altro album come questo – mettiamola così. Era un grido dal profondo, l’unica cosa che potevamo fare”.
Nobody's Fault but Mine
Bonham non era un cantautore nato, ma gli è stato attribuito il merito di aver scritto una selezione di brani per i Led Zeppelin. Tuttavia, non era perché si allontanasse con carta e penna. Invece, è stata in gran parte la sua presenza ispiratrice in studio, e senza che il batterista nemmeno ci provasse, ha fornito il nucleo di un'idea per una canzone con cui i suoi compagni di band hanno corso.
Page ha raccontato alla BBC la genesi della canzone: "'Good Times, Bad Times', come al solito, è nata da un riff con una grande quantità di John Paul Jones al basso, e ha davvero sbalordito tutti quando hanno sentito il pattern di grancassa". , perché penso che tutti scommettessero che Bonzo usasse due grancasse, ma ne aveva solo una.
Un altro contributo alla composizione delle canzoni della band è stato "Out on the Tiles" dal terzo album della band. La frase nel titolo del brano si riferisce a una serata fuori, e quando Bonham discusse il suo piano di “uscire sulle piastrelle”, si accese un'idea nella mente di Page. Come ringraziamento, il batterista è stato elencato come uno degli autori.
Bonham è stato anche indicato come uno degli artefici di "Moby Dick" da Led Zeppelin II del 1969, la sua canzone simbolo. La traccia è costruita attorno al suo potente assolo di batteria e durante i concerti gli ha permesso di mostrare la sua genialità al pubblico pagante. Una volta, durante un'esibizione alla Royal Albert Hall, Bonham suonò una versione estesa di 15 minuti del mostruoso successo rock.
Infine, Bonham è stato nominato come uno degli autori di "Kashmir", il brano che Plant considera la sua creazione preferita dei Led Zeppelin. Nel frattempo, Page ha detto della creazione della canzone: "L'intensità di 'Kashmir' era tale che quando l'abbiamo completata, sapevamo che c'era qualcosa di veramente ipnotico in essa, non potevamo nemmeno descrivere una tale qualità."
Ha aggiunto: “All’inizio c’eravamo solo io e Bonzo [il batterista John Bonham] negli Headley Grange. Suonava il ritmo alla batteria e ho trovato il riff e le sovraincisioni che sono stati successivamente duplicati da un'orchestra, per dare più vita alla traccia. All’inizio sembrava così spaventoso”.
I quattro contributi di Bonham alla discografia dei Led Zeppelin non si adattano alla descrizione tradizionale di un paroliere, è stato fondamentale per la creazione di ciascuna delle tracce sopra menzionate e, senza di lui, non esisterebbero nella loro forma attuale.
Le canzoni che John Bonham ha scritto per i Led Zeppelin:
'Moby Dick'
'Kashmir'
'Good Times, Bad Times'
'Out on the Tiles'
LED ZEPPELIN - Good times, Bad Times (1969)
10 ottobre 1972
Jimmy Page / Robert Plant Visita Bangkok, Tailandia
"Siamo rimasti per un bel po' di tempo a Bangkok, c'è sicuramente abbastanza gente lì per un concerto, anche se sarebbe un po' pesante, con le autorità che sono uno di quei governi sottosopra del tipo 'colpo di stato militare una volta alla settimana'.
"Ci siamo fermati a Bombay e abbiamo suonato in un bar lì per una bottiglia di scotch. È stato davvero fantastico, cantavo attraverso un vecchio Fender Cabinet che è grande all'incirca quanto una televisione da dodici pollici e Pagey suonava una chitarra che doveva avere corde di pianoforte sopra... ma la gente era contenta semplicemente perché "chiunque fosse passato di qui prima non si era mai preso la briga di suonare... e avrebbero dovuto farlo. Quindi, ovunque tu vada, scoprirai che" Ho una sorta di dovere da compiere."
10 October 1972
Jimmy Page / Robert Plant Visit Bangkok, Thailand
"We stayed for quite a while in Bangkok, there's definitely enough people there for a gig, although it would be a bit heavy with the authorities being one of those upside down 'military coup once a week' type governments.
' We stopped in Bombay and played in a bar there for a bottle of scotch. It was really great, I was singing through an old Fender Cabinet that's about the size of a twelve inch television and Pagey was playing a guitar that must have had piano strings on it... but people were happy simply because 'whoever had come through here before had never bothered to play... and they should have. So wherever you go, you'll find that" I have some sort of duty to perform."
Led Zeppelin - The Bombay Sessions
Jimmy Page and Robert Plant undertook with the Bombay Symphony Orchestra in India in 1972. These sessions yielded rerecordings of Friends and Four Sticks in a radical rearrangement. They are quite a fascinating listen and a glimpse into Page and Plant's broadening musical horizons.
0:00 Rehearsing Friends
31:26 Four Sticks Take 1
36:32 Friends Take 1
41:10 Friends Take 2
45:38 Four Sticks Take 1 (false start)
45:59 Four Sticks Take 2 (false start)
47:52 Four Sticks Take 2 (cut)
Bootleg: Studio Magik Sessions 1968-1980 (Godfather)
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Robert Plant rivela perché l'evidenziazione di Physical Graffiti Kashmir segna davvero l'apice musicale più imponente dei Led Zeppelin
"Vorrei che fossimo ricordati per il Kashmir più che per Stairway To Heaven ", mi ha detto il cantante dei Led Zeppelin Robert Plant più di trent'anni dopo che la prima canzone è stata pubblicata per la prima volta come ultima traccia sul lato due del doppio album Physical Graffiti della band. “È così giusto; non c'è niente di esagerato, nessuna isteria vocale. Perfetto Zeppelin.
Certamente è. In effetti, di tutti i bei momenti musicali che i Led Zeppelin hanno accumulato durante la loro carriera di otto album in studio, Kashmir rimane una delle loro tracce distintive. È dello stesso ordine di classe dei precedenti momenti fondamentali Whole Lotta Love e Stairway To Heaven – ovvero, destinato a trascendere tutte le barriere musicali e diventare universalmente riconosciuto come un classico. Probabilmente è stata anche l'ultima volta che avrebbero scalato tali altezze.
Una spinta musicale e metaforica verso qualche irresistibile orizzonte lontano (utilizzando la stessa caratteristica accordatura DADGAD che il chitarrista Jimmy Page aveva usato in precedenza per creare vetrine così memorabili dal suo repertorio come White Summer e Black Mountain Side ), Kashmir ha incapsulato il multi-filone dei Led Zeppelin approccio al fare musica rock: in parte rock, in parte funk, in parte tempesta di sabbia africana.
Originariamente intitolata Driving To Kashmir , la canzone era iniziata come un testo che Plant era stato ispirato a scrivere nell'autunno del 1973 dopo un lungo viaggio apparentemente senza fine attraverso "le terre desolate", come disse lui, del sud del Marocco. Il suo significato non aveva assolutamente nulla a che fare con il Kashmir, nel nord dell'India.
Mentre Plant spiegava il significato di Kashmir a Cameron Crowe, si trattava del viaggio su strada in sé piuttosto che di una posizione geografica specifica: “Era una strada a binario unico che attraversava nettamente il deserto. Due miglia a est ea ovest c'erano creste di roccia sabbiosa. Sembrava che stessi guidando lungo un canale, questa strada fatiscente, e apparentemente non c'era fine. Quindi, ha detto Plant, il testo di apertura: " Oh, lascia che il sole picchi sul mio viso, stelle per riempire i miei sogni ".
Musicalmente, il ritmo tremolante era esploso da una sessione a tarda notte che coinvolgeva Page e il batterista John Bonham durante uno dei soggiorni regolari della band a Headley Grange, la villa infestata nell'East Hampshire dove registrarono così tanti brani nei primi anni '70.
"Eravamo solo io e Bonzo", ha detto Page. “Ha iniziato la batteria, e io ho fatto il riff e le sovraincisioni, che alla fine sono state duplicate da un'orchestra, il che ha dato vita ancora di più. Sembrava così inquietante e aveva una qualità particolare. È bello cercare uno stato d'animo reale e sapere che ce l'hai fatta.
Il numero è stato temporaneamente abbandonato quando la registrazione è stata interrotta dalla scomparsa imprevista del bassista John Paul Jones , che aveva deciso di lasciare gli Zeppelin dopo essere rimasto sconvolto da alcune delle scene più "vivaci" fuori dal palco che circondavano il notoriamente oltraggioso tour negli Stati Uniti della band in estate. di 73.
Dopo che fu negoziato un accordo con Jones che prevedeva il trasferimento della band nel vicino hotel di lusso Frencham Ponds (ad eccezione di Page, che rimase all'Headley), gli Zeppelin ricominciarono all'inizio del 1974. Fu ora che il serio lavoro sul Kashmir era completato , con Jones che abbozza quelle che sarebbero poi diventate le parti orchestrali con il suo Mellotron. La pianta, però, ha lottato. Deliziato dai suoi testi, ha ammesso di essere stato "pietrificato" e "virtualmente in lacrime" nel provare a cantare insieme all'insolito schema ritmico del Kashmir .
"È stato un brano musicale straordinario su cui scrivere e una sfida incredibile per me", ha ricordato in seguito. "L'intero affare della canzone non è... non grandioso, ma potente: richiedeva una sorta di epiteto, o un'ambientazione lirica astratta sull'intera idea della vita come un'avventura e come una serie di momenti illuminati."
Il tocco finale fu l'aggiunta di vere parti di archi e fiati, registrate nel maggio di quell'anno agli Olympic Studios, a Londra, dove furono anche stese le sovraincisioni. La traccia finale era un classico del rock davvero epico, di portata panoramica, con il suono degli Zeppelin a spettro completo.
È stata la cosa migliore che la band avrebbe mai fatto? Roberto ha detto che lo era. Anni dopo, Jimmy mi ha detto: "Beh, era sicuramente uno di loro".
La grandezza del Kashmir corrispondeva alle ambizioni sempre più elevate di Page, al suo ardente desiderio di smentire gli oppositori che avevano perseguitato i Led Zeppelin sulla stampa sin dall'inizio della band. Physical Graffiti era un album incentrato sulla portata (includeva sia le tracce più lunghe che quelle più brevi che la band avrebbe mai registrato), e Kashmir doveva essere il gioiello della corona; Page determinato a mostrare la "tavolozza più ampia" che Zeppelin aveva a disposizione rispetto ai rivali più vicini come gli Stones, che Zeppelin vendeva più di quanto non avesse mai eguagliato la credibilità.
Eseguito per la prima volta durante il tour americano della band nel 1975, il Kashmir è diventato il nuovo fulcro del set, con Jimmy che calpesta il suo nuovo abito appositamente progettato ricamato con draghi, lune crescenti, stelle scintillanti, papaveri rosso sangue e l'emblema "ZoSo" .
Ai loro spettacoli di Earls Court, a maggio, Plant ha descritto il Kashmir al pubblico come una canzone sulla rivisitazione dei "nostri viaggi in Marocco... e la storia dei nostri tempi sprecati e sprecati". Due anni dopo, durante l'ultimo, disastroso, tour negli Stati Uniti della band, rifletté: "Penso che andrò in Kashmir un giorno, quando un grande cambiamento mi colpirà e dovrò davvero andarmene e pensare al mio futuro come uomo piuttosto che un ragazzo rampante.
Quel “grande cambiamento”, anche se ancora non lo sapeva, si stava avvicinando velocemente.
“I Led Zeppelin sono stati i responsabili del grande successo. Non avevamo scelta... era folle”: Robert Plant su come i Led Zeppelin hanno inventato il rock da stadio
I Led Zeppelin hanno portato la musica dal vivo in un'altra stratosfera negli anni '70 e Robert Plant afferma che hanno dovuto inventarsela man mano che andavano avanti
A Robert Plant piace suonare ogni tipo di concerto, e nel corso di una carriera che risale a cinque decenni e mezzo, ha suonato ogni tipo di concerto. Enormi in cui hai bisogno di un telescopio per vedere l'ultima fila, spettacoli nei club in cui puoi vedere il bianco degli occhi del pubblico, jam a ruota libera, set da titolo, canti pomeridiani facili e ariosi: li ha suonati tutti. Parlando con Niall Doherty di Classic Rock nel 2021, Plant ha spiegato che per lui erano tutti la stessa cosa.
Alla domanda se gli mancassero gli spettacoli "veri" - era bloccato e la musica dal vivo era in pausa - Plant ha detto che non esisteva niente del genere. "Ogni spettacolo è un vero spettacolo, perché devi farlo bene", ha detto. A quel tempo, si stava godendo sessioni di basso livello con gli amici, lontano dalle luci della ribalta. "È molto
divertente
, intenso, ma molto divertente
e semplice nel modo in cui avviene e nel modo in cui possiamo muoverci e viaggiare con un numero di persone", ha spiegato. "Ci presentiamo e giochiamo".“Quando lo fai “correttamente”, come dici tu, inizi a giocare al gioco che abbiamo creato. La band in cui facevo parte negli anni '70 è stata piuttosto responsabile di averla fatta crescere. Non avevamo scelta. Abbiamo suonato davanti a 72.000 persone qualunque cosa fosse al Tampa Stadium", ha continuato Plant, riferendosi al gigantesco concerto dei Led Zeppelin nel 1977 negli Stati Uniti a Tampa Bay, "e c'è stato un temporale e abbiamo corso per le nostre vite. Non avevamo un atto di apertura, nessuna copertura sul palco, niente, e forse due ragazzi della sicurezza ci tenevano d'occhio. Era folle. Non lo sapevamo – nessuno aveva il processo o la meccanica o la cultura che dicevano, 'OK, ti porteremo in elicottero.'”
Come ci si aspetterebbe da un artista che ha contribuito a scrivere il manuale del rock da stadio, Plant ha detto di non essersi mai innervosito prima di salire sul palco. Ogni tanto, però, c'era un po' di apprensione, ha rivelato. "A volte dubito di avere le capacità per il lavoro", ha detto, usando come esempio i suoi duetti con la star e collaboratrice di Americana Alison Krauss . “È una sfida, non fisicamente una sfida, ma ad essere onesto, a volte devo ricordare quello che Alison mi ha detto di fare. Vedo i suoi occhi lampeggiare verso di me e poi scoppia a ridere. Fa parte del fascino dell'intera faccenda. È un circo, tutto quanto, quindi perché non indossare di tanto in tanto le scarpe grandi e il naso rosso?
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https://faroutmagazine.co.uk/led-zeppelin-song-almost-accidentally-cut/?fbclid=IwAR0x67CLWfe83SEFIYIKiWu-t7O033YqMPh7WkwTRRzg7JVbLRCjQuW1P8o
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La canzone dei Led Zeppelin che è stata tagliata quasi accidentalmente dall'album
Non ci sono molte serie di album classici che possono raggiungere le vette di ciò che hanno raggiunto i Led Zeppelin . Colpendo il terreno con il loro disco di debutto, la band ha resistito per tutti gli anni '70 come uno dei primi artisti del rock classico, lasciando dietro di sé legioni di imitatori con una canzone fantastica dopo l'altra. Anche se non ci sono molte imperfezioni nella loro discografia, uno dei loro brani classici avrebbe potuto essere completamente scartato se il tempo fosse stato diverso.
Tra gli album omonimi del gruppo, Led Zeppelin III tende ad essere il più strano della tetralogia. Dotato prevalentemente di strumenti acustici, Jimmy Page era noto per assecondare sia i lati chiari che quelli oscuri del suo modo di suonare in tutto il disco, dalla bellezza dietro l'assolo di "Since I've Been Loving You" al ritmo primordiale di "Immigrant Song". .
Dato che questa era la prima volta che gli Zeppelin si sistemavano dopo aver registrato Led Zeppelin II in viaggio, Page fu grato di potersi riposare. Piuttosto che volare alla cieca attraverso parte del loro materiale, Page ricordava di aver usato le strutture di Headley Grange per rilassarsi dalla strada e suonare per il gusto di farlo.
Tra i classici c'era "Celebration Day", che sarebbe diventato un punto fermo dello spettacolo dal vivo del gruppo. Durante il monitoraggio della canzone in studio, la band ha riscontrato un problema quando il loro registratore ha quasi funzionato male durante la sequenza del pezzo.
Dopo la canzone "Friends" dell'album, il master tape originale aveva un piegamento e non veniva riprodotto correttamente una volta inserito nel registratore. Per rimediare al sottile intoppo, la band ha dovuto perdere parte dell'intro della canzone, utilizzando invece le note finali della sezione degli archi di "Friends" per rimediare all'errore.
Mentre uno degli elementi salienti del pezzo deriva dal riff di Page, la forza principale della canzone arriva per gentile concessione di John Bonham. Avendo già dimostrato di essere uno dei più grandi batteristi che abbiano camminato sulla Terra nella strumentale "Moby Dick", "Bonzo" gioca con il ritmo in vari punti della canzone, facendo sembrare la traccia come se fluisse e rifluisse come una nave sul mare. l'alto mare.
È stato quel tipo di potenza che ha spinto la band a cambiare il loro approccio tradizionale al volume, con Robert Plant che ricorda in Guitar World : “Oltre ad essere uno dei migliori batteristi che abbia mai sentito, era anche uno dei più rumorosi. È stato lui il motivo per cui abbiamo dovuto iniziare ad acquistare amplificatori più grandi”.
Anche se la band avrebbe testato ogni elemento del proprio suono in questo album, Page avrebbe continuato a fare cose più grandi e migliori solo pochi mesi dopo la fine del disco. Cercando di dimostrare ai critici che si sbagliavano riguardo al loro clamore inutile, Led Zeppelin IV arrivò con poca fanfara e divenne uno degli album più grandi che i Led Zeppelin avrebbero mai realizzato, con brani fondamentali come "Stairway to Heaven" e "Black Dog".
Anche se il suono di "Celebration Day" può essere sentito ogni volta che si suona con i Led Zeppelin III, l'energia sgangherata conferisce alla canzone più carattere alla fine. Anche se potrebbe avere qualche imperfezione sonora, l'anima nascosta nei solchi del vinile era troppo piacevole per lasciarsela sfuggire.
https://youtu.be/_JITbbj49Ew
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Robert Plant dice che John Paul Jones non ha mai riconosciuto le canzoni dei Led Zeppelin per nome.
Plant e Jones hanno trascorso più di un decennio a creare alcune delle più leggendarie tematiche rock mai scritte. Solo non chiedete a Jones di chiamarli per titolo o di cantare le parole.
Plant ha detto che il bassista non le ascoltava mai, ma le conosceva dagli accordi.
Jones e il fondatore dei Led Zeppelin Jimmy Page condividono una radice comune. Entrambi erano musicisti di sessione esperti e molto ricercati prima di formare la band.
Jones era un jolly. Come multi strumentalista addestrato, ha composto canzoni, arrangiamenti e ha suonato il basso, le tastiere, il mandolino, ecc.
Jones era così preso dalla musica, che non ha mai imparato i titoli delle canzoni, o quello che cantava Plant.
Chiedi a Jones di dire la canzone dove Plant canta "All that glitters is gold" e sicuramente avrà problemi a ricordarla. Come ha detto Plant, devi metterlo in termini musicali. Digli che è la canzone dove ha suonato cinque strumenti (tra cui tre flauti) e il suo cervello enciclopedico musicale ti dirà "Stairway To Heaven".
Mentre Jones apparentemente è opacato dai suoi compagni, i suoi contributi alle canzoni della band sono chiaramente riconoscibili.
Il suo posto nella banda era molto dentro la musica. Le sue linee di basso completano i beat di Bonham e aggiungono una struttura melodica dietro i riff di Page. Plant dice che Jones era così coinvolto nella musica dei Led Zeppelin, che non aveva tempo di imparare titoli o testi.
Nel 1979, Zeppelin si era diviso in due
fazioni. Il relativamente sobrio Jones e Plant e il team hard partying di Page e Bonham.
Il bassista e il cantante hanno scritto la maggior parte delle canzoni in "In Through The Out Door". Jones, in questo periodo ha acquisito un sintetizzatore di ultima generazione e si è sentito ispirato a comporre alcuni argomenti.
Le sue interpretazioni sono alla base di alcune canzoni, tra cui "Carouselambra", "I'm Gonna Crawl" e "All My Love". Un genio musicale straordinario.
(Con informazioni su: KZAP, Sacramento)
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https://www.ondamusicale.it/oggi-in-primo-piano/22809-led-zeppelin-i-il-leggendario-esordio-della-band/?fbclid=IwAR34M0n9FXYZjOafx8qHjZMTH9FBqm8Ly7WOePiyLconehIJiaVeBC8CPhA
“Led Zeppelin I”: il leggendario esordio della band
Il 12 gennaio del 1969 l’album d’esordio dei Led Zeppelin si abbatte nei cieli non troppo sereni del mondo del rock come il proverbiale fulmine. Sebbene nessuno degli ingredienti utilizzati dalla band debuttante sia da considerarsi di prima mano, il risultato è un suono mai sentito prima.
Ascoltando l’opera prima di Page, Plant, Jones e Bonham, si trascura quasi sempre un fattore: quando il complesso si reca in studio per registrare in poche ore il disco, ha poche ore di prove alle spalle e nessuna previsione sulla possibile accoglienza del pubblico verso un tale miscuglio di cose già sentite, ma ricombinate in modo totalmente innovativo.
Non solo: se Jimmy Page e John Paul Jones si sono fatti un buon nome come turnisti e – il secondo – come arrangiatore, Robert Plant e John Bonham sono praticamente degli illustri sconosciuti; entrambi hanno militato nei “Band of Joy” e Plant ha da esibire qualche registrazione solista, oltre a una presenza scenica sfrontata e dirompente.
Eppure basta ascoltare i solchi di questo primo capitolo della loro discografia per rendersi conto che l’amalgama è già perfettamente a punto; il suono è talmente compatto, definito e maturo che nei dischi successivi saranno necessari ben pochi aggiustamenti per raccogliere dai disciolti Beatles il testimone di gruppo più popolare del pianeta. Anzi, per qualcuno, il loro suono non sarà mai più così fresco, innovativo e ammantato di perfezione come nel lavoro d’esordio.
Come si diceva, i Led Zeppelin non inventano nulla di nuovo, almeno sulla carta: addirittura non sono nemmeno una band nuova di zecca, teoricamente. Il complesso sorge infatti sulle ceneri dei gloriosi Yardbirds, la band sospesa tra beat e blues che – passando dagli scarni palchi del Marquee alle classifiche mondiali – aveva tenuto a battesimo Eric Clapton e Jeff Beck. Gli Yardbirds, però, sono anche il primo vero gruppo di Jimmy Page, l’ambizioso chitarrista che, di fronte alle defezioni di tutti i compagni, si reinventa i New Yardbirds, con le idee piuttosto chiare sul nuovo suono da inseguire. La band è messa insieme in modo piuttosto avventuroso, talmente casuale che è difficile non pensare che il destino non ci abbia messo lo zampino. John Paul Jones ha conosciuto Page collaborando come turnista a “Truth”, l’esordio solista di Jeff Beck a cui anche Jimmy collaborava; John medita di accasarsi con una band – anche su suggerimento della moglie, stanca dei ritmi infernali da sessionman – e si trova al momento giusto nel posto giusto, ovvero alle registrazioni di “Hurdy Gurdy Man” di Donovan, a cui entrambi partecipano.
Jimmy sceglie per la voce il talentuoso Terry Reid, uno che Madre Natura ha dotato di una vocalità impareggiabile, risparmiando tuttavia sulla lungimiranza: Terry rifiuta, come l’anno dopo rifiuterà la proposta dei Deep Purple, e rilancia, suggerendo il nome di Robert Plant e consigliando di prestare un orecchio anche al batterista che suona nello stesso gruppo.
La formazione – che pare una specie di Armata Brancaleone in salsa rock – a quel punto è fatta; pare quasi un esperimento audace, buono giusto per rispettare un vecchio contratto degli Yardbirds per un tour in Scandinavia. Quando i quattro si trovano in studio per provare a suonare assieme, però, accade il miracolo: “Ci ritrovammo a suonare in una stanza e dopo poco ci rendemmo conto di cosa stava succedendo. Iniziammo a ridere, per la gioia o per la consapevolezza di quel che potevamo fare noi quattro insieme” ricorda Jimmy Page, anni dopo.
E il grande chitarrista è talmente convinto delle possibilità del complesso – e ancor più disilluso dalle capacità dei produttori con cui ha lavorato – da pagare di tasca sua, coi risparmi da turnista, l’affitto dello studio di registrazione. 1782 pounds, tanto costano a Page le session del primo album, e le stesse – grazie anche agli uffici di Peter Grant all’Atlantic – frutteranno milioni di dollari in pochi mesi.
Dopo il celebre tour scandinavo e alla vigilia di uno americano, con uscita del disco annessa, manca solo il nome: New Yardbirds non si distingue per fantasia e non convince nessuno. A questo punto, in un episodio degno della mitologia, si inserisce Keith Moon, l’estroso – a dir poco – batterista degli Who. Brindando al futuro incerto tra gloria e catastrofe del progetto, il buon Keith pronuncia la celebre frase “questa band volerà in alto come un fottuto dirigibile di piombo!”.
Due cose sa fare come nessuno, Keith Moon: suonare la batteria e bere, ma quella volta gliene riesce una terza, azzeccare uno dei brand più iconici della storia del rock. Tolta una “a” all’espressione “lead Zeppelin”, il nome è bello che pronto. A quel punto non manca proprio nulla: la copertina riproduce in bianco e nero il tragico schianto dello Zeppelin LZ 129 Hindenburg del 6 maggio 1937 a Lakehurst, che costò la vita a trentacinque persone e pose la pietra tombale sulle ambizioni del volo aerostatico. Il disco esce ottenendo subito un incredibile successo di pubblico e critica, proiettando i ragazzi poco più che ventenni nella leggenda, con tutti i pro e contro del caso.
Ancora oggi, mettere sul piatto il primo album dei Led Zeppelin, cercando di calarsi nei panni dell’ascoltatore tipo dell’epoca, che nulla sapeva del gruppo, è un’esperienza dirompente.
L’attacco è affidato alla breve “Good Times Bad Times”, vero bignami del nuovo suono targato Led Zeppelin; al di là di un’impostazione ancora piuttosto canonica, oscillante tra hard, psichedelia e reminiscenze beat, sono già presenti tutte le caratteristiche del complesso: le trame di chitarra di Page e un brevissimo assolo al fulmicotone, il basso pulsante di John Paul Jones, il drumming unico di John “Bonzo” Bonham e il carisma sopra le righe di Robert Plant.
Diciamolo chiaramente, al di là dell’incredibile tecnica e personalità di ogni componente del gruppo, a fare la differenza, a tracciare il solco profondo tra i precedenti Yardbirds e i nuovi Led Zeppelin, è la voce di Plant. Quella voce acuta, sfrontata, urticante a tratti, ma dotata di un magnetismo che non si manifestava dai tempi di Elvis Presley; Keith Relf, il cantante degli Yardbirds, col suo caschetto biondo e lo stile vocale che badava a non uscire mai dal seminato, andava bene per i giovani di metà anni Sessanta, in cerca di qualcosa di più sanguigno dei Beatles, ma non abbastanza scandaloso da risultare oltraggioso alle orecchie dei grandi. Il canto sguaiato di Robert Plant è invece pura dinamite; reggendosi sui testi per lo più di Page – banalissimi doppi sensi sessuali mutuati dal blues – Robert fa dentro e fuori da qualsiasi regola metrica e musicale, toglie punti di riferimento all’ascoltatore e, soprattutto, riveste anche la canzone più breve di una carica sessuale inedita e scabrosa. Se gli Yardbirds erano roba da bravi ragazzi in libera uscita, i Led Zeppelin sono materiale da grandi, cattivi e proibiti come dev’esserlo ogni buona intuizione rock.
Coi Led Zeppelin si smette di scherzare.
E che si faccia sul serio si capisce subito dalla seguente “Babe I’m Gonna Leave You”, una stupefacente ballata folk blues che fino ad allora non si era mai sentita da un gruppo di rock blues duro. Già, perché all’epoca c’era il folk revival, con band di capelloni, spesso con un po’ di puzza sotto al naso e dediti a ripescare classici della tradizione albionica con fare quasi carbonaro, e c’erano gli alfieri del blues, quello duro e accelerato dei Cream, al limite. Qualcuno che mischiasse i due mondi, però, non si era ancora visto.
Questo pezzo mette insieme due realtà lontanissime, con l’arpeggio acustico di Jimmy Page e la voce sofferente di Plant che crescono in modo inusitato, in un climax elettrico quasi commovente, che fa da sfondo alle urla disperate di Robert che – nello studio affittato per poche sterline – non lo sa, ma sta cambiando il rock per sempre.
Con questo pezzo, però, viene fuori l’altra faccia della medaglia della band, quella spregiudicata e rapace, che non si fa problemi a firmare quella che in realtà è una cover di una vecchia ballata di Anne Brendon: una pessima abitudine, ancor più censurabile perché inutile, che riaffiorerà spesso nella carriera del complesso, ma anche più avanti in questo stesso disco.
Manco il tempo di tirare il fiato che la chitarra slide di Page ci porta subito nei territori del blues, ma in lande paludose e rallentate mai visitate prima da nessuno. “You Shook Me” è un doppio furto: a Willie Dixon e a J.B. Lenoir, eroi del blues vero snobbati nei crediti, ma anche verso l’ex compare Jeff Beck, che aveva inciso lo stesso standard l’anno prima in “Truth”, con Page e Jones come turnisti. Non poteva sapere che la sua versione, che gli pareva già troppo dura, sarebbe stata ripresa, dilatata, brutalizzata e resa leggenda poco dopo, e non avrebbe mai digerito il presunto sgarro.
È un blues mai sentito, quello dei Led Zeppelin, lento fino all’indolenza, strascinato come uno spinello fumato al juke joint, ma anche potente nel drumming di “Bonzo”, rivoluzionario nell’assolo d’organo di Jones, canonico nell’armonica di Plant e terribilmente sensuale nella chitarra di Page, che pare un Clapton sotto acido, e nelle urla dissennate di Robert, doppiate dalla slide del compagno d’avventure.
Forse il miglior blues mai sentito, tra quello suonato da bianchi che non hanno mai visto un campo di cotone.
La successiva, leggendaria “Dazed and Confused” mette un altro tassello nel mito di questo debutto. Di nuovo un miscuglio tra blues, folk, psichedelia e atmosfere nere, con la sperimentazione pura di Page che tortura la Gibson con l’archetto da violoncello e l’energia dei break in cui la sezione ritmica pare esplodere. Anche qui il lato oscuro si ripresenta: il testo è paurosamente sessista, e la canzone è un vero scippo ai danni dell’oscuro folksinger Jake Holmes.
Il cantante, quando Page suonava ancora negli Yardbirds, aprì il loro concerto di New York. Jimmy, quindi, conosceva bene il brano – cosa che incredibilmente negherà – tanto da proporne una cover live già poco dopo con gli Yardbirds, con tanto di sezione centrale con l’archetto. Holmes si rifiuterà sempre, pur amareggiato, di intentare una causa già vinta. Inutile dire che l’assolo di Jimmy fa sì che gli si perdoni anche questa ennesima appropriazione indebita.
Esaurito il primo lato del vinile, quattro brani irripetibili, il secondo si apre con una parte d’organo di John Paul Jones quasi da messa, che prelude a “Your Time Is Gonna Come”, ballatona più canonica e in cui si fa largo uso dei cori, in un ritornello orecchiabile che stempera i toni della prima parte. In assoluta evidenza per tutta la canzone John Paul Jones col suo organo.
Il pezzo sublima direttamente nella splendida “Black Mountain Side”, nuova incursione nel folk tradizionale britannico; uno strumentale a completo appannaggio della chitarra acustica di Jimmy Page, accompagnato dall’unico ospite del disco, Viram Jasani alle tabla.
Anche questa, però, è una appropriazione corsara di “Black Waterside”, tradizionale riarrangiato dal grande chitarrista folk Bert Jansch: i brani sono praticamente sovrapponibili.
Passata la sbornia bucolica e folk, il ritmo accelera col primo vero pezzo hard rock dei Led Zeppelin, archetipo dei loro brani più tirati e palestra per tutto il futuro hard ed heavy metal: “Communication Breakdown”. Il lavoro di Page, tra riff poderosi e assolo sopra le righe, è encomiabile, mentre il falsetto di Plant farà scuola.
“I Can’t Quit You Baby” è un nuovo blues dallo sterminato repertorio di Willie Dixon, reso celebre dal chitarrista mancino Otis Rush. Molto simile a “You Shook Me”, è la cartina di tornasole dell’approccio al blues di Jimmy Page: lick ripresi nota per nota da Otis Rush o Freddie King, ma suonati a una velocità mai vista e con un suono distorto che i bluesman di Chicago non si sognavano, inframezzato a brusche frenate con epici accordi tirati giù all’unisono con la sezione ritmica. Incredibilmente potente e in risalto la batteria di “Bonzo”.
Siamo in chiusura: il tempo di infilare otto minuti di blues psichedelico e progressivo con “How Many More Times”. Pezzo prodigioso e multiforme, che racchiude tutto quello che la band ha accumulato nei primi otto brani, plagi compresi.
Il riff iniziale, pompato dalla ritmica di Jones e Bonham in modo assolutamente rivoluzionario per l’epoca, fa da sfondo al canto sempre più roco e sensuale di Plant che declama i versi di un vecchio blues di Howlin’ Wolf. A un tratto l’atmosfera cambia, tra rullate di Bonham e voli pindarici della chitarra di Page, il ritmo prende la cadenza di un bolero molto – troppo? – simile a “Beck’s Bolero” dell’amico Jeff; è un attimo, un tributo, forse, poi una parte psichedelica apre a una sezione funk blues dominata dalle urla di Plant e ancora dalla potenza di “Bonzo” che riprende il testo di “The Hunter” di Albert King, prima di tornare al tema iniziale.
Il rito è finito, e a quel tempo proprio una specie di rituale orgiastico di suoni e generi sarà sembrato ai fortunati che ascoltavano per la prima volta questi quattro ragazzi giovani, belli, sfrontati e arroganti che riscrivevano le regole dell’ancora giovane fenomeno del rock.
La ricetta: blues suonato come mai si era sentito fare e ibridato con folk e psichedelia, volumi tarati al massimo sopportabile dagli strumenti dell’epoca, tecnica sopraffina e la sfrontatezza dei vent’anni.
Tutti ingredienti riproducibili, tranne uno: il soffio divino dell’ispirazione che, per le vie misteriose che percorre talvolta l’arte, calò allora a baciare gli strumenti di quattro ragazzi inglesi.
La decisione di Jimmy Page di registrare "Whole Lotta Love" in uno studio classico è stata la prima di numerose decisioni sensate che ha preso durante la creazione della canzone dei Led Zeppelin "Whole Lotta Love". La musica dei Led Zeppelin ha sempre riguardato il suono che Jimmy Page aveva nel cervello. Era la forza principale dietro la musica della band. Il chitarrista spingeva sempre per trasformare la sua visione in realtà, anche se ciò significava urlare all'ingegnere del suono di aggiungere un'eco all'indietro su "You Shook Me". Page fece una campagna e ottenne il permesso di registrare l'iconica canzone degli Zeppelin "Whole Lotta Love" in uno studio destinato alla musica classica. Perché Jimmy Page ha registrato "Whole Lotta Love" dei Led Zeppelin in uno studio di musica classica "Stairway to Heaven" è la canzone dei Led Zeppelin più ascoltata in streaming. Page e il cantante Robert Plant hanno entrambi elogiato "Kashmir" come canzone simbolo della band. Dovresti inserire "Whole Lotta Love", il primo singolo dei Led Zeppelin II, tra quelle epiche. Il riff incalzante, i testi libidinosi di Plant e il groove ritmico stretto e forte hanno reso "Whole Lotta Love" una risposta più squallida e carnale all'ultimo sussulto di pace e amore di Woodstock pochi mesi prima che i Led Zeppelin II arrivassero nei negozi nell'ottobre 1969. Era fondamentale catturare correttamente la batteria di John Bonham per "Whole Lotta Love". Ecco perché Page ha insistito per registrarli in un grande studio progettato per le orchestre che registrano musica classica. Ha richiesto la stanza aggiuntiva dello studio più grande affinché l'ingegnere George Chkiantz potesse microfonare correttamente l'attrezzatura di Bonham (tramite Anatomy of Song): e il groove ritmico stretto e forte ha reso "Whole Lotta Love" una risposta più squallida e più carnale all'ultimo sussulto di pace e amore di Woodstock pochi mesi prima che i Led Zeppelin II arrivassero nei negozi nell'ottobre 1969. Era fondamentale catturare correttamente la batteria di John Bonham per "Tutto Lotta Love." Ecco perché Page ha insistito per registrarli in un grande studio progettato per le orchestre che registrano musica classica. Ha richiesto la stanza aggiuntiva dello studio più grande affinché l'ingegnere George Chkiantz potesse microfonare correttamente l'attrezzatura di Bonham (tramite Anatomy of Song): e il groove ritmico stretto e forte ha reso "Whole Lotta Love" una risposta più squallida e più carnale all'ultimo sussulto di pace e amore di Woodstock pochi mesi prima che i Led Zeppelin II arrivassero nei negozi nell'ottobre 1969. Era fondamentale catturare correttamente la batteria di John Bonham per "Tutto Lotta Love." Ecco perché Page ha insistito per registrarli in un grande studio progettato per le orchestre che registrano musica classica. Ha richiesto la stanza aggiuntiva dello studio più grande affinché l'ingegnere George Chkiantz potesse microfonare correttamente l'attrezzatura di Bonham (tramite Anatomy of Song): ” Ecco perché Page ha insistito per registrarli in un grande studio progettato per le orchestre che registrano musica classica. Ha richiesto la stanza aggiuntiva dello studio più grande affinché l'ingegnere George Chkiantz potesse microfonare correttamente l'attrezzatura di Bonham (tramite Anatomy of Song): ” Ecco perché Page ha insistito per registrarli in un grande studio progettato per le orchestre che registrano musica classica. Ha richiesto la stanza aggiuntiva dello studio più grande affinché l'ingegnere George Chkiantz potesse microfonare correttamente l'attrezzatura di Bonham (tramite Anatomy of Song):
“C'erano due studi all'Olympic: uno grande e uno piccolo. La direzione ha installato il nostro registratore a 16 tracce in quello piccolo con la speranza di attirare gruppi rock lì e lontano dallo spazio più grande di 60 piedi per 40 piedi con soffitti di 28 piedi, dove abbiamo registrato principalmente opere classiche e colonne sonore di film. Ma Jimmy scelse quello più grande, anche se aveva solo un registratore a otto tracce. Voleva lo spazio extra in modo che la batteria potesse essere microfonata correttamente per lo stereo. Chkiantz ha approfittato della stanza in più. Un microfono stereo è stato montato su un braccio diversi piedi sopra il kit dall'ingegnere. Ha anche installato due microfoni, uno su ciascun lato e uno davanti alla grancassa di Bonham. Chkiantz ha anche elevato Bonham al di sopra del resto della band, elevando l'attrezzatura del batterista sul pavimento di legno e limitando il rombo indesiderato. Lo sforzo di Page di registrare nello studio di musica classica ha prodotto il suono della batteria di Bonham in "Whole Lotta Love", in particolare il suono cristallino dei piatti durante il crollo allucinogeno. A causa dell'area di oscillazione, Chkiantz è stato in grado di registrare l'esecuzione di Bonzo in un modo che ha prodotto un'esperienza stereo strabiliante. La passione di Page per la canzone caratteristica dei Led Zeppelin non si è conclusa con la sua scelta in studio.
https://ps5storage.com/because-he-needed-the-space-jimmy-page-recorded-whole-lotta-love-in-a-classical-music-studio/?fbclid=IwAR29QIm5ThknYASalwX4JIBTOnzoi4FP9kVqFVADaToCb1y2jZhb6Rx9ozE
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https://iloveclassicrock.com/the-true-story-behind-led-zeppelins-royal-orleans/?a=JP&fbclid=IwAR3tPyv1U0WLrtff5s1Ch9nxXrA_0bxyCNoho0Ny3Uea35ctjsz3SXLfV9M
La famosa canzone dei Led Zeppelin "Royal Orleans" ha da tempo affascinato i fan con i suoi testi intriganti e la presunta storia di una notte che il bassista John Paul Jones ha trascorso con una drag queen. Tuttavia, un'intervista approfondita condotta nel 2001 con Jones getta nuova luce sulla storia dietro la canzone, rivelando discrepanze nella narrazione creata dal cantante e paroliere dei Led Zeppelin Robert Plant.
Inoltre, Jones scredita i dettagli presentati nel libro del biografo degli Zeppelin Stephen Davis, "Hammer of the Gods: The Led Zeppelin Saga", che ha ulteriormente contribuito alla credenza popolare che i testi rappresentassero una storia vera. Esploriamo i veri eventi e sveliamo i miti che circondano "Royal Orleans".
Contrariamente alla rappresentazione lirica di Plant, Jones chiarisce che gli eventi descritti in “Royal Orleans” non erano del tutto accurati. Sebbene la canzone sia basata su un'esperienza genuina che la band ha avuto durante un tour in Louisiana, Jones afferma che il libro di Davis ha sbagliato i fatti, rafforzando così la versione romanzata di Plant.
Screditando la presunta accuratezza dei testi di Plant basati sul racconto di Davis, Jones afferma:
"Ha ottenuto tutte le storie nel modo sbagliato."
L'incontro Incompreso
I testi di Plant in "Royal Orleans" alludono a un incontro romantico che coinvolge un membro dei Led Zeppelin che si è ritrovato inconsapevolmente con una drag queen. Tuttavia, Jones chiarisce che non era lui quello coinvolto nella sorpresa del drag, come implica Plant. Secondo Jones, potrebbe essere successo a un altro membro del gruppo. Sottolinea che conosceva la drag queen di nome Stephanie e che conosceva la sua vera identità, contraddicendo la fabbricazione dei testi di Plant.
Riferendosi alla scarsa familiarità di Plant e Bonham con la scena metropolitana di New Orleans, Jones menziona:
“Robert era un po' provinciale… [Plant e Bonham] non erano come i ragazzi di città. A loro non piace tutto quel genere di cose.
L'incidente Infuocato
Un elemento che Plant ritrae accuratamente nei suoi testi sono le conseguenze della notte di Jones all'hotel The Royal Orleans. Dopo una notte di baldoria in Bourbon Street, Jones e Stephanie si sono addormentati nella sua camera d'albergo ed è scoppiato un incendio. Jones ammette di aver appiccato accidentalmente fuoco alla stanza addormentandosi mentre fumava. Ricorda di essersi svegliato per trovare la stanza avvolta dalle fiamme e dalla presenza dei vigili del fuoco. Fortunatamente, sia Jones che Stephanie sono usciti illesi dall'incidente, come confermato da Jones in un'intervista a Mojo Magazine.
L'origine Della Confusione
Jones fornisce informazioni sulla potenziale origine della confusione che circonda "Royal Orleans". Plant, senza menzionare esplicitamente Jones nei testi, si riferisce al personaggio principale come John Cameron, un musicista con cui Jones aveva una relazione competitiva durante il suo periodo come musicista di sessione a Londra prima che i Led Zeppelin raggiungessero la fama. Questa connessione potrebbe aver contribuito alla confusione e alla rappresentazione errata degli eventi.
https://youtu.be/yI-6zMKZbtQ
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...io parlerei di "sensuale"..
Una voce è sensuale quando attiva nel cervello di chi l'ascolta delle zone del piacere che vanno a stimolare la produzione di ormoni e neurotrasmettitori come la dopamina, la serotonina, l'ossitocina e la vasopressina. ...sono queste sensorialità che ci fanno immaginare tutto quello che vogliamo..
quando si parla di sessuale è una fisicità..se si parla di sensuale è immaginare intensamente quell'attimo...è percezione.
è compiacimento ..è sensibilità..è desiderare quella sensazione.
è compiacimento ..è sensibilità..è desiderare quella sensazione.-------------------------
..io parlerei di "sensuale"..
Una voce è sensuale quando attiva nel cervello di chi l'ascolta delle zone del piacere che vanno a stimolare la produzione di ormoni e neurotrasmettitori come la dopamina, la serotonina, l'ossitocina e la vasopressina. ...sono queste sensorialità che ci fanno immaginare tutto quello che vogliamo..
quando si parla di sessuale è una fisicità..se si parla di sensuale è immaginare intensamente quell'attimo...è percezione.è compiacimento ..è sensibilità..è desiderare quella sensazione
è compiacimento ..è sensibilità..è desiderare quella sensazioneI would speak of 'sensual'..
A voice is sensual when it activates pleasure zones in the brain of the listener that stimulate the production of hormones and neurotransmitters such as dopamine, serotonin, oxytocin and vasopressin. ...it is these sensualities that make us imagine everything we want...
when we talk about sexual, it is physicality... when we talk about sensual, it is intensely imagining that moment... it is perception. it is complacency... it is sensitivity... it is desiring that sensation
it is complacency... it is sensitivity... it is desiring that sensation
TOP 10 CANZONI SESSO LED ZEPPELINDire che i ragazzi di Led Zeppelin occasionalmente facevano sesso in mente sarebbe forse il più grande eufemismo del XX secolo. Anche se potevano essere trovati a cantare d'amore o di cuori spezzati, erano i bisogni primordiali del gruppo che più spesso si facevano conoscere attraverso le loro canzoni. Allora parliamo di limoni, pioggia, prodotti da forno, automobili (e ovviamente donne) con la nostra lista delle 10 canzoni sessuali dei Led Zeppelin!
10/ 'La canzone di Wanton'
Da 'Graffiti fisici' (1975)
La nostra prima canzone sessuale dei Led Zeppelin è un po' più sottile di molte delle tracce che visiteremo più tardi su questa lista. Tuttavia, la tensione sessuale di Robert Plant è alta tra il riff di chitarra e il battito di batteria della canzone, e c'è poco spazio per l'interpretazione rimasto in testi come "Silent woman in the night, you came / Took my seed from my shaking frame... ”
9/ 'La canzone della pioggia'
Da: 'Case del Santo' (1973)
'The Rain Song' è probabilmente una delle canzoni sessuali più tenere degli Zeppelin. Il brano maestoso, lentamente in evoluzione e infuso di corde trova ispirato a Plant in maniera più poetica: "Questa è la primavera del mio amore / La seconda stagione che devo conoscere. Sei la luce del sole nel mio crescere / Così poco calore che ho sentito prima"
8/ 'Di nuovo malato'
Da: 'Graffiti fisici' (1975)
L'atmosfera che scorre attraverso 'Sick Again' è leggermente più sinistro di natura. Iniziamo con le battute "Dalla finestra della tua limousine affittata / Ho visto i tuoi belli occhi blu / Un giorno presto raggiungerai sedici anni / signora dipinta nella città della menzogna", le fantasie del nostro narratore sui piaceri della carne sono forse un po' sui giovani lato della recinzione.
7/ 'Strampled sotto i piedi'
Da: 'Graffiti fisici' (1975)
In una canzone assolutamente piena di allusioni, 'Tramped Underfoot' vede Plant nel ruolo di un tecnico automobilistico di grande esperienza. È determinato a fare un buon lavoro e a dare alla sua cliente il suo denaro, offrendo "Vieni da me per un servizio ogni cento miglia. Tesoro, fammi controllare i tuoi punti, aggiusta il tuo overdrive. ”
6/ 'Mi hai colpito'
Da: 'Led Zeppelin' (1969)
Ciò che questa perla di una canzone sessuale dei Led Zeppelin dal loro disco di debutto manca nella diversità lirica, è più che compensa nelle insinuazioni. Basato su un semplice ritornello di "Sai che mi hai scosso / Mi hai scosso tutta la notte", dimostra che a volte i messaggi più forti vengono detti con meno parole.
5/ 'Torta di crema pasticcera'
Da: 'Graffiti fisici' (1975)
I Led Zeppelin potrebbero essere diventati (un po') più vecchi quando il loro sesto album ha raggiunto i negozi, ma le loro libido erano dilaganti come sempre, come evidenziato qui su questi testi a tema dessert. "La tua torta alla crema pasticcera, sì, dolce e simpatica / Quando la tagli, mamma, lasciamene una fetta. ” Parole abbastanza semplici che racchiudono molti doppi sensi, lasciando all'immaginazione chi ascolta.
4/ 'Candy Store Rock'
Da: 'Presenza' (1976)
Il negozio di caramelle presente in questo rocker di uno dei dischi più sotto apprezzati dei Led Zeppelin non è un posto per bambini. Con un ritornello di "Oh baby... ” correndo per tutta la canzone, le parole di Plant -- “Ho un got got gooth quando la mia bocca è piena di te / mi piace il tuo miele e di sicuro gli piaccio / ho il mio cucchiaio dentro il tuo barattolo” -- lascia qualche domanda sulle sue motivazioni.
3/ 'La canzone del limone'
Da: 'II' (1969)
Qualcuno potrebbe sostenere che questa sarebbe stata meglio inserita nella nostra lista delle canzoni del cuore spezzato del gruppo. Ma una frase famosa la fa finire nella lista delle canzoni sessuali dei Led Zeppelin. "Strizzami baby, finché il succo non mi scorre lungo la gamba / Il modo in cui mi spremi il limone, cado subito giù dal letto. ” Per chi è lento nell'assorbimento, state certi che nessun limone è stato maltrattato per fare questa canzone.
2/ 'Cane nero'
Da: 'IV' (1971)
Questa canzone leggendaria inizia il quarto disco dei Led Zeppelin con la promessa di "farti sudare" e "farti groove" mentre insistono "... Quando cammini da quella parte / Guarda il tuo miele che gocciola, non riesci a stare lontano. ” Alla fine del brano, Plant sta cantando una canzone un po' diversa dopo aver scoperto che la sua donna è soprattutto alla ricerca dei suoi soldi. Tuttavia, il riff di chitarra su questo brano da solo la dice lunga più di quanto qualsiasi parola possa fare.
1/ 'Tutto tanto amore'
Da: 'II' (1969)
Dalle battute d'apertura che dicono "You need coolin' / Baby I'm not foolin'" a "Way down inside honey you need it" fino al breakdown oh-è-ovvio-cosa sta succedendo a metà canzone, non ci vuole un genio per capire cosa sta dicendo Plant con questo brano. Davvero, potrebbe essere più schietto che promettere "ti darò ogni centimetro del mio amore"?
TOP 10 SEX SONGS LED ZEPPELIN
To say that Led Zeppelin boys occasionally had sex on their minds would perhaps be the greatest understatement of the 20th century. While they could be found singing about love or heartbreak, it was the group's primal needs that most often made themselves known through their songs. So let's talk lemons, rain, baked goods, cars (and of course women) with our list of 10 Led Zeppelin sex songs!
10/ 'The Wanton Song'
From 'Physical Graffiti' (1975)
Our first Led Zeppelin sex song is a little more subtle than many of the tracks we'll visit later on this list. Still, Robert Plant's sexual tension runs high between the song's guitar riff and drumbeat, and there's little room for interpretation left in lyrics like "Silent woman in the night, you came / Took my seed from my shaking frame... ”
9/ 'The Rain Song'
From: 'Case del Santo' (1973)
'The Rain Song' is probably one of Zeppelin's tenderest sex songs. The stately, slowly evolving, string-infused track finds its inspiration in Plant more poetically: "This is the spring of my love / The second season I must know. You're the sunshine in my growing up / So little warmth I have heard before"
8/ 'Sick again'
From: 'Physical Graffiti' (1975)
The vibe that runs through 'Sick Again' is slightly more sinister in nature. We begin with the lines "From the window of your rented limousine / I saw your beautiful blue eyes / One day soon you will reach sixteen / painted lady in the city of lies", our narrator's fantasies about the pleasures of the flesh are perhaps a little on the young people side of the fence.
7/ 'Strampled underfoot'
From: 'Physical Graffiti' (1975)
In a song absolutely full of innuendo, 'Tramped Underfoot' stars Plant in the role of a highly experienced automotive technician. He is determined to do a good job and give his client his money, offering "Come to me for a service every hundred miles. Honey, let me check your points, fix your overdrive."
6/ 'You hit me'
From: 'Led Zeppelin' (1969)
What this pearl of a Led Zeppelin sex song from their debut record lacks in lyrical diversity, it more than makes up for in innuendo. Based on a simple refrain of "You know you rocked me / You rocked me all night," it proves that sometimes the strongest messages are said in fewer words.
5/ 'Custard Pie'
From: 'Physical Graffiti' (1975)
Led Zeppelin may have gotten (a little) older by the time their sixth album hit shops, but their libidos were as rampant as ever, as evidenced here on these dessert-themed lyrics. “Your custard pie, yes, sweet and nice / When you cut it, Mama, leave me a slice.” Quite simple words that pack many double entendres, leaving the listener to the imagination.
4/ 'Candy Store Rock'
From: 'Presence' (1976)
The candy store featured in this rocker of one of Led Zeppelin's most under-appreciated records is no place for kids. With a chorus of "Oh baby..." running throughout the song, Plant's lyrics -- "I got a got got gooth when my mouth is full of you / I like your honey and they sure do like me / I my spoon inside your jar” -- ask a few questions about his motivations.
3/ 'The song of the lemon'
From: 'II' (1969)
Some might argue that this would have been better placed on our list of the group's heartbreak songs. But a famous line lands it on Led Zeppelin's list of sex songs. “Squeeze me baby, til the juice runs down my leg / The way you squeeze my lemon, I'll fall straight out of bed.” For the slow to absorb, rest assured no lemon was mishandled to make this song .
2/ 'Black dog'
From: 'IV' (1971)
This legendary song kicks off Led Zeppelin's fourth record with the promise to “make you sweat” and “make you groove” as they insist “…When you walk that way / See your honey dripping, you can't stay away.” Alla By the end of the track, Plant is singing a slightly different song after he finds out his woman is after his money above all else However, the guitar riff on this track alone speaks volumes more than any words can do.
1/ 'All so much love'
From: 'II' (1969)
From the opening bars that say "You need coolin' / Baby I'm not foolin'" to "Way down inside honey you need it" to the oh-it's-obvious-what's going on mid-song breakdown, it doesn't take a genius to understand what Plant is saying with this passage. Really, could that be any more blunt than promising "I'll give you every inch of my love"?
l'inizio di un epoca..
12 agosto 1968, 50 anni fa nascono i Led Zeppelin: la rivoluzione su una chitarra a dodici corde
John Paul Jones: "Abbiamo giocato insieme per la prima volta in una piccola stanza di Gerrard Street, una stanza nel seminterrato, che ora è Chinato C'erano solo amplificatori da parete a parete e uno spazio per la porta - e questo è tutto. Letteralmente, erano tutti che si guardavano - 'a cosa giochiamo? ' Io che facevo altre sessioni, non sapevo proprio niente. C'era un vecchio numero di Yardbirds chiamato Train Kept a Rolling... L'intera stanza è appena esplosa. " (1990 intervista)
Robert Plant: "Ricordo la stanzetta, tutto quello che ricordo era caldo e suonava bene - molto emozionante e molto impegnativo, perché sentivo che qualcosa stava succedendo a me e a tutti gli altri nella stanza. Sembrava di aver trovato qualcosa con cui dovevamo stare molto attenti perché potevamo perderlo, ma è stato notevole: il potere. ” (intervista del 1990)
Jimmy Page: "Alla fine sapevamo che stava succedendo davvero, davvero elettrizzante. Eccitante è la parola giusta. Siamo andati da lì per iniziare le prove per l'album. ” (intervista del 1990)
John Bonham: "Abbiamo fatto una bella giocata quel giorno ed è andata abbastanza bene. Anche la prima volta che abbiamo giocato insieme, c'è la sensazione quando si suona se sarà bello, ed è stato bello - davvero molto bello. Ma a quel tempo non avevo idea che avrebbe ottenuto ciò che ha avuto. ” (intervista febbraio 1972)
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LED ZEPPELIN, LA NASCITA DELLA BAND DURANTE IL TOUR SCANDINAVO
Il 7 settembre 1968 in un piccolo club di Gladsaxe, Danimarca, Jimmy Page saliva sul palco con tre ragazzi sconosciuti. Sarebbero diventati i Led Zeppelin
Il 7 settembre del 1968 prendeva realmente il via l'avventura dei Led Zeppelin con il tour scandinavo che in quel giorno partiva dal Gladsaxe Teen Club, in Danimarca.
I Led Zeppelin prima dei Led Zeppelin
Quando i Led Zeppelin si imbarcarono in quello che era il loro primo tour, il celebre tour scandinavo del 1968, erano i Led Zeppelin senza esserlo, allo stesso tempo.
Jimmy Page, Robert Plant, John Paul Jones e John Bonham erano sì impegnati per la prima volta insieme on the road ma le date furono il frutto degli impegni presi precedentemente da Page mentre era ancora il chitarrista dei Yardbirds.
Ed è così che quella che, di fatto, era una band nuova di zecca, si imbarcò per 12 date in Europa del Nord adottando, a seconda degli accordi, ora il nome di Yardbirds, ora di The New Yardbirds.
Ed è così che la formazione che avrebbe cambiato per sempre la storia del rock si presentò al Gladsaxe Teen Club, nei pressi della capitale danese di Copenhagen.
Una vera e propria prova sul campo che aiutò a cementare un rapporto che, seppure agli inizi, sembrava avere un'alchimia tutta particolare.
E pensare che alcuni dei fan accorsi a vedere lo spettacolo rimasero anche delusi da questi nuovi Yardbirds, visto che l'unico membro della formazione originale era proprio Page ma, questo non potevano saperlo, stavano assistendo al debutto live assoluto di una delle più grandi band della storia.
A vedere il concerto in quel locale ricavato all'interno della Egegard School nella periferia di Copenhagen c'erano poco più di un migliaio di ragazzi. Tra di loro anche alcuni fortunatissimi volontari che riuscirono ad assistere alle prove fatte per tutto il pomeriggio all'interno della scuola da quelli che sarebbero diventati i Led Zeppelin.
Bravi quanto i vecchi Yardbirds
Quello che è certo è che fu uno show davvero ad altissima temperatura, almeno a giudicare dalle foto delle serata e dal ricordo di John Paul Jones che, tra tutte le cose, ha in mente la quantità di sudore versato durante il concerto:"Come si capisce dalle foto faceva incredibilmente caldo e i vestiti che avevamo erano decisamente troppo caldi per la situazione, tanto è vero che me ne sono liberato poco dopo. Del resto nei Led Zeppelin nessuno diceva all'altro cosa avrebbe indossato e allora succedeva che tre si presentavano in jeans e felpa e uno in giacca e cravatta, è sempre stato così".
Il concerto venne pubblicizzato dal Teen Club Nyt, il giornale mensile del Gladsaxe Teen Club, il mese prima dell'evento e sulle stesse pagine Bent Larsen, che si occupava delle recensioni, avrebbe poi scritto: "Il gruppo inglese dei Yardbirds ha fatto le prove dello show per gran parte del pomeriggio e quindi, quando sono saliti sul palco, erano già riscaldati e pronti a dare il massimo. La loro performance è stata perfetta e la loro musica è rimasta nelle orecchie di tutti un bel po' di tempo dopo aver chiuso il sipario.
Voglio fare un elogio in particolare a Jimmy Page, che ha fatto un lavoro eccezionale con questi tre nuovi ragazzi. Sono andati alla grande e specialmente un assolo di Page ha provocato un enorme applauso. Possiamo quindi concludere che i nuovi Yardbirds sono bravi almeno quanto quelli vecchi".
ll ricordo di Jorgen Angel
Tra le figure fondamentali di quella serata, un ragazzo di nome Jorgen Angel, fotografo ufficiale del locale che si trovò al posto giusto nel momento giusto e riuscì ad immortalare l'incandescente esordio dal vivo dei Led Zeppelin usando la macchina fotografica di sua madre.
Per una sera la pellicola non si fece impressionare dagli scenari da vacanza estiva della signora ma da quattro ragazzi che impressionanti lo erano davvero, testimoniando uno dei momenti più importanti nella storia del rock.
"Ero esaltato all'idea di fotografare i Yardbirds ma quando qualcuno mi ha chiesto se andassero pubblicizzati come The Yardbirds o The New Yardbirds mi sono insospettito" - ha detto Angel in un'intervista - "Prima ancora che arrivasse il giorno del concerto ero deluso, mi aspettavo fosse una truffa, mi sarei trovato uno dei Yarbirds e tre sconosciuti".
La delusione del giovane fotografo, però, fu spazzata via dalle prime note dei futuri Led Zeppelin: "Ricordo che fu un grande show, anche se all'inizio eravamo tutti un po' dubbiosi, anche perché era tutto così diverso da quello a cui eravamo abituati. Non si trattava di una band che stava lì e suonava, erano tutti molto estroversi. Scattai delle foto ma, purtroppo, la pellicola si è danneggiata nel corso degli anni. Per farle utilizzai la macchina fotografica che mia madre usava in vacanza e il vecchio flash di mio padre, perché sul palco non c'erano riflettori ad aiutarmi".
Nonostante i dubbi iniziali, Jorgen fu stregato da quei quattro fenomeni e da allora è rimasto fan della band che, solo un anno dopo, riuscì a scattare nuovamente sempre al Gladsaxe entrando anche nel camerino.
Quella volta il nome in cartellone non lasciava spazio a dubbi, si trattava dei Led Zeppelin.
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Quei riccioli biondi che lo rendono simile a un angelo, quando in realtà in corpo ha il diavolo. L'aria svagata e persino un po' timida. "La so" pronuncia un giovanissimo Robert Plant nel buio di un umido scantinato di Gerrard Street, a Londra. La domanda l'ha fatta Jimmy Page, il chitarrista degli ormai disciolti Yardbirds. Page – che ama lavorare con la dodici corde – si sta arrovellando alla ricerca di un gruppo, di un super-gruppo. Per questo ha cercato inutilmente di saccheggiare l'intera sezione ritmica dei The Who, ma l'operazione non gli è riuscita. Jimmy sente il prurito mordergli le dita, sa di avere talento, sa anche che il momento è quello giusto. È il 12 agosto 1968, un giorno ideale per organizzare la rivoluzione. Senza Yardbirds, orfano di Jeff Beck che li aveva mollati già da un pezzo, con i suoi ex soci decisi a pettinar le bambole con le morbidezze acustiche dei neonati Renaissance, Page è letteralmente alle corde. "Chi conosce Train Kept A-Rollin'?".
Quel 12 agosto 1968 il vento londinese cambia. Per sempre. Nello scantinato arriva un tizio, il cantante degli Hobbstweedle e della Band of Joy. Brutto segno. Non si canta in due gruppi diversi se sei uno davvero forte. Lo chiamano "Bob" e ha quei riccioli biondi che sembra un angelo, ma un angelo non è. Manco per niente. "Io, io conosco Train Kept A-Rollin', se vuoi la facciamo". Robert Plant si è portato dietro il batterista del suo gruppo, un energumeno: John "Bonzo" Bonham. Il classico tizio che quando è costretto a vivere, a vivere senza bacchette, batte le mani su qualsiasi oggetto si trovi a tiro. "Siamo in tre" pensa sir James Patrick Page. Manca quel cavolo di basso. "Lo suonerei io, se potessi, visto che negli Yardbirds l'ho fatto per un fracco di tempo…". Ma la sua fissazione è la dodici corde, non c'è spazio per tornare indietro. Dodici corde il 12 agosto, un segno.
Toc toc. Qualcuno bussa nel seminterrato di quel negozio di dischi in Gerrard Street. Il suo nome è John Paul Jones, ventidue anni appena e già uno dei turnisti preferiti dalle sale di registrazione londinesi. Suona la tastiera, il basso, suona tutto. "È qui che state organizzando i nuovi Yardbirds?". "Più o meno" risponde Page. "Ma non ci chiameremo The New Yardbirds". Be', ovvio.
Slash a me piace tantissimo...ho ancora negli occhi tante delle sue esibizioni, soprattutto quando Michael Jackson8che porto nel cuore da sempre)
lo volle per suonare ad un suo concerto e per cortometraggi MTV..
ma Slash mi piace perchè ha preso una chitarra in mano dopo aver sentito una "certa canzone"
Parlando con Music Radar nel 2014, Slash ha scelto l'iconico album del 1969 dei Rolling Stones Let It Bleed come uno dei suoi preferiti. "
Ma...Più o meno nello stesso periodo, i Led Zeppelin iniziarono a stuzzicare l'appetito di Slash per il rock and roll più pesante. Una delle canzoni della band britannica ha avuto un effetto particolarmente potente sul giovane.
"C'è una canzone che, anche prima che arrivasse il disco dei Rocks Aerosmith, ha sicuramente avuto una grande influenza [su di me]", ha detto Slash, scegliendo la canzone che ha cambiato la sua vita durante un'apparizione del 2019 alla radio in diretta (resa disponibile da Raised in Radio). “Voglio dire, non avevo alcuna aspirazione a diventare un musicista. Ma ho davvero amato la musica per tutta la mia infanzia”.
Quindi ne sono stato davvero attratto e mi è piaciuto tirare fuori i dischi, metterli su, ascoltarli", ha aggiunto. “Penso di poter nominare i dischi classici che [mi piacevano] quando ero bambino. Ma uno che ha avuto davvero un impatto su di me è stato il disco degli Zeppelin II. La canzone che significa di più per me perché ha avuto un tale impatto su di me è "Whole Lotta Love".
Continuando, Slash ha spiegato che la canzone ha continuato a ispirarlo quando successivamente ha preso in mano la chitarra. "Penso che in qualche modo parli di una cosa subliminale che più tardi, quando ho iniziato a suonare la chitarra [era] ciò da cui ero attratto", ha aggiunto. "Quindi molta della musica che mi piaceva da bambino, senza mai aver pensato che suonare la chitarra si è rivelata in seguito avere una grande influenza su di me."
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Tutte le canzoni di John Bonham nella carriera dei Led Zeppelin
Quando viene menzionato il nome Led Zeppelin, le associazioni immediate sono spesso con la voce imponente di Robert Plant e la magia virtuosistica della chitarra di Jimmy Page. Tuttavia, dietro i ritmi fragorosi della loro musica leggendaria si nasconde il compianto John Bonham, un batterista ampiamente considerato come uno dei migliori al mondo. Sebbene scrivere canzoni non fosse la sua attività principale, l'influenza di Bonham si estendeva oltre la sua batteria.
Il cantautore non convenzionale
Il viaggio di scrittura di canzoni di John Bonham all'interno dei Led Zeppelin era tutt'altro che convenzionale. A differenza dei suoi compagni di band che si sono impegnati a scrivere testi e melodie, i contributi di Bonham sono stati distinti. Non canalizzava le sue idee attraverso carta e penna; piuttosto, ha fornito una presenza ispiratrice in studio che ha acceso il fuoco creativo tra i suoi colleghi musicisti. Il suo ruolo di catalizzatore di idee è stato essenziale, plasmando l'essenza delle canzoni in modi che andavano oltre la scrittura tradizionale.
Il primo assaggio dell'impatto compositivo di Bonham è emerso con "Good Times, Bad Times", il brano di apertura dell'album di debutto dei Led Zeppelin. Questa traccia, attribuita a tutti i membri della band tranne Robert Plant, è iniziata con un riff guidato da John Paul Jones al basso, che è stato ulteriormente elevato dall'innovativo pattern di grancassa di Bonham. Jimmy Page ha ricordato: "Tutti scommettevano che Bonzo stesse usando due grancasse, ma ne aveva solo una". Questa svolta inaspettata incapsula perfettamente la capacità di Bonham di infondere unicità nell'identità sonora dei Led Zeppelin.
A Night Out ispira un classico
"Out on the Tiles", dal terzo album della band, rappresenta un'altra testimonianza del contributo involontario di Bonham alla scrittura di canzoni. La frase stessa è nata da una conversazione casuale su una serata fuori. L'accenno di Bonham al suo piano di "uscire sulle piastrelle" ha fatto scattare un'idea nella mente di Jimmy Page. In un gesto di apprezzamento, il batterista è stato accreditato come uno degli autori della canzone. Questa istanza sottolinea il ruolo di Bonham nello stimolare la creatività anche negli scambi più banali.
The Signature Groove And Beyond
L'essenza creativa di Bonham era forse più pronunciata in "Moby Dick", una traccia che mostrava il suo monumentale assolo di batteria. La canzone ruotava attorno al suo caratteristico stile di batteria e gli ha permesso di mostrare la sua genialità al pubblico dal vivo. Nei concerti, la canzone si trasformava in un'elettrizzante esibizione del suo virtuosismo. Allo stesso modo, "Kashmir", un brano amato sia da Robert Plant che da Jimmy Page, è nato dalla collaborazione di Bonham con Page. L'inquietante intensità della canzone è stata il risultato della loro collaborazione in un ambiente in cui erano presenti solo Bonham e Page.
Mentre i contributi di John Bonham alla discografia dei Led Zeppelin potrebbero non aderire ai ruoli convenzionali di songwriter, il suo impatto su brani come "Moby Dick", "Kashmir", "Good Times, Bad Times" e "Out on the Tiles" rimane innegabile. È stato un architetto cruciale del suono della band, contribuendo con idee che hanno modellato le tracce nelle loro forme finali. Il suo approccio unico alla creazione di canzoni ha ulteriormente consolidato la sua eredità come parte indispensabile del successo dei Led Zeppelin.
Canzoni dei Led Zeppelin scritte da John Bonham:
Moby Dick'
'Kashmir'
'Bei tempi, brutti tempi'
'Out on the Tiles'
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Per milioni di persone, il defunto ex batterista dei Led Zeppelin John Bonham è stato il migliore al mondo nel suo mestiere. Tuttavia, scrivere canzoni era un'occupazione completamente diversa, ed era un'abilità che non era mai stata naturale per Bonham, che preferiva sedersi dietro la sua batteria lasciando i compiti di scrittura ai suoi talentuosi compagni di band.
Bonham non era un cantautore nato, ma gli è stato attribuito il merito di aver scritto una selezione di brani per i Led Zeppelin, ed era anche un buon cantante. Tuttavia, non era perché si stava allontanando con carta e penna. Invece, è stata in gran parte la sua presenza ispiratrice in studio, e senza che il batterista ci provasse, ha fornito il nucleo di un'idea per una canzone con cui i suoi compagni di band hanno suonato.
La prima volta che Bonham ha ricevuto un credito di scrittura per i Led Zeppelin è stato sulla traccia di apertura del loro omonimo album di debutto. "Good Times, Bad Times" è accreditato a tutti i membri della band tranne il frontman Robert Plant.
Page ha raccontato alla BBC la genesi della canzone: "'Good Times, Bad Times', come al solito, è uscito da un riff con una grande quantità di John Paul Jones al basso, e ha davvero sbalordito tutti quando hanno sentito il pattern della grancassa , perché penso che tutti scommettessero sul fatto che Bonzo stesse usando due grancasse, ma ne aveva solo una.
Un altro contributo alla scrittura di canzoni alla band è stato "Out on the Tiles" dal terzo album della band. La frase nel titolo del brano fa riferimento a una serata fuori, e quando Bonham ha discusso il suo piano di "uscire sulle piastrelle", ha acceso un'idea nella mente di Page. Come ringraziamento, il batterista è stato indicato come uno degli autori.
Bonham è stato anche indicato come uno degli architetti di "Moby Dick" da Led Zeppelin II del 1969, la sua canzone d'autore. La traccia è costruita attorno al suo potente assolo di batteria e durante i concerti gli ha permesso di mostrare la sua genialità al pubblico pagante. Una volta, durante un'esibizione alla Royal Albert Hall, Bonham suonò una versione estesa di 15 minuti del mostruoso successo rock.
Infine, Bonham è stato nominato come uno degli autori di "Kashmir", il brano che Plant considera la sua creazione preferita dei Led Zeppelin. Nel frattempo, Page ha detto della creazione della canzone: "L'intensità di 'Kashmir' era tale che quando l'abbiamo completata, sapevamo che c'era qualcosa di veramente ipnotico in essa, non potevamo nemmeno descrivere una tale qualità".
Ha aggiunto: “All'inizio, eravamo solo io e Bonzo [il batterista John Bonham] negli Headley Grange. Ha suonato il ritmo alla batteria, e ho trovato il riff così come le sovraincisioni che sono state successivamente duplicate da un'orchestra, per dare più vita alla traccia. All'inizio sembrava così spaventoso”.
I quattro contributi cantautori di Bonham alla discografia dei Led Zeppelin non si adatterebbero alla descrizione tradizionale di un paroliere, è stato fondamentale per la creazione di ciascuna delle tracce sopra menzionate e senza di lui non esisterebbero nella loro forma attuale.
Le canzoni che John Bonham ha scritto per i Led Zeppelin:
'Moby Dick'
'Kashmir'
'Good Times, Bad Times'
'Out on the Tiles'
https://jhapalitimes.com/the-songs-john-bonham-wrote-for-led-zeppelin/?fbclid=IwAR3_hc9UcfNyW6Up5Aoq0apDKWdnTxgkDZzJkkvf0yfqRRj4S8BRXxRLs9Q
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https://americansongwriter.com/the-story-behind-thank-you-by-led-zeppelin/?utm_campaign=Songwriter_news&fbclid=IwAR07HU3vv7XfcGqyHGIi3cYqA1Fe7MmMv2gWWHdikh4COctjwHSflbLDwok
Se chiedi agli appassionati di musica qual è la prima band che ti viene in mente quando vengono menzionate le parole "hard rock", è probabile che Led Zeppelin sia il nome che appare di più. Eppure il loro catalogo ha dimostrato più volte che il quartetto composto da Robert Plant, Jimmy Page, John Paul Jones e John Bonham poteva fare molto di più. “Thank You” ne è la prova lampante.
Ma come è nata questa canzone? Chi avrebbe dovuto essere il destinatario di tutta quella gratitudine? E come è riuscita la band a mettere insieme una canzone così delicata nel bel mezzo di un periodo particolarmente frenetico della loro carriera? Continua a leggere per scoprire tutti i dettagli su questa ballata iconica.
https://americansongwriter.com/the-story-behind-thank.../...
I Led Zep lo ripropongono
L'album di debutto dei Led Zeppelin, pubblicato nel gennaio 1969, si rivelò un enorme successo e rimane ancora uno dei primi album più venerati nella storia del rock. Ciò che è sorprendente è la rapidità con cui si è riunito. Quando il chitarrista Jimmy Page ereditò gli obblighi contrattuali degli Yardbirds in seguito all'implosione del gruppo, assunse rapidamente John Paul Jones, come Page, un veterano delle session, come bassista per una nuova band. Quando le sue prime scelte come cantante e batterista diminuirono, per quei ruoli approdò al duo relativamente sconosciuto formato da Robert Plant e John Bonham.
La prima prova del gruppo avvenne nell'agosto del 1968, il che significa che trascorsero solo cinque mesi da quando i quattro uomini si incontrarono e quando sconvolsero il mondo come Led Zeppelin (nome presumibilmente ispirato dalla valutazione di John Entwistle degli Who su come sarebbe diventata una band del genere). finito.) Potresti pensare che il successo avrebbe fatto guadagnare loro un po' di tempo per l'album n. 2. Invece, la Atlantic Records, avvertendo una mucca da mungere, insistette per un altro album entro l'anno, anche se la band era prenotata per tour su entrambe le parti. dell'oceano.
Quindi, Led Zeppelin II è stato registrato in modo frammentario, la band si è presa del tempo in vari studi remoti ogni volta che avevano una piccola pausa nel programma del tour. Forse perché avevano bisogno di mettere insieme del materiale e non potevano essere troppo esigenti nel decidere se si adattava alle aspettative dei fan che amavano il primo album, impegnativo, il seguito è stato un affare molto più vario in termini di tempi e stati d'animo. predecessore.
Nel caso di "Thank You", la canzone fu registrata nel giugno 1969 ai Morgan Studios di Londra. Per darvi un'idea della diversità della band, hanno anche registrato, nello stesso momento e in studio, la rocker senza fiato “Livin' Lovin' Maid (She's Just a Woman).” Questa era una band che operava con l'energia della giovinezza e il virtuosismo dei veterani, quindi nulla sembrava fuori dalla loro portata, anche con un programma così frenetico.
Quando i Led Zeppelin II arrivarono sugli scaffali nell'ottobre del 1969, l'accoglienza fu ancora più entusiastica di quella del primo album. Non dai critici, sia chiaro, che impiegherebbero un tempo terribilmente lungo prima di apprezzare ciò che Zep potrebbe fare. Ma i fan sapevano che l'album era in cima alle classifiche sia negli Stati Uniti che nel Regno Unito. Tra tutti i colossali rocker dell'album come "Whole Lotta Love" e "Heartbreaker", è stata "Thank You", che ha chiuso il lato 1, a rivelarsi il cuore sentimentale dell'album.
Chi stavano ringraziando?
"Thank You" è stata una delle canzoni dei Led Zeppelin II che ha mostrato il crescente talento di Robert Plant nella scrittura di testi. È facile dimenticare che Plant aveva solo 20 anni quando gli Zep registrarono i loro primi due album, il più giovane del gruppo. Eppure Page, che generalmente componeva la maggior parte della musica per Zep, soprattutto nei primi tempi, si affidò subito a Plant per trovare le parole per i pezzi sorprendenti e spesso complessi di Page.
Per quanto riguarda l'ispirazione per "Grazie", in realtà è semplice. Plant stava scrivendo di Maureen Wilson, che aveva sposato nel 1968, non molto tempo dopo la creazione dei Led Zeppelin. La coppia aveva anche una figlia in quel periodo, quindi è naturale che Plant volesse raggiungere attraverso la canzone la sua nuova moglie, considerando tutto il tempo che trascorreva lontano da lei e dalla loro nuova famiglia mentre era in viaggio.
È così che Plant canta di un amore che può sopportare qualsiasi tipo di calamità, compresi soli oscuri e montagne fatiscenti. C'è anche un tocco spensierato che aggiunge quando canta i livelli del suo impegno: Gentile donna, ti do tutto ciò che ho / Gentile donna, niente di più . Alcune frasi danno alla loro unione anche la sensazione di qualcosa che è stato ordinato da un potere superiore: E grazie a te tutto sarà fatto .
Nel ritornello, che presenta alcune rare armonie dei Led Zep, Plant lascia cadere alcune immagini adorabili che parlano dei problemi che possono capitare anche alle relazioni più forti: Piccole gocce di pioggia sussurrano il dolore/Lacrime d'amore perdute nei giorni passati . Ma alla fine prevale il vero amore: insieme andremo finché moriremo, mio, mio, mio ...
Anche se il testo potrebbe far sembrare "Thank You" una tipica ballata d'amore, i Led Zeppelin erano semplicemente troppo irrequieti dal punto di vista musicale per far sembrare qualcosa di routine. La canzone è una vetrina per la florida parte d'organo di Jones, ma tutti e tre gli strumentisti ottengono ciò che meritano nell'emozionante sezione strumentale, poiché l'organo, la chitarra acustica di Page e la batteria di Bonham sembrano andare per la loro strada a volte solo per essere coerenti con un tempismo inquietante. Non male l'alchimia per una band che a quel punto non era insieme nemmeno da un anno.
Anche la voce di Plant è una meraviglia, a volte delicata e tenera, a volte lamentosa verso il cielo. "Thank You" è una delle tante canzoni dei Led Zeppelin in cui il titolo non si trova nel testo. Ma la gratitudine è evidente in ogni nota cantata e suonata, a dimostrazione che gli hard rocker per eccellenza possono essere anche dei softies abbastanza convincenti.
https://youtu.be/12KbOAc8vmk
https://americansongwriter.com/the-story-behind-thank.../...
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https://ledzepnews.com/2023/08/07/the-intricate-global-network-of-companies-behind-led-zeppelins-1977-us-tour/?utm_source=substack&utm_medium=email&fbclid=IwAR3mjnQtWZLj0SQabVJExW7mHC3UqO1l_iGSzzvH3QkVsn7rZCFaFJIx6pk
Il genio finanziario dei Led Zeppelin
Gli esami approfonditi dei trattati fiscali internazionali sono ben lontani da argomenti come la musica rock e gli eccessi dietro le quinte che in genere emergono quando coprono i Led Zeppelin, ma l'uso da parte della band di questa innovativa rete fiscale globale mette in mostra il genio finanziario dietro il gruppo.
Grant, il manager della band, è stato un pioniere nella sua capacità di negoziare un incasso del 90% degli incassi per i concerti. E con l'uso da parte della band di S&L e di molteplici attività in tutto il mondo, è chiaro che Grant e la band avevano buone ragioni per elencare quell'oscura attività olandese negli annunci sui giornali e sui biglietti degli spettacoli.
...procediamo con ordine..
1)L'intricata rete globale di aziende dietro il tour americano del 1977 dei Led Zeppelin
Cosa lega i Led Zeppelin, l'isola caraibica di Curaçao, Laurence Olivier, l'amante gangster della principessa Margaret e un misterioso residente svizzero noto solo come "H"?
Il collegamento è S&L Entertainment Enterprises BV, una società olandese che si trovava al centro di un'intricata rete globale di aziende utilizzate dai Led Zeppelin per ridurre al minimo le tasse pagate sui proventi della vendita dei biglietti per il tour americano del 1977 della band.
LedZepNews ha esaminato documenti legali, elenchi di società, registrazioni di diritti d'autore e anni di annunci sui giornali e ha anche parlato con un esperto fiscale internazionale per mettere insieme questo sguardo dettagliato al modo geniale in cui i Led Zeppelin hanno ridotto al minimo l'impatto fiscale degli Stati Uniti sul tour del 1977 della band.
L'incasso dei biglietti del tour negli Stati Uniti del 1977 è stato incanalato attraverso i Paesi Bassi, un'isola caraibica e la Svizzera. Questa intricata struttura globale mette in mostra i complessi rapporti finanziari della band. Ciò che è più impressionante è il fatto che i Led Zeppelin e i Bad Company abbiano convinto il governo degli Stati Uniti ad approvare la struttura, una decisione fondamentale che nessun'altra band ha cercato dopo i tour statunitensi del 1977 delle due band.
Non vi è alcun suggerimento di illegalità da parte dei Led Zeppelin o delle persone che hanno creato e gestito questa complessa struttura. In effetti, come discusso di seguito, S&L ha prevalso in una causa fiscale statunitense del 1980 contro il governo degli Stati Uniti con l'aiuto del suo testimone principale, Laurence Olivier.
La nostra indagine solleva interrogativi intriganti. Chi è "H", il residente svizzero che alla fine controllava la struttura societaria di S&L? Come è arrivato Olivier, un attore leggendario, a lavorare con le compagnie? E quanti soldi scorrevano attraverso la rete se l'avvocato che rappresentava S&L contro il governo degli Stati Uniti riceveva 1,25 milioni di dollari in spese legali nel 1980?
È probabile che molti fan dei Led Zeppelin, in particolare quelli che hanno acquistato i biglietti per gli spettacoli della band negli Stati Uniti, abbiano visto menzioni di S&L Entertainment Enterprises BV.
Quando la band pubblicò un annuncio a tutta pagina sul New York Times il 17 aprile 1977 per promuovere i prossimi spettacoli di giugno al Madison Square Garden, le prime parole trovate in cima all'annuncio furono: "S&L Entertainment Enterprises BV in associazione con Jerry Weintraub e Concerts West presenta”.
Menzioni simili della compagnia si trovano negli annunci del tour dei Led Zeppelin pubblicati sul Los Angeles Times nel gennaio e febbraio 1977. Peter Grant, il manager dei Led Zeppelin, ha utilizzato la stessa struttura per la band Bad Company, che ha anche gestito. Gli annunci sui giornali per il tour negli Stati Uniti del 1977 di Bad Company hanno la stessa dicitura.
E la struttura apparentemente ha funzionato così bene che doveva essere riutilizzata per il tour americano del 1980 dei Led Zeppelin, che alla fine è stato cancellato. Gli annunci sui giornali per quegli spettacoli presentavano ancora una volta menzioni di S&L e il nome della compagnia era stampato su più biglietti.
Come funzionava la struttura S&L
Perché i Led Zeppelin dovrebbero controllare il nome di un'oscura compagnia olandese nelle pubblicità dei suoi tour e sui biglietti per i suoi spettacoli? La risposta più semplice è perché questa attività era l'estremità visibile di una struttura aziendale globale utilizzata per ridurre al minimo le tasse pagate sugli incassi dei tour negli Stati Uniti della band.
La struttura ha funzionato firmando i membri dei Led Zeppelin e Grant come dipendenti di S&L Entertainment Enterprises BV, un'azienda olandese controllata da una sede a Ginevra. Poiché la società non aveva alcuna presenza negli Stati Uniti, parte dei guadagni del tour dei Led Zeppelin erano esenti dall'imposta federale sul reddito.
In effetti, i Led Zeppelin erano diventati dipendenti di una società straniera che faceva affari negli Stati Uniti, trasformando una percentuale dei ricavi dei biglietti della band in profitti generati da S&L, tenendoli fuori dalla portata del governo degli Stati Uniti.
Una volta che la percentuale delle entrate dei Led Zeppelin è stata inviata alla banca olandese di S&L a Rotterdam, ha intrapreso un viaggio globale accuratamente realizzato per trarre vantaggio da vari trattati di imposta sul reddito.
S&L Entertainment Enterprises BV era di proprietà di un'altra società, S&L Entertainment Investors NV, che aveva sede in un piccolo edificio per uffici a un piano all'angolo di una strada a Willemstad, la capitale di Curaçao, un'isola caraibica.
All'epoca Curaçao faceva parte delle Antille olandesi, a sua volta parte del Regno dei Paesi Bassi. Questa cosiddetta rotta delle Antille all'epoca stava rapidamente diventando un modo privilegiato per ridurre al minimo le tasse statunitensi.
L'invio di questa parte delle entrate del tour del 1977 dei Led Zeppelin dall'attività olandese a Curaçao attraverso un dividendo ha significato che la band ha evitato di pagare la ritenuta d'acconto olandese sul denaro mentre passava attraverso i Paesi Bassi. E il reddito del tour probabilmente ha evitato l'imposta sulle società olandese destinando la maggior parte del reddito all'ufficio svizzero della società.
Ora che il denaro era nei Caraibi, doveva tornare in Europa. Per fare ciò, l'attività di Curaçao era di proprietà di una fondazione con sede in una banca svizzera a Ginevra, consentendo al denaro di rifluire nel sistema bancario europeo senza toccare le autorità fiscali statunitensi.
L'elaborata rete di compagnie utilizzate dai Led Zeppelin nel 1977 era più intricata di strutture simili utilizzate da altre band in tournée negli Stati Uniti all'epoca. Abbiamo parlato con Ross Macdonald, un esperto fiscale internazionale che ora lavora presso lo studio legale di New York Lopez & Wardle LLP.
Macdonald ha coperto la rete fiscale dei Led Zeppelin in una nota a piè di pagina di un articolo del 2016 pubblicato su The Tax Lawyer , una rivista di diritto tributario. All'inizio della sua carriera, Macdonald ha lavorato in uno studio legale che ha aiutato altri gruppi rock a ridurre al minimo le entrate dei tour negli Stati Uniti. Non era coinvolto né era a conoscenza della struttura fiscale dei Led Zeppelin. Secondo Macdonald, la struttura dei Led Zeppelin era "piuttosto elaborata per l'epoca".
"Molti gruppi in genere costituivano una società nelle Isole Vergini britanniche, che a quel tempo avevano un trattato sull'imposta sul reddito con gli Stati Uniti, per ridurre al minimo la tassa statunitense derivante dai loro tour", afferma.
La sentenza del governo degli Stati Uniti
La direzione dei Led Zeppelin ha fatto un ulteriore passo avanti convincendo il governo degli Stati Uniti a firmare il tour proposto e concordare in una sentenza che una parte delle entrate del tour negli Stati Uniti del 1977 della band fosse esente da tasse statunitensi.
Il 10 dicembre 1976, mentre la band pianificava il tour tentacolare dell'anno successivo, i suoi avvocati scrissero all'Internal Revenue Service (IRS) per delineare il tour proposto e le sue disposizioni contrattuali, richiedendo una sentenza di lettera privata (PLR).
Questi documenti sono spiegazioni scritte di come le norme fiscali statunitensi si applicano agli accordi spesso complessi di qualcuno, fornendo chiarezza al destinatario e creando un accordo vincolante tra l'IRS e il destinatario.
Macdonald ha fornito a LedZepNews una copia della sentenza della lettera privata dei Led Zeppelin, originariamente pubblicata in forma anonima ma con dettagli sufficienti per consentirne il collegamento alla struttura adottata per il proposto tour negli Stati Uniti del 1977.
Il documento, emesso l'8 agosto 1977 dopo il tour, percorre la struttura aziendale, fornendo un interessante frammento di informazioni sulla persona che controllava la fondazione svizzera, che l'IRS scrive essere stata "istituita da H, un cittadino svizzero e residente, a beneficio di H e dei membri della famiglia di H, nessuno dei quali è residente o cittadino degli Stati Uniti."
La sentenza continua, spiegando che "il corrispettivo ricevuto da [S&L Entertainment] sarà un importo fisso più un importo aggiuntivo basato sulle vendite di biglietti superiori a un numero designato".
La lettera di quattro pagine entra nei dettagli sull'impatto della struttura proposta, ma può essere riassunta nella frase seguente: “L'articolo III, paragrafo (1), della Convenzione [USA-Paesi Bassi] prevede, in parte, che i profitti industriali o commerciali di un'impresa dei Paesi Bassi siano esenti da imposta da parte degli Stati Uniti a meno che l'impresa non abbia una stabile organizzazione negli Stati Uniti.
Abbastanza sicuro, S&L Entertainment Enterprises non aveva una stabile organizzazione negli Stati Uniti, il che significa che il reddito guadagnato dall'azienda era esente dall'imposta federale sul reddito degli Stati Uniti.
La decisione di S&L di richiedere questa sentenza per lettera privata all'IRS era insolita per l'epoca, secondo Macdonald. "Non era una pratica standard richiedere un PLR", afferma. "Ciò implica che stavano prendendo consigli da uno studio legale britannico o statunitense molto conservatore".
La natura complessa della struttura indica ulteriormente la natura sofisticata della consulenza legale ricevuta dalla band, spiega Macdonald.
In effetti, i Led Zeppelin sono stati dei pionieri. "Questo PLR (e quello per Bad Company) sono gli unici due PLR mai richiesti e ricevuti da gruppi rock in tournée", afferma Macdonald.
L'incidente di Day on the Green
L'uso di questa struttura da parte dei Led Zeppelin significava che, in effetti, la band e S&L erano la stessa cosa durante il tour negli Stati Uniti del 1977. Erano così strettamente legati che quando è stata avviata una causa legale contro la band per violenze nel backstage durante il tour, il primo imputato elencato è stato S&L Entertainment Enterprises. La documentazione legale affermava che l'imputato all'epoca faceva affari come Led Zeppelin.
Il 24 luglio 1977 si rivelò sia la data finale del tour che l'ultima esibizione dei Led Zeppelin negli Stati Uniti. Il giorno precedente, la band ha suonato al festival Day on the Green a Oakland, in California, quando è scoppiata la violenza nel backstage.
Led Zeppelin - Oakland 1977 (8mm
Il primo incidente si è verificato quando il capo della troupe teatrale del festival Jim Downey è stato presumibilmente aggredito e messo fuori combattimento dalla guardia del corpo dei Led Zeppelin John Bindon, un gangster e attore londinese che si presume abbia avuto una relazione con la principessa Margaret.
Tuttavia, quella non era la fine della violenza della giornata. Poco dopo, Jim Matzorkis, una guardia di sicurezza al festival, avrebbe aggredito il figlio di 11 anni di Grant, Warren, dopo averlo visto rimuovere un'insegna del camerino. John Bonham ha affermato di aver assistito al presunto assalto e ha attaccato Matzorkis.
Quando la notizia dell'incidente raggiunse Grant, lui e Bindon si diressero verso la roulotte che fungeva da camerino. Lungo la strada, il tour manager Richard Cole avrebbe attaccato il direttore di produzione del festival Bob Barsotti con un tubo di piombo da quattro pollici. Grant e Bindon avrebbero quindi attaccato la guardia di sicurezza mentre Cole faceva la guardia fuori dalla roulotte. Grant, Bindon, Bonham e Cole sono stati tutti arrestati per l'incidente.
Downey, Matzorkis e Barsotti hanno intentato una causa contro S&L, Bonham, Grant, Cole e Bindon chiedendo $ 2 milioni di danni punitivi per l'incidente. In dichiarazioni giurate fatte nel 1978, Cole e Bindon hanno negato di essere dipendenti dell'azienda olandese.
“Desidero con la presente informare questa Corte che in nessun momento sono stato un principale, dipendente o agente di S&L in alcun modo autorizzato ad agire per suo conto”, si legge nelle dichiarazioni giurate pubblicate sul forum Royal Orleans by manhattan72 .
"Mi è stato detto che S&L è una società indipendente che impiega molti artisti e artisti in tutto il mondo", continuano i documenti. "Personalmente non ho avuto alcun coinvolgimento con S&L né come dipendente, agente, appaltatore indipendente o altro."
Le affermazioni di Cole e Bindon secondo cui non hanno lavorato per S&L hanno senso. La sentenza della lettera privata emessa dall'IRS chiarisce che solo i membri della band e il loro manager dovevano essere assunti da S&L.
Gruppi rock, un suonatore di flauto e un autore di thriller
Gli affidavit del 1978 suggeriscono che non erano solo i Led Zeppelin e la Bad Company a usare la struttura aziendale S&L. La ricerca condotta da LedZepNews rivela per la prima volta l'eclettica miscela di intrattenitori del Regno Unito i cui guadagni passavano attraverso S&L.
Il nome più riconoscibile è Laurence Olivier, un attore leggendario che verso la fine della sua carriera si è dedicato a recitare in film come "The Jazz Singer", "Inchon" e "The Bounty" per provvedere alla sua famiglia. Gli onorari di Olivier dagli studi di Hollywood sono stati pagati non direttamente a lui ma a S&L, riducendo al minimo le tasse che ha pagato sul suo reddito.
“Sono un attore professionista. Vengo impiegato. Se scelgono di assumermi alla MGM, lo fanno e io rispondo alla chiamata", ha spiegato Olivier quando ha testimoniato per conto di S&L a New York il 7 febbraio 1980, secondo i documenti citati da Terry Coleman nel suo libro del 2005 " Olivier: La biografia autorizzata”.
"La cosa peggiore che può capitare a loro [S&L] è che dovrebbero andare in bancarotta, quindi ancora una volta verrei trascinato sulla spiaggia e sarei oggetto di ogni vento che soffia", ha aggiunto Olivier.
S&L sembra essere stato utilizzato anche per la pubblicazione di libri e opere teatrali negli Stati Uniti, dando agli autori un modo per ridurre al minimo le tasse sui loro diritti d'autore. Il nome dell'azienda appare come proprietario del copyright nelle copie di “An Autobiography” pubblicato nel 1978 dal famoso flautista irlandese James Galway, noto come “L'uomo dal flauto d'oro”.
S&L appare di nuovo come detentore del copyright di "Murder In Mind", un'opera teatrale pubblicata da Terence Feely nel 1982. E quando l'autore Jack Higgins, entusiasta del successo del suo thriller di spionaggio del 1975 "The Eagle Has Landed", ha ripubblicato il suo libro del 1964 "Thunder at Noon" con il nuovo titolo "Dillinger" nel 1983, era S&L che ne deteneva il copyright insieme a lui.
S&L contro Stati Uniti
L'identità delle persone dietro S&L rimane incerta, ma sappiamo che hanno deciso di andare in tribunale contro il governo degli Stati Uniti nel 1980 dopo aver contestato una decisione dell'IRS di trattenere $ 836.352 di tasse per l'anno fiscale che terminava il 30 aprile, 1978.
Per argomentare contro il governo degli Stati Uniti, S&L ha assunto lo studio legale Burt & Taylor. Dan Burt, uno dei soci dello studio, ha ricordato il caso nel suo libro del 2022 “Every Wrong Direction: An Emigré's Memoir”.
Nel suo libro, Burt definisce S&L "l'apparente datore di lavoro di una scuderia di intrattenimento che include gli attori Lawrence [sic] Olivier e Jack Higgins e i gruppi rock Led Zeppelin e Bad Company".
Burt ricorda nel libro che la commissione di successo per il caso era di $ 1,25 milioni, una somma considerevolmente maggiore degli $ 836.352 di tasse trattenute dall'IRS nel 1978. anni fuori dalla portata del governo degli Stati Uniti.
Burt, ora poeta e scrittore, si è rifiutato di approfondire il suo lavoro con S&L quando è stato contattato via e-mail da LedZepNews. Ha anche rifiutato di confermare che la società per cui ha agito fosse la stessa azienda olandese coinvolta con i Led Zeppelin.
Per aiutare la sua causa contro il governo degli Stati Uniti, S&L ha arruolato Olivier per fornire prove che hanno portato ai suoi commenti del febbraio 1980 sull'attività quando è stato intervistato da avvocati che agivano per conto del Dipartimento di giustizia degli Stati Uniti e poi S&L.
“Lui e i due avvocati che lo hanno interrogato si sono divertiti moltissimo. Ha dato una splendida prestazione e ha colto felicemente l'opportunità di rivedere gran parte della sua carriera. Se ci fosse stato un Oscar per il miglior testimone, l'avrebbe vinto”, scrive Coleman della sessione di due ore e mezza.
Durante la sessione, Olivier ha consigliato a uno degli avvocati di saltare le proiezioni del suo prossimo film "The Jazz Singer", definendolo "così orribile che mi fa stare male", "merda" e "orribile". Ha anche avvertito che "farà sentire male fisicamente chiunque abbia pretese artistiche".
Le prove di S&L, inclusi i commenti di Olivier, sembrano aver convinto il governo degli Stati Uniti dell'errore commesso. Il 1° dicembre, gli avvocati di entrambe le parti hanno firmato un documento che accetta un rimborso fiscale per S&L, come mostra l'ordine del caso fornito a LedZepNews da Macdonald.
A quel tempo, Burt stava negoziando la sua partenza dallo studio legale che aveva fondato. L'azienda ha convenuto che Burt avrebbe ricevuto la commissione di successo del caso S&L di $ 1,25 milioni se avesse vinto il caso, ignaro che fosse già stato in gran parte risolto.
“Poiché le informazioni sul caso erano riservate, i partner non sapevano che poche settimane prima gli Stati Uniti avevano ammesso il caso; non restava che depositare le necessarie pattuizioni congiunte con il tribunale”, scrive Burt nel suo libro. "Due mesi dopo, S&L mi ha pagato $ 1.250.000."
Il percorso si chiude
A detta di tutti, sembra che la struttura globale delle società guidate da S&L abbia avuto un enorme successo nel consentire ai Led Zeppelin e ad altri intrattenitori di ridurre al minimo le tasse che pagavano negli Stati Uniti.
Ma la natura complessa e mutevole dei trattati fiscali internazionali ha fatto sì che la rete diventasse presto irrilevante e obsoleta, chiudendo per sempre il percorso.
Il 29 giugno 1987, il governo degli Stati Uniti ha annunciato che il suo trattato fiscale con le Antille olandesi sarebbe terminato il 1° gennaio 1988. Questo è stato un duro colpo per le società offshore in forte espansione con sede a Curaçao. Gli avvocati fiscalisti internazionali hanno capito che era solo una questione di tempo prima che Stati Uniti e Paesi Bassi rinegoziassero anche quel trattato.
Consapevole di questa fine incombente per la rete, S&L Entertainment Investors è stata liquidata il 24 febbraio 1987 prima di chiudere definitivamente il 6 marzo 1987, come mostrano i documenti del registro delle imprese di Curaçao.
Il genio finanziario dei Led Zeppelin
Gli esami approfonditi dei trattati fiscali internazionali sono ben lontani da argomenti come la musica rock e gli eccessi dietro le quinte che in genere emergono quando coprono i Led Zeppelin, ma l'uso da parte della band di questa innovativa rete fiscale globale mette in mostra il genio finanziario dietro il gruppo.
Grant, il manager della band, è stato un pioniere nella sua capacità di negoziare un incasso del 90% degli incassi per i concerti. E con l'uso da parte della band di S&L e di molteplici attività in tutto il mondo, è chiaro che Grant e la band avevano buone ragioni per elencare quell'oscura attività olandese negli annunci sui giornali e sui biglietti degli spettacoli.
Robert Plant una volta disse: "John [Bonham] è stato il più grande batterista del mondo. Lo sapevo perché me l'aveva detto lui". E a parte questa concisa osservazione, anche John 'Bonzo' Bonham ha detto al mondo la stessa cosa lasciando che il suo batterista spaccone parlasse. Era il tuono che ha reso i Led Zeppelin una tempesta da vedere.
Questa nozione è stata ratificata da Plant che ha affermato: “Bonzo era la parte principale della band. Era l'uomo che faceva funzionare tutto ciò che Page e io scrivevamo fondamentalmente, in base a ciò che ha trattenuto, a ciò che non ha fatto ai tempi. Non credo ci sia nessuno al mondo che possa sostituirlo". Quello stile unico continua ad affascinare i musicisti fino ad oggi.
Come disse una volta Matt Helders degli Arctic Monkeys , “È qualcuno a cui torno sempre. […] Un riempimento che fa alla fine dell'assolo di "Moby Dick", prima che la band torni in campo. Mi dà i brividi, e non è un'esagerazione. Riesco a malapena a esprimere ciò che mi fa. È perfetto, assolutamente perfetto”.
Tuttavia, non è il rantolo degli ultimi tormenti di "Moby Dick's" che ha apprezzato un commento roboante da parte di Plant. Discutendo di "Achilles Last Stand" dei Presence , il frontman l'ha descritto come "noi meno affascinanti e più abili: una traccia di Bonzo in cui nessuno potrebbe nemmeno credere che un essere umano possa farlo". A 146 battiti al minuto, Bonham passa da 5/4 a 4/4 come un metronomo sulla velocità e scorre attraverso riempimenti che danno colore al ritmo hard rock in un modo che si integra facilmente con gli arpeggi influenzati dal Marocco.
Concludendo a poco meno di 11 minuti, il tiro al volo è anche una testimonianza della resistenza di Bonham. Potrebbe essere un tuono di tamburi, ma è lontano da una tempesta passeggera. La sua capacità di sostenere non solo la sua furia ma anche la sua innovazione senza mai mettere sotto accusa il punto cruciale di ciò che Plant e Page stavano cercando di fare è qualcosa che non ha rivali. Come direbbe Plant, è quasi a malapena umano.
Il fatto che questo polpo antropomorfizzato dietro il kit ponga questa traccia di batteria in una canzone che cita William Blake e trasponga la chitarra Flamenco allo stile rock è anche un segno dei Led Zeppelin . C'è così tanto da fare che la birra che hanno servito era sempre destinata ad essere interessante. Questo mix della brillantezza di Bonzo, le influenze esotiche, l'innovazione in studio di sovraincisione di Page e il lontano arrangiamento orchestrale di John Paul Jones, caratterizza esattamente ciò che ha reso i Led Zep una delle band più multidimensionali di tutti i tempi.
Achilles Last Stand (Remaster)
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"Nessuno di noi avrebbe mai potuto immaginare che sarebbe successo": la vera storia dietro le sessioni segrete di Bombay dei Led Zeppelin
Di Rob Hughes( Rock classico )pubblicato2 giorni fa
Nell'ottobre 1972, Robert Plant e Jimmy Page dei Led Zeppelin si recarono a Bombay per suonare con musicisti indiani. Questo è quello che è successo
La mancanza di informazioni è servita solo ad amplificare l’aspetto mitico delle tre visite di basso profilo dei Led Zeppelin in India nell’arco di 12 mesi all’inizio degli anni ’70. Jimmy Page e Robert Plant visitarono per la prima volta la tentacolare città di Bombay dopo il loro tour giapponese del settembre 1971.
Pochi mesi dopo, mentre si recavano a suonare in Australia nel febbraio del '72, entrarono di nascosto nel paese con il tour manager Richard Cole dopo che gli era stato negato l'ingresso a Singapore a causa dei loro capelli e barbe lunghi. Il trio ha girato per Bombay in un taxi, armato di cineprese da 8 mm.
Ma il più intrigante di questi viaggi clandestini fu quello dell'ottobre 1972. Dopo il tour di sei date degli Zeppelin in Giappone, Page, Plant e Cole si accamparono nell'hotel a cinque stelle Taj Mahal di Bombay - e debitamente suonarono un concerto. il paese arrivò in un'epoca in cui la musica rock indiana era ancora agli inizi. C'erano diversi gruppi simili a Bombay – i principali tra cui Atomic Forest, Human Bondage e Velvette Fogg – ma erano quasi interamente schiavi delle importazioni occidentali.
"All'inizio degli anni '70 qui non c'era molta musica originale cantata in inglese, solo in hindi", spiega Nandu Bhende, il cantante dei Velvette Fogg. “C’era sicuramente una scena tra i ragazzi del college nelle metropolitane – Bombay, Delhi, Bangalore, Calcutta – ma, francamente, abbiamo semplicemente copiato i Led Zeppelin. È stato molto più tardi che abbiamo preso tutte quelle influenze e abbiamo iniziato a creare la nostra musica”.
Bhende incontrò per la prima volta Page e Plant all'hotel Taj Mahal, dove la coppia dei Led Zeppelin soggiornava durante il loro terzo viaggio.
"C'era una discoteca al piano di sotto dell'hotel Taj dove ci esibivamo come gruppo rock, e Plant e Page vennero alle nostre prove", ricorda. “Ricordo che Plant si sedette sulla batteria e quasi la ruppe, perché la colpiva così forte. Era dappertutto. Voleva connettersi. Ma Page era molto tranquillo, stava semplicemente seduto e non comunicava troppo. Pensavo che sembrassero piuttosto effeminati, il che era davvero strano per me, perché erano così forti nella loro musica e nel loro suono. Sembrava un atto da macho, ma nella vita reale non era affatto così."
Pochi giorni dopo, un lunedì sera (molto probabilmente il 16 ottobre), Plant e Page diedero un concerto improvvisato al nightclub Slip Disc di Bombay, accompagnati da due musicisti locali e da un'attrezzatura da palco primitiva. Bhende era tra il pubblico quella sera.
"Lo Slip Disc era davvero un buco, non un posto molto enorme", dice. “Ma era pieno. Plant e Page non avevano alcuna attrezzatura e non avevano provato. Sono appena saliti sul palco con i due musicisti qui [Xerxes Gobhai, bassista degli Human Bondage, e Jameel Shaikh, batterista della band di Bhande, Velvette Fogg]. Ricordo che Page aveva preso una Stratocaster ed era in pessime condizioni, così prese la chitarra del mio compagno di band, una vecchia cosa tedesca, e suonò quella. Cominciarono con Rock And Roll e suonarono per 20 o 25 minuti. Ci fu una lunga jam alla fine, quando Plant cominciò a parlare di Bombay, poi fecero Black Dog . Sembrava che Plant e Page si stessero divertendo. La folla è impazzita”.
Lo spettacolo è stato presumibilmente registrato su cassetta dal DJ residente del club, Arul Harris, dopo di che è caduto in possesso di Keith Kanga degli Atomic Forest. Sfortunatamente, il nastro è andato perduto, così come i ricordi definitivi dell'epoca, anche se Gobhai ricordava di aver suonato anche Whole Lotta Love. Lo studente universitario e giornalista Khalid Mohammed successivamente affermò che Plant e Page cantavano una melodia mai sentita prima, Kashmir, ma gli esperti degli Zeppelin insistono sul fatto che Kashmir non fu scritta fino al 1973.
A causa della natura spontanea dell'evento, esso ha ricevuto scarsa attenzione da parte della stampa. Alcune foto del concerto, tuttavia, sono apparse nel numero di novembre della rivista giovanile di Bombay Junior Statesman, accompagnate da una breve intervista.
Un articolo di giornale annuncia il viaggio dei Led Zeppelin in India(Credito immagine: Bombay Times)
“You know why we came?” Plant told the writer. “To see if we could set up a recording studio. But the customs regulations are tough, man. Like, it will take us six months to get our equipment out of Bombay airport.”
That trip also marked the occasion when Plant and Page, the latter armed with a state-of-the-art Stellavox qaudraphonic tape machine, recorded in the studio with a bunch of Indian classical musicians, arranged for them by Ravi Shankar disciple Vijay Raghav Rao.
The result, the much-bootlegged The Bombay Sessions, yielded radically different versions of Friends and Four Sticks, featuring sarangi, sitars and tablas. The ensemble was credited as the Bombay Symphony Orchestra, though Page was less than happy with the quality of the sessions themselves. Once back in England, according to Richard Cole, the Bombay tapes went into storage – though they would finally be released in 2015 as part of the deluxe reissue of Coda. More than 40 years on, nothing can deflect from the monumental cultural impact of Page and Plant’s visit.
“They were idols of ours before they came here,” marvels Bhende, “so we just could not believe that a front-ranking band of that stature could perform in India. None of us could have ever dreamt it was going to happen.”
il mito,la leggenda, il genio
Achilles Last Stand
LED ZEPPELIN
Presence
Un urlo la cui essenza è rappresentata dal primo brano del disco: "Achilles Last Stand (L'ultima resistenza di Achille)". Innanzitutto una precisazione riguardo il titolo: il termine "last stand", qui riferito al personaggio mitologico di Achille e da me tradotto "ultima resistenza", non è traducibile in italiano. "Last stand" è un'espressione di origine militare che sottintende una battaglia disperata, un'ultima difesa quasi certamente perdente contro un nemico soverchiante. In virtù del titolo e di alcuni passi del testo, molti fans hanno pensato che Achilles Last Stand fosse stata ispirata dall'incidente occorso a Robert Plant in Grecia, o più in generale alla situazione in cui allora versavano i Led Zeppelin. Non è impossibile che sia così per quel che riguarda il titolo, ma l'ispirazione per le liriche ebbe origine un paio di mesi prima i fatti di Rodi, da un viaggio in Marocco che il cantante intraprese insieme a Jimmy Page. Con i suoi oltre dieci minuti di durata, la ricercatezza poetica, l'incisività e la potenza di basso e batteria, nonché per la complessità compositiva delle sue parti di chitarra, questa canzone merita un posto d'onore nella top ten dei migliori pezzi Zeppelin. Ma non è solo per l'aspetto tecnico; Achilles Last Stand riesce a trasmettere con grande intensità un senso di eroismo e dramma, anche senza capire un'acca del testo. Esattamente quanto si propone fin dal titolo. Gran parte del merito va al lavoro svolto da Jimmy Page, che in pochi giorni di lavoro intensivo confezionò una complessa struttura compositiva: numerose tracce di chitarra sovraincise, magistralmente condotte verso uno degli assoli più importanti della carriera di Page nei Led Zeppelin. L'intento del chitarrista era di far sì che le due sezioni da cui è composto il pezzo non fossero ridondanti, ma esprimessero lo stesso concetto attraverso sensazioni differenti, e decise di raggiungere tale obiettivo orchestrando tra loro le varie parti di chitarra. D'altronde, considerato che era praticamente l'unico a preoccuparsi della resa creativa, cos'altro poteva inventarsi Jimmy Page se non portare all'estremo un espediente già usato (con successo) in pezzi come Stairway to Heaven e Ten Years Gone? A detta di Page, Jones e gli altri pensavano che una simile "guitar army" non potesse funzionare, rendendo la resa generale sconclusionata e confusa. Ed invece, funzionò. La sola sovraincisione delle tracce, per alcuni addirittura una dozzina, per altri circa sei, venne realizzata in appena una notte di lavoro no-stop, nello spirito che contraddistingue l'intero album; la fretta di dover realizzare un lavoro così importante in pochi giorni, così come i dubbi sulla salute di Plant ed il futuro del gruppo, si rifletterono sul lavoro di Jimmy Page, rendendo il suono teso, cupo e drammatico. Achilles Last Stand è un continuo prendere la rincorsa ed accelerare, soccombere solo per rialzarsi faticosamente e tornare a correre, senza tregua né pietà. Il brano comincia immediatamente con una corsa a perdifiato, e se si riesce a distrarsi un momento dall'intricato quadro disegnato da Page ci si accorge immediatamente di un altro protagonista; John Bonham è colui che delinea allo stesso tempo sia la possanza che la concitazione del pezzo, e se è corretto dire che Presence nasce soprattutto dalle mani e dalla mente di Jimmy Page, è pur vero che Bonzo dà il meglio di sé come e più del solito. Delineare il merito di Bonham, di rado accreditato a qualche pezzo, non è mai facile; d'altra parte non è tanto quello che scrive o propone, ma proprio un fatto di personalità e di stile, entrambi unici. Questo non vuol dire che il cantante ed il bassista, il cui apporto appare meno spiccato del solito, facciano un lavoro mediocre; pur senza grandi picchi creativi, quel che sanno fare lo fanno al meglio, come sempre. Jones tiene il passo di Page sfoderando il suo basso a otto corde, mentre Robert Plant riesce ad elevarsi, in senso metaforico, oltre la sedia a rotelle che lo imprigiona ed a lanciarsi in echeggianti urla che ricordano da vicino quelle di The Immigrant Song; un accostamento forse non del tutto casuale. Il consueto incisivo alternarsi di breaks e fills di Bonzo, caratterizzato da rapidissime rullate, apre ben presto la strada al primo exploit di Jimmy Page, che prima rallenta il tempo ed alza i toni facendo salire la tensione, poi torna improvvisamente a correre sul riff principale della canzone. La voce di Plant è tesa e quasi sofferente, limitandosi a riempire lo spazio tra l'orchestra personale di Page e l'assolo centrale del chitarrista, vero e proprio virtuosismo carico di tensione eroica. Sempre accompagnato dal sottofondo delle proprie sovraincisioni, Page tira l'assolo fino allo stremo per rallentare proprio nell'istante di massima tensione, portato all'estremo dall'improvviso e pesante incedere di basso e batteria; pare davvero di guardare un guerriero allo stremo delle forze rialzarsi nonostante tutto, fino a quando il chitarrista non riprende tutta la sua energia nell'assolo per portarlo a termine e continuare a correre, ancora e ancora. E' a questo punto che la voce di Plant cessa di essere semplice cornice e si trasforma in vero e proprio strumento, essenziale ed evocativo, i cui lamenti divengono veri e propri urli di guerra. La sua situazione fisica, altrimenti un handicap (anche psicologico), è più che adatta a delineare un eroismo che fa capo ad ogni energia rimasta pur di sopravvivere. Achilles Last Stand segue questo schema fino alla fine, ma tra mille sfumature sempre diverse eppure sempre uguali, fino a sfumare su un arpeggio vacuo e tranquillo, circolare; come se la battaglia non avesse avuto davvero fine, ma durasse in eterno. Il testo di Robert Plant è un ottimo esempio della migliore poetica del cantante: criptico, ricco di metafore evocative e volto ad una sorta di "ricerca del sé" dai toni epici, esistenzialismo e misticismo che diventano vera e propria guerra interiore, ed ogni figura o esperienza esterna dall'Io è un simbolo che ricava il proprio valore su un piano che è allo stesso tempo individuale ed universale. Non è la prima volta che Plant accosta tematiche di tale natura a sonorità dai toni epici, ed è ammirevole come egli dimostri quanto questi aspetti abbiano, in realtà, così tanti elementi concettuali da spartire. Fosse stato un altro, forse il testo di Achilles Last Stand avrebbe parlato di antichi guerrieri britanni impegnati a resistere coraggiosamente contro l'avanzata dei romani, o di pochi cavalieri caledoni soverchiati dai normanni; ma lo stile di Robert Plant era un altro e, piaccia o no, questo brano non fa eccezione. I riferimenti al viaggio in Marocco (e nel Mediterraneo in generale), sono puramente di stampo evocativo e paesaggistico. Uno tra tutti riguarda l'ultima strofa, laddove il cantante cita il mitologico titano Atlante (Atlas) che sorregge il mondo, in un riferimento alla catena montuosa dell'Atlante situata proprio tra Marocco, Algeria e Tunisia. Ma vi sono altre ispirazioni, come ad esempio William Blake ed il suo The Dance of Albion, ove Plant afferma: "i resti di Albione ora dormono per sorgere di nuovo". Un omaggio sia allo scrittore che al paese d'origine del cantante, dal momento che Albione è il più antico nome delle isole britanniche; un luogo di cui Plant aveva grande nostalgia, visto l'esilio fiscale dei Led Zeppelin. Come prevedibile, data la complessa natura compositiva del brano, eseguire Achilles Last Stand dal vivo rappresentò una bella sfida per i quattro musicisti, e tuttavia non mancò mai di venir suonata durante tutto il tour del '77, dimostrando ampiamente quanto questa canzone avesse fatto breccia nel cuore del pubblico. Nonostante l'ostica struttura chitarristica, Page non ebbe nemmeno bisogno di ricorrere alla sua iconica Gibson a doppio manico, preferendo affidarsi alla solida sicurezza della sua vecchia Les Paul Standard del '59. Riassumendo: Achilles Last Stand è un piccolo capolavoro, nonché senza dubbio il brano più potente ed incisivo di Presence. Basterebbe questo pezzo da solo a dare un senso all'intero album, alla faccia di alcune drastiche critiche che gli furono mosse. Non sorprende affatto che i Led Zeppelin avessero deciso di usarlo per aprire il loro disco, piuttosto che porlo come "baricentro" dell'opera così come fu per pezzi come Kashmir e Stairway to Heaven. Perché questa canzone è l'emblema stesso dell'album che la ospita, quel che occorre per dire: siamo ancora in campo, feriti ma non sconfitti, e questa è la nostra Presenza. Come da consuetudine, la traccia che segue tende a smorzare la tensione per portarsi su sonorità più distese; è la tipica alternanza di "luci e ombre" tanto cara a Jimmy Page.
Good morning friends
the myth, the legend, the genius
Achilles Last Stand
LED ZEPPELIN
Presence
1976 - Swan Song Records
A scream whose essence is represented by the first song of the album: "Achilles Last Stand". First of all, a clarification regarding the title: the term "last stand", here referring to the mythological character of Achilles and translated by me as "last stand", cannot be translated into Italian. "Last stand" is an expression of military origin that implies a desperate battle, a last defense that is almost certainly losing against an overwhelming enemy. By virtue of the title and some passages of the text, many fans thought that Achilles Last Stand was inspired by the accident that occurred to Robert Plant in Greece, or more generally by the situation that Led Zeppelin found itself in at the time. It is not impossible that this is the case as far as the title is concerned, but the inspiration for the lyrics originated a couple of months before the events in Rhodes, from a trip to Morocco that the singer undertook together with Jimmy Page. With its duration of over ten minutes, the poetic refinement, the incisiveness and power of the bass and drums, as well as the compositional complexity of its guitar parts, this song deserves a place of honor in the top ten of the best Zeppelin pieces . But it's not just for the technical aspect; Achilles Last Stand manages to convey a sense of heroism and drama with great intensity, even without understanding a thing of the text. Exactly what the title suggests. Much of the credit goes to the work done by Jimmy Page, who in a few days of intensive work created a complex compositional structure: numerous overdubbed guitar tracks, masterfully conducted towards one of the most important solos of Page's career in Led Zeppelin. The guitarist's intent was to ensure that the two sections from which the piece is composed were not redundant, but expressed the same concept through different sensations, and he decided to achieve this objective by orchestrating the various guitar parts together. On the other hand, considering that he was practically the only one worried about creative output, what else could Jimmy Page invent other than taking to the extreme an expedient already used (successfully) in pieces like Stairway to Heaven and Ten Years Gone? According to Page, Jones and the others thought such a "guitar army" couldn't work, making the overall performance rambling and confusing. And instead, it worked. The overdubbing of the tracks alone, for some even a dozen, for others around six, was done in just one night of non-stop work, in the spirit that distinguishes the entire album; the rush of having to carry out such an important work in a few days, as well as doubts about Plant's health and the future of the group, were reflected in Jimmy Page's work, making the sound tense, dark and dramatic. Achilles Last Stand is a continuous running up and accelerating, succumbing only to laboriously get up and start running again, without respite or mercy. The piece begins immediately with a breakneck run, and if you manage to distract yourself for a moment from the intricate picture drawn by Page you immediately notice another protagonist; John Bonham is the one who outlines both the power and the excitement of the piece at the same time, and if it is correct to say that Presence was born above all from the hands and mind of Jimmy Page, it is also true that Bonzo gives the best of himself as and more than usual. Outlining the merit of Bonham, who is rarely credited to any piece, is never easy; on the other hand, it's not so much what he writes or proposes, but a matter of personality and style, both unique. This does not mean that the singer and the bassist, whose contribution appears less pronounced than usual, do a mediocre job; even without great creative peaks, what they know how to do they do at their best, as always. Jones keeps pace with Page by showing off his eight-string bass, while Robert Plant manages to rise, in a metaphorical sense, beyond the wheelchair that imprisons him and launch into echoing screams that closely recall those of The Immigrant Song; a combination perhaps not entirely coincidental. Bonzo's usual incisive alternation of breaks and fills, characterized by very rapid rolls, soon opens the way for Jimmy Page's first exploit, who first slows down the tempo and raises the tones, raising the tension, then suddenly returns to running on the main riff of the song. Plant's voice is tense and almost suffering, limiting itself to filling the space between Page's personal orchestra and the guitarist's central solo, true virtuosity full of heroic tension. Always accompanied by the background of his own overdubs, Page takes the solo to the limit and slows down right at the moment of maximum tension, taken to the extreme by the sudden and heavy advance of bass and drums;
it really feels like watching a warrior at the end of his strength get up again despite everything, until the guitarist regains all his energy in the solo to complete it and continue running, again and again. It is at this point that Plant's voice ceases to be a simple framework and transforms into a real instrument, essential and evocative, whose moans become real war cries. His physical situation, otherwise a handicap (even psychological), is more than suitable to outline a heroism that relies on every energy left to survive. Achilles Last Stand follows this pattern to the end, but among a thousand nuances that are always different and yet always the same, until it fades into a hollow and quiet, circular arpeggio; as if the battle had never really ended, but had lasted forever. Robert Plant's lyrics are an excellent example of the singer's best poetics: cryptic, full of evocative metaphors and aimed at a sort of "search for the self" with epic tones, existentialism and mysticism which become a real internal war, and every figure or external experience from the ego is a symbol that derives its value on a level that is both individual and universal. It is not the first time that Plant combines themes of this nature with epic sounds, and it is admirable how he demonstrates how these aspects actually have so many conceptual elements to share. Had it been someone else, perhaps the text of Achilles Last Stand would have spoken of ancient British warriors bravely resisting the advance of the Romans, or of a few Caledonian knights overwhelmed by the Normans; but Robert Plant's style was different and, like it or not, this song is no exception. The references to the trip to Morocco (and the Mediterranean in general) are purely evocative and landscape-related. One of these concerns the last verse, where the singer mentions the mythological titan Atlas (Atlas) who supports the world, in a reference to the Atlas mountain range located right between Morocco, Algeria and Tunisia. But there are other inspirations, such as William Blake and his The Dance of Albion, where Plant states: "the remains of Albion now sleep to rise again". A tribute to both the writer and the singer's country of origin, since Albion is the oldest name of the British Isles; a place that Plant was very nostalgic for, given Led Zeppelin's fiscal exile. As expected, given the complex compositional nature of the song, performing Achilles Last Stand live represented a great challenge for the four musicians, and yet it never failed to be played throughout the '77 tour, amply demonstrating how much this song had made inroads in the hearts of the public. Despite the difficult guitar structure, Page didn't even need to resort to his iconic double-neck Gibson, preferring to rely on the solid safety of his old '59 Les Paul Standard. In summary: Achilles Last Stand is a small masterpiece, as well as undoubtedly the most powerful and incisive song on Presence. This piece alone would be enough to make sense of the entire album, despite some drastic criticisms that were leveled at it. It is not at all surprising that Led Zeppelin decided to use it to open their album, rather than placing it as the "centre of gravity" of the work as it was for pieces such as Kashmir and Stairway to Heaven. Because this song is the very emblem of the album that hosts it, what is needed to say: we are still on the field, wounded but not defeated, and this is our Presence. As usual, the following track tends to tone down the tension to move towards more relaxed sounds; it is the typical alternation of "light and shadow" so dear to Jimmy Page.
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7 settembre 1968
Gladsaxe
DK
Teen-Clubs, Box 45, Egegaard Skole
Appunti
Primo concerto in assoluto del gruppo, che viene annunciato come The Yardbirds durante questo breve tour in Scandinavia.
Teen-Clubs, Box 45, Egegaard Skole. Prezzo del biglietto 5-7 DKR. Spettacolo alle 19:30 (*Supporto: Fourways, Bodies). Primo spettacolo - la seconda esibizione si svolgerà più tardi questa sera al Brondby Pop Club.
Jimmy Page: "Non fanno il tifo troppo pazza lì, sai? Eravamo davvero spaventati, perché avevamo solo circa quindici ore per esercitarci insieme. Era una specie di concerto sperimentale per vedere se fossimo bravi. Immagino. " (intervista del dicembre 1968)
Peter Grant: "Oh, ricordo tutto di quel primo spettacolo a Copenaghen. Ricordo tutto quello che Jimmy Page mi aveva detto sul batterista, Bonzo. E l'intera performance. È stato così... eccitante! Solo per farne parte è stato fantastico. Non ho mai pensato, Dio, che questo avrebbe venduto X quantità di dischi. Ho pensato che potesse essere la migliore band di sempre".
Il 7 settembre 2013, in occasione del 45° anniversario del primo concerto dei Led Zeppelin, una targa commemorativa è stata svelata nella scuola di Gladsaxe dove tutto ha avuto inizio.
Recensione : In Teen Club Nyt (la rivista mensile dei membri del Gladsaxe Teen Club) nell'ottobre 1968, Bent Larsen (che era il normale recensore della rivista) diede questa recensione entusiastica del nuovo primo concerto degli Yardbirds: "Il gruppo inglese YARDBIRDS stava provando il loro nuovo ambientato per la maggior parte del pomeriggio. Quindi, quando sono entrati in scena, erano davvero entusiasti di iniziare e dare tutto. La loro esibizione e la loro musica erano assolutamente impeccabili, e la musica ha continuato a suonare bene nelle orecchie per un po' di tempo dopo che le tende erano state disegnato dopo il loro spettacolo. Permettetemi in particolare di elogiare JIMMY PAGE che ha fatto un ottimo lavoro con i 3 nuovi uomini. Ci sono davvero riusciti e in particolare l'assolo di chitarra di Jimmy Page ha suscitato grandi applausi. Possiamo quindi concludere che il nuovo YARDBIRDS sono buoni almeno quanto quelli vecchi."[teenclubs.dk]
Le sessioni si sono svolte prima che il gruppo si fosse assicurato un contratto discografico (la band si presentò all’Atlantic con i nastri in mano, senza chiedere del denaro prima di entrare in studio – parola di Jimmy Page) e sono durate 36 ore, nell’arco di alcune settimane. Uno dei motivi principali del breve tempo di registrazione è dato dal fatto che il materiale selezionato per l’album era stato ben preparato e pre-organizzato dalla band durante il tour scandinavo, quando ancora i quattro non si chiamavo Led Zeppelin. Le registrazioni sono state pagate direttamente dallo stesso Page, che aveva una certa esperienza con il music business per via della sua precedete militanza negli Yarbirds, e dal manager dei Led Zeppelin, Peter Grant, e sono costate 1.782 sterline (equivalenti a 29.546 sterline nel 2019). Sono stati prodotti da Page…
Il resto… è ormai storia!!!
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25 settembre 1968
L'inizio dell'epico Led Zeppelin I
JIMMY PAGE : "Quindi siamo nel 50° anniversario dei Led Zeppelin, e in questo giorno, il 25 settembre 1968, annuncia l'inizio dell'epico album dei Led Zeppelin I: il momento in cui sarei in grado di manifestare i suoni e gli strati che avevo sentito nella mia testa e dimostrare anche il mio status di produttore.
Il gruppo è andato allo Studio No.1, Olympic Studios, 117 Church Road, Barnes, Londra, SW13, dopo aver provato a lungo il materiale per i Led Zeppelin I a casa mia a Pangbourne e abbiamo avuto l'opportunità di eseguire una buona percentuale di quel materiale durante alcuni concerti in Scandinavia e nel Regno Unito per vivere la nostra musica dal vivo sotto il mantello clandestino degli Yardbirds. A quei tempi, il tempo in studio era disperso e limitato in pochi giorni a settembre e ottobre, dettato dalla disponibilità dell'Olympic.
Così, con l'aiuto della magistrale ingegneria del mio vecchio amico Glyn John, alle 23:00 di mercoledì 25 settembre 1968, iniziammo le nostre registrazioni e iniziammo a registrare questa eclettica potenza su nastro.
Molto è stato ipotizzato sulle registrazioni iniziali, quindi ho pensato che sarebbe stato utile mostrare il foglio di lavoro di RAK che fornisce le date e gli orari in cui dovevamo entrare inizialmente. È una lettura affascinante. " (settembre 2018 | jimmypage.com ]
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27 settembre 1968
Continuano le registrazioni dei "Led Zeppelin I".
La registrazione continua all'Olympic Studio di Londra. Le sessioni sono state completate in sole 30+ ore per un costo totale di £ 1.782 che è stato autofinanziato. L'album è stato prodotto da Jimmy Page.
Jimmy Page : "È stato facile perché avevamo un repertorio di numeri elaborato e siamo semplicemente entrati in studio e l'abbiamo fatto. Suppongo che fosse il fatto che eravamo fiduciosi e preparati che ha fatto sì che le cose scorressero senza intoppi in studio. E come è successo, abbiamo registrato le canzoni quasi esattamente come le stavamo facendo dal vivo. Solo Babe I'm Gonna Leave You è stato modificato, per quanto mi ricordo."
"Il gruppo stava insieme solo da due settimane e mezzo quando l'abbiamo registrato. Avevamo avuto quindici ore di prove prima di girare direttamente in Scandinavia per alcuni concerti, poi subito dopo abbiamo tagliato l'album. Lì era molto poco double-tracking. Abbiamo deliberatamente mirato a mettere giù ciò che potremmo effettivamente riprodurre sul palco. "
"Volevo ottenere un suono ambientale e avevo anche l'idea di usare l'eco del nastro al contrario, che avevo suggerito prima su una traccia degli Yardbirds. Quindi sapevo che funzionava! Volevo anche che ci fosse molta luce e ombra e un certo tensione drammatica. So di aver influenzato abbastanza pesantemente il contenuto e gli arrangiamenti, ma è stato solo perché non avevamo il tempo di discutere di tutto tra noi. Il primo album era una vera miscela di blues, rock e musica acustica" (C. Welch)
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Robert Plant Rivela Il Suo Momento Preferito Con John Bonham
Era sicuramente una convergenza predestinata del meglio del rock. Jimmy Page, sopravvissuto agli Yardbirds, voleva che l'influente gruppo blues rock continuasse. Dopo aver sperimentato e suonato al fianco di artisti del calibro di Jeff Beck ed Eric Clapton, sapeva quello che aveva e sapeva come andare avanti.
Tutto ciò di cui aveva bisogno erano i membri.
Un cantante di nome Robert Plant portò con sé il suo amico John Bonham, che una volta gli disse: "Va tutto bene, ma staresti molto meglio se avessi dietro di te il miglior batterista del mondo".
Quando suonarono per la prima volta nell'agosto del 1968, sapevano di aver trovato qualcosa di straordinario. Ciò di cui non si rendevano conto era che avrebbero sostanzialmente ridefinito il rock and roll nei successivi dodici anni.
Ma il fulcro del gruppo è sempre stato l'inimitabile Bonham, che sarebbe diventato uno dei più grandi batteristi del rock, rimodellando il genere inserendo i colpi più pesanti e ben pensati dell'hard rock.
Plant è sempre stato il complice di Bonham, e il cantante ha sempre avuto un profondo rispetto e riverenza nei confronti del suo amico batterista. Quando gli è stato chiesto quale fosse il suo pezzo preferito di batteria Bonzo su disco, Plant aveva in mente una risposta unica.
Era la canzone del 1973 “Crunge”, una delle creazioni più squallide della band nella loro altrimenti superba discografia.
"È Il Batterista Che Ce La Fa."
"Quello che sta facendo Bonzo è grandioso", ha dichiarato Plant in un'intervista del 1988 con Tony Bacon. “Senza nemmeno pensarci, si imbatteva in cose del genere: il suo lavoro era così eccessivamente adeguato, così estremo e tuttavia così discreto. C'erano così tanti elementi diversi in quello che stava facendo. Quindi un riempimento ci sarebbe stato solo se fosse stato necessario, ma quando sarebbe arrivato, beh…”
Il frontman, che ha sempre pensato con affetto al suo caro amico, aveva costantemente riconosciuto in Bonham la forza dietro il successo della band.
È il batterista che lo fa. Perché Bonzo non cominciò ad agitarsi come una piovra demente, come facevano tutti gli altri in quel momento."
"Crunge" era una canzone carica di funk ispirata a James-Brown che i critici odiavano. La canzone, che si è evoluta da una jam session, è stata suonata in 5/4 come un tentativo ironico di creare una melodia dance non ballabile.
Lo scherzo era il lato B di un'altra impresa che attraversava i generi, l'imitazione del reggae "D'yer Mak'er" (che era un gioco di parole sulla parola "Jamaica"). Entrambe le canzoni provengono dal loro album in studio del 1973, Houses of the Holy .
Anche se era davvero una canzone divertente che la band fece per i lolz, oltre ad essere stata liquidata come una delle peggiori canzoni che avessero mai fatto, "Crunge" era comunque una magistrale clinic di batteria del devoto Bonham.
Bonham naviga senza sforzo attraverso una sequenza di tempi in chiave mutevoli, trasformando i ritmi funky di James Brown con la spavalderia e l'ondeggiamento distintivi dei Led Zeppelin. Questa traccia si distingue come una delle composizioni più intricate della band, ma la performance sicura e sicura di Bonham ne nasconde magistralmente la complessità.
Come se fosse solo un altro martedì per il divino Bonzo.
Quando gli è stato chiesto perché gli piacesse "Crunge", Plant ha pensato che la canzone fosse "così bella".
Almeno al frontman, Houses of the Holy sembrava essere una parte importante del repertorio dei Led Zeppelin. Ha anche selezionato "The Ocean" e "The Song Remains the Same" come altre due canzoni che rappresentavano la band, ciascuna per lui e John Paul Jones come il loro lavoro migliore.
Una canzone che ha scelto come pezzo forte per Page è stata la traccia Physical Graffiti "In My Time of Dying".
La storia della canzone più lunga dei Led Zeppelin
I Led Zeppelin, i leggendari pionieri dell'heavy rock degli anni '70, hanno lasciato un segno indelebile nel mondo della musica. Il quartetto - Robert Plant, Jimmy Page, John Paul Jones e John Bonham - ha realizzato alcuni dei brani di chitarra più iconici di sempre, dall'intramontabile "Stairway to Heaven" all'energica "Immigrant Song".
Quindi, quali canzoni dei Led Zeppelin sono le registrazioni in studio più lunghe?
A dare il via alla lista è "In the Light" dal loro album del 1975 "Physical Graffiti", che dura otto minuti e 46 secondi.
La canzone prevedeva che Page suonasse la sua chitarra con un archetto di violino e una lunga introduzione basata sul sintetizzatore di Jones. È interessante notare che i Led Zeppelin non hanno mai eseguito questa canzone dal vivo a causa della sua natura pesantemente sintetizzata.
Subito dopo "In the Light" c'è "Tea for One", che rivendica il quarto posto più lungo nella collezione dei Led Zeppelin.
Questo malinconico pezzo blues conclude il loro settimo album in studio “Presence” del 1976, con una durata di nove minuti e 28 secondi. In un'intervista con Trouser Press, Page ha affermato di voler creare un'atmosfera "davvero rilassata" per questa traccia.
Entrando tra i primi tre, troviamo "Achilles Last Stand" a dieci minuti e 31 secondi.
Questa traccia ha funzionato sia come apertura che come dichiarazione monumentale per l'album "Presence". Plant, in un'intervista con la rivista Mojo, lo descrisse come una dimostrazione della loro massima competenza: "una traccia Bonzo in cui nessuno poteva nemmeno credere che un essere umano potesse farlo".
A conquistare il secondo posto è "Carouselambra", che supera "Achilles Last Stand" di soli tre secondi.
Con una durata di dieci minuti e 34 secondi, questa canzone scava nella storia dei Led Zeppelin. Plant ha notato in un'intervista con Mojo che i testi riflettono le difficoltà della band in quel periodo, catturando la storia dei loro ultimi anni. L'ironia, dice, è che adesso non riesce nemmeno a distinguere il testo.
Tuttavia, la corona della canzone più lunga dei Led Zeppelin spetta a 'In My Time of Dying'.
Apparso in "Physical Graffiti" nel 1975, questo brano dura 11 minuti e otto secondi. Una rivisitazione della composizione gospel blues di Blind Willie Johnson, la versione dei Led Zeppelin accompagna gli ascoltatori in un viaggio ben oltre le sue origini. In particolare, anche Bob Dylan ha interpretato questa canzone nel suo album di debutto, ma la versione dei Led Zeppelin vanta una portata epica.
Per riassumere, ecco la scaletta delle canzoni più lunghe dei Led Zeppelin:
- 'In My Time of Dying'11:08
'Carouselambra' – 10:34
Achilles' Last Stand' - 10:31
'Tea for One' - 9:28
'In the Light' - 8:47
"È stato davvero come un grido di sopravvivenza", ha detto una volta Plant alla rivista Circus mentre rifletteva su Presence. “Non ci sarà un altro album come questo – mettiamola così. Era un grido dal profondo, l’unica cosa che potevamo fare”.
Nobody's Fault but Mine
Bonham non era un cantautore nato, ma gli è stato attribuito il merito di aver scritto una selezione di brani per i Led Zeppelin. Tuttavia, non era perché si allontanasse con carta e penna. Invece, è stata in gran parte la sua presenza ispiratrice in studio, e senza che il batterista nemmeno ci provasse, ha fornito il nucleo di un'idea per una canzone con cui i suoi compagni di band hanno corso.
Page ha raccontato alla BBC la genesi della canzone: "'Good Times, Bad Times', come al solito, è nata da un riff con una grande quantità di John Paul Jones al basso, e ha davvero sbalordito tutti quando hanno sentito il pattern di grancassa". , perché penso che tutti scommettessero che Bonzo usasse due grancasse, ma ne aveva solo una.
Un altro contributo alla composizione delle canzoni della band è stato "Out on the Tiles" dal terzo album della band. La frase nel titolo del brano si riferisce a una serata fuori, e quando Bonham discusse il suo piano di “uscire sulle piastrelle”, si accese un'idea nella mente di Page. Come ringraziamento, il batterista è stato elencato come uno degli autori.
Bonham è stato anche indicato come uno degli artefici di "Moby Dick" da Led Zeppelin II del 1969, la sua canzone simbolo. La traccia è costruita attorno al suo potente assolo di batteria e durante i concerti gli ha permesso di mostrare la sua genialità al pubblico pagante. Una volta, durante un'esibizione alla Royal Albert Hall, Bonham suonò una versione estesa di 15 minuti del mostruoso successo rock.
Infine, Bonham è stato nominato come uno degli autori di "Kashmir", il brano che Plant considera la sua creazione preferita dei Led Zeppelin. Nel frattempo, Page ha detto della creazione della canzone: "L'intensità di 'Kashmir' era tale che quando l'abbiamo completata, sapevamo che c'era qualcosa di veramente ipnotico in essa, non potevamo nemmeno descrivere una tale qualità."
Ha aggiunto: “All’inizio c’eravamo solo io e Bonzo [il batterista John Bonham] negli Headley Grange. Suonava il ritmo alla batteria e ho trovato il riff e le sovraincisioni che sono stati successivamente duplicati da un'orchestra, per dare più vita alla traccia. All’inizio sembrava così spaventoso”.
I quattro contributi di Bonham alla discografia dei Led Zeppelin non si adattano alla descrizione tradizionale di un paroliere, è stato fondamentale per la creazione di ciascuna delle tracce sopra menzionate e, senza di lui, non esisterebbero nella loro forma attuale.
Le canzoni che John Bonham ha scritto per i Led Zeppelin:
'Moby Dick'
'Kashmir'
'Good Times, Bad Times'
'Out on the Tiles'
LED ZEPPELIN - Good times, Bad Times (1969)
